5 Künstler, um die Schönheit des Frühlings zu entdecken
Das visuelle Element Farbe wird verwendet, um die Atmosphäre eines Kunstwerks zu schaffen, da es unsere Emotionen und Wahrnehmungen anregt. So bieten sie uns aufgrund der Kombination der Pigmente unterschiedliche Reaktionen wie Harmonie oder Konflikt, heiß oder kalt: Ein Blau kann je nach Zusammensetzung warm oder kalt sein (es kann eher zu Gelb oder Grün tendieren).
Die ersten Pigmente tauchten vor mehr als 40.000 Jahren auf: Die Menschen begannen mit Rot, Gelb, Braun, Schwarz und Weiß zu färben. Andere schlossen sich ihnen auf der Fahrt der Innovationen und neuen künstlerischen Bewegungen an, von der Renaissance bis zum Impressionismus.
Aber die Geschichte der Farbe dreht sich nicht nur um Entdeckungen. Es gibt auch Neuerfindungen: Im 20. Jahrhundert sehen wir in verschiedenen künstlerischen Bewegungen die Befreiung der Farbe von den traditionellen Regeln der Malerei und wird so zur Hauptstruktur des Kunstwerks. Diese Transformationen beeinflussten Künstler, ihre Emotionen durch Pigmente auszudrücken. Farbflecken, überlagerte Töne und chromatische Hervorhebungen sind Merkmale, die diese fünf Künstler verbinden, die uns helfen, den Frühling zu entdecken. Dies ist eine Reise durch die Verwendung von Farbe, die zu Beginn des 19. Jahrhunderts beginnt und zu verschiedenen Zeiten bis in die Gegenwart endet.
In ständiger Bewegung und Schöpfung, Júlio Pomar (1926-2018) ist einer der renommiertesten portugiesischen Künstler des 20. Jahrhunderts. Während seiner langen kreativen Reise entwickelte er in seinen Werken eine Reihe von Themen und Themen wie Protest, Widerstand, Erotik, Fado, Stierkampf, Literatur, Mythologie, die Xingu-Indianer Brasiliens und Tiere. Als Angehöriger der dritten Generation von Modernisten, Júlio Pomar ist ein Künstler, dessen Werke vom Neorealismus bis zum Expressionismus reichen und den Abstraktionismus durchlaufen. In seinen Gemälden findet die Farbe ihre Stärke in einer Struktur aus ausgewogenen Flächen, die als Form in einem Satz fungieren, der sich von den im Hintergrund verwendeten Pigmenten unterscheidet. Von Arbeiten mit freien Pinselstrichen bis hin zur Gegenüberstellung intensiver Farben im Block mit der Verwendung von Acryl, die Arbeiten von Júlio Pomar Erforschen Sie intensiv die Möglichkeiten der Farbe. Neben Malerei und Zeichnung führte er Arbeiten in verschiedenen Medien wie Siebdruck, Gravur, Skulptur, Illustration, Keramik und Fliesenwanddekoration durch.
Der portugiesische Künstler Noronha da Costa (1942-2020) zeichnete sich im künstlerischen Panorama durch sein ständiges Studium von Bild und Wahrnehmung aus. Seine Werke sind leicht an der Spritzpistolentechnik zu erkennen, die der Künstler in den 60er Jahren entwickelt hat. Noronha da Costa in eine Landschaft eingebettete Bilder geschaffen, die uns nahe sind – sie verbleiben jedoch in einem anderen Raum und geben uns die Wahrnehmung, dass es ein Milchglas zu teilen gilt. Farbe ist die Hauptstruktur seiner Arbeit, da sie Formen und Licht erzeugt, was die in seinen Landschaften vorhandenen Spannungen verstärkt. Die Stücke des portugiesischen Künstlers, die verschiedene Wege gehen, sind durch die Mischung von Farben wie Orange, Blau, Gelb, Violett, Grün, Rot und Schwarz gekennzeichnet. Die künstlerische Produktion von Noronha da Costa war geprägt von der Infragestellung der Wahrnehmung durch Farbe, immer vorhandene Dualitäten, zwischen real oder virtuell, Vervielfältigung oder Verwischung.
Lebhafte und fesselnde Farben repräsentieren das Werk des portugiesischen Künstlers Renato Macedo. Von Tierporträts bis zu den abstraktesten Werken kreiert der portugiesische Künstler diese Elemente basierend auf seinen Emotionen. Die Inspiration für seine Bilder kommt von der Umgebung um ihn herum und den Fotografien, die er einfängt. Daher ist Farbe das stärkste Element in den Stücken, da sie die Fähigkeit hat, die Gefühle des Künstlers zu vermitteln. In seinen Leinwänden verwendet er verschiedene Materialien wie Acryl, Öl, Kohle, Trockenpastell, Graphit und Wasserfarben. Der Einfluss der impressionistischen und postimpressionistischen Bewegungen und zeitgenössischer Künstler wie z Paula Rego und Cristina Troufa für die Darstellung von Licht und Farbe.
Mit einer neuen Aufmerksamkeit für das gemeinsame Objekt und seine Transformation, François Farcy (1994) schafft Werke, die in eine Massenkultur eingefügt sind. Der französische Künstler erforscht verschiedene Elemente, von Mannequins mit der menschlichen Figur bis hin zu Tierskulpturen. Mit intensiven, fluoreszierenden und lebendigen Farben verwandelt er seine Stücke und verleiht ihnen einen neuen ästhetischen Aspekt. Der Einfluss von Künstlern wie z Basquiat und die Pop-Art-Bewegung. Die Massifizierung der populären kapitalistischen Kultur und die Ästhetik der Massen werden durch Stücke mit Markensymbolen oder populären Elementen offenbart. Erkundung verschiedener Unterstützungen, François Farcy bietet durch eine intensive Chromatik auf spontane und emotionale Weise einen genauen Blick auf die aktuelle Kultur.
Seiner Beobachtung treu und mit dem Wunsch nach Ausdruck und Forschung auf der Grundlage der Kunst, Carina Leal (1997) entwickelt ihre Arbeiten in Bezug auf natürliche Elemente. Blumen, Pflanzen oder einfach Farbbewegungen repräsentieren sein künstlerisches Schaffen. In einer romantischen Idee der intimen und sensiblen Naturbeobachtung zeichnet und malt der portugiesische Künstler in verschiedenen Materialien wie Acryl, Kohle, Trockenpastell, Gouachen und Wasserfarben. Die vorhandenen Texturen und Bewegungen entstehen aus den Kontrasten von Farbe, Licht und Schatten. Farben drücken Emotionen aus und verleihen seinen Werken Lebendigkeit. Der Einfluss von Künstlern wie Anselm Kiefer u Claude Monet.
Auf dem P55 Marketplace können Sie den Frühling anhand der chromatischen Verbesserung in den Werken dieser fünf Künstler entdecken: Júlio Pomar, Noronha da Costa, Renato Macedo, François Farcy Es ist Carina Leal.