der mexikanische künstler Frida Kahlo prägte die Geschichte aufgrund seiner großartigen Selbstporträts mit einer starken Dimension, die die Vision des Menschen beeinflussteFeminismus, Homosexualität und mexikanische Kultur auf der ganzen Welt. Mit leuchtenden Farben, die in lateinische Kulturmerkmale verwickelt sind, porträtierte die Malerin neben ihren politischen und kulturellen Überzeugungen die Ereignisse ihres Lebens, ihre Beziehungen, ihr Leiden, intime weibliche Themen wie Abtreibung. Dieser Artikel untersucht das intensive Leben eines der bedeutendsten mexikanischen Maler des 20. Jahrhunderts,aus zehn Gemälden.
Der Künstler João Cutileiro tief geprägte Skulptur und die eigentliche Identität der Geschichte der portugiesischen Kunst durch die Neuerfindung der Produktionsmittel. 1966 führte der Künstler elektrische Steinschneidemaschinen in seine Produktion ein, wodurch er sich ausschließlich dem Marmor widmen konnte. Durch die Verwendung dieses Elements João Cutileiro ging über akademische Statuen hinaus und baute eine neue Sprache auf. In diesem Artikel werden wir eines der Themen ansprechen, denen der Künstler treu geblieben ist, Mädchen, um zu verstehen, wie der Künstler die Schönheit des weiblichen Körpers erweckte, indem er instinktive Freuden ausdrückte.
Jedes Jahr wird am 24. Juni São João gefeiert, ein beliebtes Fest der katholischen Religion. Den Evangelien zufolge war der heilige Johannes der Täufer ein jüdischer Prediger, der im Jahr 2 v. Chr. in Ein Kerem in Judäa geboren wurde von Jesus Christus und seine Enthauptung. Um Schlüsselmomente im Leben des Heiligen Johannes des Täufers aufzuzeigen, enthält dieser Artikel fünfzehn Stücke verschiedener Künstler, die zu der reichen Sammlung von Kunstwerken über diesen Heiligen beigetragen haben.
Im Laufe der Jahrhunderte war die Kunst ein Vehikel für die Vermittlung von Erfahrungen und Geschichten und darüber hinaus Ausdrucksform der Identität, einer Person oder einer Kultur.Aktuell gewinnt die LGBTQI+ Community sukzessive an Sichtbarkeit und Akzeptanz. Seit dem 20. Jahrhundert bis heute haben mehrere Künstler Kunst als Ausdrucksmittel genutzt, um eine Veränderung der gesellschaftlichen Wahrnehmung herbeizuführen. Entdecken Sie in diesem Artikel sieben Künstler, die durch ihre Identität und künstlerische Produktion eine Erhöhung der Sichtbarkeit und Befreiung der LGBTQI+-Community konzipiert haben.
Durch ihre Werke, die von figurativ bis abstrakt reichen, hat Maria Helena Vieira da Silva prägte die Geschichte der portugiesischen und internationalen Kunst. Seine Karriere, die in Paris begann, war mit seiner Vielseitigkeit verbunden, mit einer Reihe von Werken, die von Malerei, Skulptur, Wandteppich bis hin zu Illustration und Szenografie reichten. Mit großem Respekt vor der Reinheit ausgewählter Ausdrucksmittel und durch ihre originellen geometrischen Kompositionen wurde sie zu einer der gefeiertsten abstrakten Künstlerinnen im Nachkriegseuropa. Diese Woche präsentiert P55 die faszinierende Welt von Maria Helena Vieira da Silva indem er fünf wenig bekannte Fakten über sein Leben enthüllt.
Der Welttag der Ozeane wird am 8. Juni gefeiert, um an die Bedeutung dieser Ozeane im täglichen Leben von uns allen zu erinnern. Von Monet bis Katsushika Hokusai haben unzählige Künstler Werke über die großen Ozeane dieser Welt geschaffen. Aufgrund ihrer außerordentlichen Relevanz sind diese zu wahren Referenzen der Kunstgeschichte geworden. Entdecken Sie in diesem Artikel eine Auswahl von Künstlern, die sich von diesem Thema für die Konstruktion ihrer Werke inspirieren lassen.
Azulejo ist das portugiesische Wort für eine quadratische Keramikfliese mit einer verzierten und glasierten Seite. Es erschien vor mehr als fünfhundert Jahren unter dem Einfluss der orientalischen Kultur, die die Wände von Palästen und heiligen Räumen mit Mosaiken schmückte. Es ist eine kontinuierliche und vielfältige Technik, die in der Architektur angewendet wird und sich an die Anforderungen jeder Epoche anpasst. Seine Einzigartigkeit ist im Vergleich zu Fliesen aus anderen Ländern offensichtlich, da es sich um ein nationales Phänomen handelt, das dazu beiträgt, das kollektive Gedächtnis des Landes unbewusst aufzubauen.
Der spanische Künstler Salvador Dalí (1904–1989) gehört zu den weltweit bekanntesten Malern aufgrund seiner Arbeit im Surrealismus, einer Strömung der 1920er Jahre. Seine Werke, die eine eigenartige ästhetische und plastische Qualität aufweisen, drücken die Gedanken des Unterbewusstseins des Künstlers selbst aus, indem sie alltägliche Elemente transformieren, wie geschmolzene Uhren oder außergewöhnliche Tiere. In diesem Artikel werden die Linien der surrealistischen Schöpfung und das Erbe des Künstlers hervorgehoben, der die paranoide kritische Methode entwickelt hat.
NIn den letzten Jahrzehnten haben sich bildende Künstler intensiv mit Identität, Körper, Geschlecht und Sexualität beschäftigt, wobei ihre Arbeit für die Entwicklung des kritischen Denkens der Zuschauer von zentraler Bedeutung ist.Ausgehend von ikonischen Darstellungen aus verschiedenen historischen Epochen werden wir verstehen, wie das funktioniertnackter Körper und Sexualität wird durch diese vielfältigen Faktoren geprägt und definiert.
Julião Sarmento, einer der anerkanntesten zeitgenössischen portugiesischen Künstler, starb am Morgen des 4. Mai und hinterließ ein berüchtigtes und emblematisches Werk, das durch das Experimentieren mit allen Mitteln und Techniken unterbrochen wurde. In den letzten fünf Jahrzehnten hat die Multidisziplinarität der Arbeit des portugiesischen Künstlers Themen wie Erotik, Sexualität, Literatur oder Kino thematisiert. Weit davon entfernt, eine erschöpfende Zusammensetzung seiner Werke zu präsentieren, hebt dieser Artikel die Forschungs- und Schaffenslinien hervor, die das Julião Sarmento während seiner umfangreichen Karriere obsessiv erforscht.
Die Vertretung von Jesus Der gekreuzigte Christus ist aufgrund der Relevanz dieser Episode und der Symbolik des Kreuzes ein wiederkehrendes Thema in der katholischen Religion. Diese Matrixikone manifestiert das Leiden Christi, aber auch seine Errettung. Die Ikonographie des Leidens und Sterbens Christi ist in der Kunstgeschichte zu einer Möglichkeit geworden, menschliche Emotionen darzustellen und verschiedene Techniken zu erforschen, die auf einer katholischen Mission zur Sensibilisierung des Betrachters beruhen. Ab dem 20. Jahrhundert begannen Künstler, diesen Moment mit ihren eigenen einzigartigen Emotionen und künstlerischen Sprachen darzustellen. Um zu verstehen, wie die Künstler diese für die katholische Religion relevante Episode darstellen, beginnen wir mit einer Entdeckung, die mit dem Ursprung dieser Praxis bis zu ihrer Darstellung in der künstlerischen Produktion beginnt Artur Bual Es ist José Rodrigues.
Dieser Sonntag ist Ostern, ein wichtiger Moment in der katholischen und jüdischen Tradition, obwohl sie für beide unterschiedliche Bedeutungen haben. Juden feiern die Befreiung ihres Volkes aus Ägypten, während Katholiken an das Leiden Christi am Kreuz für die Erlösung der Sünden und seine Auferstehung drei Tage nach seinem Tod erinnern. Die Kreuzigung und Auferstehung von Jesus es wird zur Zeit der Feier des jüdischen Passahfestes geschehen sein, also geschieht beides gleichzeitig. Ausgehend von fünf Werken, die auf dem Marktplatz von P55 vorhanden sind, machen wir eine Reise durch die letzten Momente von Jesus Christus.
Das visuelle Element Farbe wird verwendet, um die Atmosphäre eines Kunstwerks zu schaffen, da es unsere Emotionen und Wahrnehmungen anregt. So bieten sie uns aufgrund der Kombination der Pigmente unterschiedliche Reaktionen wie Harmonie oder Konflikt, heiß oder kalt: Ein Blau kann je nach Zusammensetzung warm oder kalt sein (es kann eher zu Gelb oder Grün tendieren). Dies ist eine Reise durch die Verwendung von Farbe, die zu Beginn des 19. Jahrhunderts beginnt und zu verschiedenen Zeiten bis in die Gegenwart endet.
Platten, Computertastaturen, Fahrradreifen sind einige der ausgewählten ObjekteBordalo II für die Produktion seiner Werke.Die Wahl dieser Materialien ist Artur Bordalos Art, unsere heutige Lebensweise zu kritisieren. Abfall, Materialismus, unser eigenes Konsumverhalten und die dringende Notwendigkeit der Nachhaltigkeit sind die Themen, die in ihren Installationen behandelt werden.