O que é Arte Conceptual?
Na década de 1960, muitos artistas experimentaram arte que enfatizava ideias sobre objetos e materiais tradicionalmente associados à criação artística. Em 1967, Sol LeWitt escreveu no seu ensaio “Paragraphs on Conceptual Art” que “a ideia em si, mesmo que não seja visual, é uma obra de arte tanto quanto qualquer produto acabado”. Artistas conceptuais usam o seu trabalho para questionar a noção do que é arte e para criticar as estruturas ideológicas subjacentes da produção, distribuição e exibição artísticas. A arte conceptual é um movimento que valoriza as ideias sobre os componentes formais ou visuais das obras de arte. É a arte na qual a ideia (ou conceito) por trás do trabalho é mais importante do que o objeto de arte finalizado. Um amálgama de várias tendências em vez de um movimento fortemente coeso, o Conceptualismo assumiu inúmeras formas, como performances, happenings e coisas efémeras.
Como surgiu a Arte Conceptual?
De meados da década de 1960 até meados da década de 1970, os artistas conceituais produziram obras e escritos que rejeitaram completamente as ideias e os padrões da arte. A principal ideia, que a articulação de uma ideia artística é suficiente, implica que preocupações como estética, expressão, habilidade e comercialização se tornassem irrelevantes para julgar arte. Este pensamento tão drasticamente simplificado, pode dar a entender a muitas pessoas que o que passa por arte conceitual não é de fato "arte", tanto quanto as pinturas de Jackson Pollock ou Brillo Boxes (1964), parecia contradizer toda a arte produzida anteriormente. Mas é importante entender que este movimento é uma sucessão de movimentos de vanguarda como cubismo, dadaísmo, Expressionismo abstrato, arte pop, que conseguiram expandir conscientemente os limites da arte. Marcel Duchamp é frequentemente visto como um importante antepassado da arte conceitual, e sua fonte readymade de 1917 é citada como a primeira obra de arte conceitual. O movimento que surgiu em meados dos anos 1960 e continuou até meados dos anos 1970 foi internacional, ocorrendo mais ou menos simultaneamente na Europa, América do Norte e América do Sul. Artistas associados ao movimento tentaram contornar o mundo da arte cada vez mais comercializado, enfatizando os processos de pensamento e os métodos de produção como o valor do trabalho. As formas de arte que usavam eram muitas vezes intencionalmente aquelas que não produziam um objeto acabado, como uma escultura ou pintura. Isso significava que o trabalho não podia ser facilmente comprado e vendido e não precisava ser visto numa situação formal de galeria.
Não eram apenas as estruturas do mundo da arte que muitos artistas conceptuais questionavam, muitas vezes havia uma forte dimensão sociopolítica em grande parte do trabalho que produziam, refletindo uma insatisfação mais ampla com a sociedade e as políticas governamentais. Exemplo disso, é a ideia de escultura social de Joseph Beuys. Embora como um movimento artístico, a arte conceptual esteja associada à década de 1960, muitos artistas continuam a criar arte conceptual no século XXI (como Martin Creed e Simon Starling).
Os artistas conceptuais redefinem com sucesso o conceito de obra de arte na medida em que seus esforços são amplamente aceitos como arte, seja por colecionadores, galeristas ou curadores de museus. Embora o termo "arte conceptual" tenha sido usado no início dos anos 1960 (Henry Flynt, do grupo Fluxus, descreveu as suas peças performativas como "arte conceptual" em 1961), foi somente no final dos anos sessenta que a arte conceptual surgiu como um movimento com definição. A série de Joseph Kosuth intitulada (Art as Idea as Idea) 1966–7; a proposta de uma exposição Air Show Air/Conditioning 1966–7 dos artistas ingleses Terry Atkinson e Michael Baldwin (membros fundadores do grupo Art & Language ); as pinturas de palavras de John Baldessari exibidas em Los Angeles em 1968; e importantes exposições coletivas como a organizada pelo marchand Seth Siegelaub em Nova York em 1969,De 1 a 31 de janeiro: 0 Objetos, 0 Pintores, 0 Escultores refletiam essa crescente abordagem baseada em ideias para fazer arte. O termo arte conceitual foi usado pela primeira vez para fazer referência a esse movimento distinto em um artigo escrito por Sol LeWitt em 1967: “Na arte conceitual, a ideia ou conceito é o aspecto mais importante do trabalho. Quando um artista usa uma forma de arte conceitual, isso significa que todo o planejamento e decisões são feitos de antemão e a execução é um assunto superficial.” — LeWitt, 'Paragraphs on Conceptual Art', Artforum Vol.5, no. 10, verão de 1967, pp. 79-83
Em 1973, um registro pioneiro dos primeiros anos do movimento apareceu na forma de um livro, Six Years , da crítica americana Lucy Lippard. Os 'seis anos' foram 1966-72. O longo subtítulo do livro referia-se à "chamada arte conceptual ou da informação ou da ideia". 
A arte conceitual pode ser – e pode parecer – quase qualquer coisa. Isso ocorre porque, ao contrário de um pintor ou escultor que pensará sobre a melhor forma de expressar sua ideia ao criar cpm tinta ou materiais e técnicas esculturais, um artista conceitual usa qualquer material e qualquer forma que seja mais apropriada para transmitir sua ideia – isso pode ser qualquer coisa, desde uma performance a uma descrição escrita. Embora não haja um estilo ou forma usada pelos artistas conceituais, a partir do final da década de 1960 surgiram certas tendências. Entre os primeiros a perseguir a noção de arte baseada em ideias até sua conclusão lógica foi Joseph Kosuth, que desenvolveu um modelo altamente analítico baseado na noção de que a arte deve questionar continuamente seu próprio propósito. Defendendo suas ideias de forma mais famosa em um ensaio de três partes intitulado "Arte após a filosofia" (1969), Kosuth argumentou que era necessário abandonar a arte tradicional para buscar essa autocrítica. O artista questionou a noção de que a arte necessariamente precisava ser manifestada numa forma visual. A arte conceptual foi levada aos extremos da arte como ideia por Lawrence Weiner na sua "Declaração de Intenções" de 1968, onde afirmou que deixaria a prática de criar arte física, citando a não necessidade de construir algo quando a ideia por trás de qualquer obra de arte deveria bastam, pois a intenção do artista permanece a mesma (ou deveria, idealmente), independentemente de o trabalho estar na forma física ou meramente conceitual.
Os Coletivos Artísticos
Embora os artistas conceptualistas tenham permanecido para sempre um grupo internacional díspar, abrigando muitas ideias sobre arte contemporânea, no final dos anos 1960 era um tanto evidente que um movimento frouxo estava se unindo. Em 1968, uma série de exposições de arte conceitual promoveu vigorosamente o movimento em Nova York, organizada pelo marchand e curador Seth Siegelaub. Em 1969, o Museu de Arte Moderna de Nova York reuniu vários artistas do movimento para uma exposição intitulada "Informação". Este evento não deveria ser tomado sem um grão de sal, uma vez que o Conceptualismo era amplamente crítico do sistema institucional de museus e seus interesses orientados pelo mercado, o sistema dentro do qual eles exibiam.
Em 1967, um coletivo de artistas britânicos formou o grupo Art & Language enquanto ensinava arte em Coventry, Inglaterra. Por meio de uma série de periódicos publicados, o grupo mostrou um desgosto declarado pelo envolvimento da arte moderna e do mercado. Ao longo dos próximos anos, muitos se juntariam ao grupo, cuja associação rotativa atingiria aproximadamente 50 artistas antes de seu declínio no final da década de 1970.
Outros coletivos de artistas eram igualmente políticos no seu foco. O grupo canadense General Idea tinha uma pequena adesão de três artistas, Felix Partz, Jorge Zontal e AA Bronson, que abraçaram obras e instalações efémeras. Atuando de 1967 a 1994, na década de 1980 seus trabalhos abordaram a indústria farmacêutica e a crise da AIDS. Na América do Sul, os artistas encontraram no Conceptualismo um caminho eficaz para a criatividade e a oposição política. O conceptualismo foi particularmente atraente ali, pois não era um estilo importado per se, mas sim um meio de expressão sem um único quadro de referência, seja cultural, estético ou ideológico. Os coletivos de artistas forneciam anonimato e, portanto, proteção contra processos por autoridades opressoras e a oportunidade de fazer declarações sociais fortes.
Arte conceptual no século XXI
Embora o modelo de arte conceitual promovido por Joseph Kosuth e Art & Language possa ser visto como o epítome do movimento - outros exploraram avenidas que foram indiscutivelmente influentes. A arte conceitual evitou as convenções de artesanato e estilo a tal ponto que se poderia dizer que colocava uma ênfase renovada no conteúdo, que tinha sido amplamente banido sob a ênfase crítica na forma. Emergente durante um período de grande agitação social, o inquilino central do conceptualismo - que a ideia é primordial - encontrou ampla aplicação por artistas que desejam enfatizar diversas questões sociais. As questões sociais abordadas por artistas internacionais como Hans Haacke, Martha Rosler, Jenny Holzer, Luis Caminzer, Alfredo Jaar e Ai Weiwei incluem relações trabalhistas e de género, administração de museus, pobreza e censura.
Enquanto o movimento frequentemente enfatizava a construção social da obra de arte, o conceptualismo não era populista e tinha popularidade limitada fora do mundo da arte devido à sua percepção misteriosa. Além disso, as fraturas começaram a se desenvolver no movimento em meados da década de 1970, levando à dissolução do movimento. No entanto, este movimento inspirou artistas pós-conceituais subsequentes, muitos dos quais abraçaram a base material da arte e a linguagem da cultura visual, como a Pictures Generation liderada por Cindy Sherman e Richard Prince. Outros continuaram a contornar a produção artística tradicional através da Performance Art ou instalações. Assim, muitas das preocupações, e algo de seu estilo e táticas austeras perduram até hoje nas obras de uma grande variedade de artistas, incluindo Andrea Fraser, Tino Sehgal, Gabriel Orozco, Recriar Tiravanija, Glenn Ligon e Damien Hirst.
