5 Künstler, denen Sie folgen können, wenn Sie den Künstler mögen Manuel Cargaleiro

5 Künstler, denen Sie folgen können, wenn Sie möchten Manuel Cargaleiro
Der portugiesische Künstler Manuel Cargaleiro (geb. 1927) schuf eine markante Sprache in der künstlerischen Welt, indem er Keramik und Malerei durch das Zusammenspiel von Farbe, Licht und Schatten kombinierte. Seine Arbeiten sind stark durch den Einsatz von Geometrie und Sprache geprägt. abstrakt, tendenziell nicht figurativ. Die spontanen und dynamischen Pinselstriche mit lebendigen Farben überlagern die Form und reduzieren die Formalität, die die geometrischen Elemente charakterisiert. Die Erforschung von Farbe ist eines der Hauptmerkmale seiner Arbeit, da sie Gefühle offenbart und verschiedene Räume in einer einzigen Komposition schafft. Der Einfluss der traditionellen portugiesischen Fliese wird durch die Wiederholung der Vierecke und die Verwendung von Farben wie Blau und Weiß angezeigt. Neben Malerei und Keramik Manuel Cargaleiro Er erforschte auch Zeichnung, Bildhauerei, Tapisserie und Gravur.

1.Vieira da Silva
Vieira da Silva traf den Künstler Manuel Cargaleiro 1954. Sie trafen sich auf der gemeinsamen Ausstellung in der Galeria de Março, und es entstand eine lange Freundschaft. Dies blühte in Paris weiter auf, als Manuel Cargaleiro wurde als Stipendiat angenommen und Vieira da Silva beschließt, ihn zu sponsern. Vieira da Silva Es ist Manuel Cargaleiro Teilen Sie eine Vorliebe für portugiesische Fliesen und Kunst abstrakt. Diese Komplizenschaft führte 1983 zur Dekoration der Station Cidade Universitária des Metropolitano de Lisboa, wo sie zum ersten Mal zusammenarbeiteten. Die Portugiesen, Manuel Cargaleiro Es ist Vieira da Silva, gehörten zu den letzten Künstlern, die sich dieser bekannten Schule in Paris anschlossen, und auch zur letzten Generation der Bewegung der lyrischen Abstraktion.

2.Vicente Faria
die Kompositionen abstrakts, vereinen die beiden Künstler, die uns in unterschiedliche Realitäten entführen, konzipiert durch Texturen und ausdrucksstarke Pinselstriche in intensiven Farben, die sich auf gelebte Situationen, Emotionen und Handlungen beziehen, die mit Gefühlen und der Kraft der Freiheit beladen sind. Vicente Faria schafft durch Beschreibungen und Darstellungen über die durch Erfahrungen erworbenen Emotionen. Eine Studie des Moments und des Jetzt, die in der Arbeit Raum und Komposition in den Mittelpunkt der Reflexion stellt. Es fordert das Pech heraus, das beunruhigende Gefühl, das zu einer kontinuierlichen Erforschung der inhärenten Risiken führt, mit vielfältigen Ausdrucksmöglichkeiten und einer ständigen Mischung von Sprachen. Eine multiple Darstellung von Handlungen, die dem Unbewussten eine Stimme geben.

3.Reinhard Sommer
Die Ähnlichkeiten zwischen den beiden Künstlern ergeben sich aus den in die Sprache eingefügten Texturen, Pinselstrichen und Farben abstrakt. Diese Nachkriegsbewegung stellte Macht und formale Ästhetik über die wörtliche Darstellung.
„Mein Beruf – Textildrucker, meine Berufung – in die Welt der Formen, Farben und Strukturen einzutauchen und sie als Meister wieder zu verlassen. Als Visionär versuche ich, Kunst – Philosophie – Genie und Wahnsinn zu verbinden. Ich habe an der Universität für künstlerische und industrielle Gestaltung in Linz gelehrt. Arbeitete an der Seite von Prof. Ernst Fuchs und Wolfgang Hutter über die Umsetzung ihrer Kunst auf Stoff. Außerdem habe ich Druck und Design für internationale Brillenhersteller wie Dior, Paloma Picasso, Viennaline, Dunhill und viele mehr entwickelt. Es folgten Einzelausstellungen, „Wave of Life“-Eröffnungen, Artist in Residence und Aktionskunstprojekte. Ich arbeite mit Icon Gold Pigment, das speziell für meine Technik entwickelt wurde. Meine großformatigen Arbeiten beschäftigen sich intensiv mit dem Kolorieren, also der Komposition von Farbnuancen, die durch die feine Rakeltechnik entstehen. Die Bildserien sind ausdrucksstarke, starke Werke, die durch ihre Abstraktheit die Kunst perfekt in den Raum bringen.“ — Reinhard Sommer

4. Piet Mondrian
Piet Mondrian wurde bekannt für die Schaffung eines neuen künstlerischen Stils, der nicht auf typischen Techniken basierte, sondern auf seiner philosophischen Interpretation, die Grenzen der Kunst zu hinterfragen, indem er mit konventionellen Formen der Malerei brach. Seine Kompositionen mit asymmetrisch gestalteten Primärfarben und schwarzen orthogonalen Linien demonstrieren damit die ästhetische Schönheit und Grenzen der Malerei selbst. Vor seinen berühmten Gemälden voller Quadrate mit Primärfarben schuf Piet Mondrian Stücke abstrakts, die den Werken des Meisters ähneln Manuel Cargaleiro. 

5.Sonja Delaunay
Dezente und schöne Farbtupfer werden zu harmonischen Kompositionen zusammengeführt, sowohl in Sonja Delaunay wie in den Werken von Manuel Cargaleiro. Sonja Delaunay war ein französischer Künstler und Designer, der vor allem für die Verwendung kräftiger, farbenfroher geometrischer Muster bekannt war. „Für mich gibt es keine Lücke zwischen meiner Malerei und meiner sogenannten ‚dekorativen' Arbeit. Ich habe die „kleinen Künste“ nie als künstlerisch frustrierend empfunden; vielmehr war es eine Erweiterung meiner Kunst.“ In Paris lernte sie den Kunsthändler Wilhelm Uhde kennen und heiratete ihn später, der ihr als Mittel diente Delaunay französischer Staatsbürger werden. In diesen ersten Jahren in Paris erfuhren seine Gemälde einen formalen Wandel, beeinflusst von den leuchtenden Farben des Fauvismus. Uhde war es, der sie ihrem zukünftigen Ehemann Roberto Delaunay vorstellte. Geschieden und verheiratet mit Roberto Delaunay. Das neue Paar leistete Pionierarbeit bei der Verschmelzung von Kubismus und Neoimpressionismus, die später vom Dichter Guillaume Apollinaire als Orphismus bezeichnet wurde. Die Künstlerin nutzte diesen neuen ästhetischen Ansatz, um während ihrer gesamten Karriere Gemälde, Stoffe und Zeichnungen herzustellen. 1964, Delaunay war die erste lebende Künstlerin, die eine Retrospektive im Louvre hatte. Er starb am 5. Dezember 1979 in Paris, Frankreich, im Alter von 94 Jahren. Heute befinden sich Werke des Künstlers unter anderem in den Sammlungen des Museum of Modern Art in New York, des Carnegie Museum of Art in Pittsburgh und des Hermitage Museum in St. Petersburg.