Julião Sarmento, einer der anerkanntesten zeitgenössischen portugiesischen Künstler, starb am Morgen des 4. Mai und hinterließ ein berüchtigtes und emblematisches Werk, das durch das Experimentieren mit allen Mitteln und Techniken unterbrochen wurde. In den letzten fünf Jahrzehnten hat die Multidisziplinarität der Arbeit des portugiesischen Künstlers Themen wie Erotik, Sexualität, Literatur oder Kino thematisiert. Weit davon entfernt, eine erschöpfende Zusammensetzung seiner Werke zu präsentieren, hebt dieser Artikel die Forschungs- und Schaffenslinien hervor, die das Julião Sarmento während seiner umfangreichen Karriere obsessiv erforscht.

Die Vertretung von Jesus Der gekreuzigte Christus ist aufgrund der Relevanz dieser Episode und der Symbolik des Kreuzes ein wiederkehrendes Thema in der katholischen Religion. Diese Matrixikone manifestiert das Leiden Christi, aber auch seine Errettung. Die Ikonographie des Leidens und Sterbens Christi ist in der Kunstgeschichte zu einer Möglichkeit geworden, menschliche Emotionen darzustellen und verschiedene Techniken zu erforschen, die auf einer katholischen Mission zur Sensibilisierung des Betrachters beruhen. Ab dem 20. Jahrhundert begannen Künstler, diesen Moment mit ihren eigenen einzigartigen Emotionen und künstlerischen Sprachen darzustellen. Um zu verstehen, wie die Künstler diese für die katholische Religion relevante Episode darstellen, beginnen wir mit einer Entdeckung, die mit dem Ursprung dieser Praxis bis zu ihrer Darstellung in der künstlerischen Produktion beginnt Artur Bual Es ist José Rodrigues.

Dieser Sonntag ist Ostern, ein wichtiger Moment in der katholischen und jüdischen Tradition, obwohl sie für beide unterschiedliche Bedeutungen haben. Juden feiern die Befreiung ihres Volkes aus Ägypten, während Katholiken an das Leiden Christi am Kreuz für die Erlösung der Sünden und seine Auferstehung drei Tage nach seinem Tod erinnern. Die Kreuzigung und Auferstehung von Jesus es wird zur Zeit der Feier des jüdischen Passahfestes geschehen sein, also geschieht beides gleichzeitig. Ausgehend von fünf Werken, die auf dem Marktplatz von P55 vorhanden sind, machen wir eine Reise durch die letzten Momente von Jesus Christus.

Das visuelle Element Farbe wird verwendet, um die Atmosphäre eines Kunstwerks zu schaffen, da es unsere Emotionen und Wahrnehmungen anregt. So bieten sie uns aufgrund der Kombination der Pigmente unterschiedliche Reaktionen wie Harmonie oder Konflikt, heiß oder kalt: Ein Blau kann je nach Zusammensetzung warm oder kalt sein (es kann eher zu Gelb oder Grün tendieren). Dies ist eine Reise durch die Verwendung von Farbe, die zu Beginn des 19. Jahrhunderts beginnt und zu verschiedenen Zeiten bis in die Gegenwart endet.

Platten, Computertastaturen, Fahrradreifen sind einige der ausgewählten ObjekteBordalo II für die Produktion seiner Werke.Die Wahl dieser Materialien ist Artur Bordalos Art, unsere heutige Lebensweise zu kritisieren. Abfall, Materialismus, unser eigenes Konsumverhalten und die dringende Notwendigkeit der Nachhaltigkeit sind die Themen, die in ihren Installationen behandelt werden.

Luis Noronha da Costa (1942-2020) war ein portugiesischer Künstler, der als einer der wichtigsten Vertreter der portugiesischen Gegenwartskunst des 20. Jahrhunderts gilt. Erfahren Sie hier mehr über den Künstler.

In der Casa das Histórias in Cascais wird die Ausstellung mit dem Titel „Paula Rego / Josefa de Óbidos – Religiöse Kunst im Weiblichen“ zeigt bis zum 23. Mai 115 Werke von Paula Rego, einige davon unveröffentlicht, und 21 Gemälde von Jose de Óbidos. Das Haus der Geschichten Paula Rego schlägt einen ungewöhnlichen Besuch der Arbeit zweier visionärer und innovativer Autoren vor, die über vorgefertigte Konzepte hinausgingen und ihre künstlerische Respektlosigkeit durch die Erforschung zeitloser Themen begründeten.

Nadir Afonso (1920-2013) ist eine der herausragendsten Persönlichkeiten der portugiesischen Malerei des 20. Jahrhunderts. Sein Leben war von einer produktiven künstlerischen Produktion geleitet, mit der er einen theoretischen Aspekt auf der Suche nach dem «Absoluten» in der Kunst verband. Seine Arbeit durchlief mehrere Stufen, bis er zum Abstraktionismus gelangte, der von der Arbeit mit geometrischen Formen geprägt war, in der er die einzige Quelle der Harmonie sah, in der Klarheit seiner mathematischen Gesetze, ein Prinzip, dem sein Eindringen in die Architektur nicht fremd ist.

In deinem Leben Basquiat erlangte eine bemerkenswerte Berühmtheit, wurde zum Prototyp eines exzentrischen und umstrittenen künstlerischen Genies und gab sich rebellisch der Kunst, aber auch dem Geld, dem Ruhm und der Macht hin. Entdecken Sie das Leben von Jean-Michel Basquiat.

Es gibt gute Nachrichten für die Kunstwelt: der Ankauf von grafische Arbeit Es wächst.Als grafisches Werk bezeichnen wir die Gesamtheit von Kunstwerken, die aus der Kombination verschiedener Techniken resultieren, die der Künstler in einer Serienproduktion anwendet. Große Künstler der Kunstgeschichte wie Toulouse-Lautrec, Pablo Picasso, Andy Warhol Es ist Salvador Dalí haben im Laufe ihrer Karriere viele grafische Arbeiten produziert.Heute erklären wir Ihnen 5 Gründe für den Kauf von Grafikarbeiten und warum dies eine sehr gute Idee ist.

Das Imaginäre von Vieira da Silva es vollzieht sich in einer Dynamik, in der die Teile des Gemäldes die Komposition nicht völlig in den Schatten stellen. Erfahren Sie mehr über das Leben und Werk von Vieira da Silva Hier.

Jeder anständige Künstler hat eine mehr oder weniger identifizierbare Herkunft und mit Vhils Es konnte nicht anders sein. Wie er selbst erwähnt,Vhils Sein erstes Graffiti machte er im Alter von 12 Jahren auf der Oberfläche mehrerer Züge in seiner Stadt, mit der einzigen Absicht, dort sein Tag zu malen.Obwohl nicht in Auftrag gegebene Straßenkunst Gefahr läuft, als Akt des Vandalismus sanktioniert zu werden, ist die Realität soVhils es war unwissentlich Teil der Geschichte dessen, was die Amerikaner Tagging oder pseudonyme Signaturen nennen. Erfahren Sie hier mehr über den portugiesischen Künstler.

Mit einer neuen Vision der bildhauerischen Praxis, João Cutileiro (1937-2021) prägte die Geschichte der portugiesischen Kunst, indem er die künstlerische und kulturelle Landschaft dieses Landes veränderte. Ab Ende der 1950er Jahre wurden seine von Experimentalismus, Erotik, Natur und Nationalgeschichte geprägten Marmorarbeiten im portugiesischen öffentlichen Raum sichtbar. «Dom Sebastião de Lagos» (1973) und das Denkmal des 25. April, oben im Park Eduardo VII, in Lissabon, sind zwei Skulpturen, die die künstlerische und politische Karriere von geprägt haben João Cutileiro. Neben dem öffentlichen Raum wurden seine Werke in mehreren Museumsräumen und auf nationalen und internationalen Biennalen ausgestellt, wie der Unikat-Galerie in Wuppertal, Deutschland, der Royal Academy of Arts in London, dem Museum of Lagos (1978), unter anderem die XV. Internationale Biennale von São Paulo, Brasilien (1979).