Mencionaste que tus abstracciones geométricas están inspiradas en la tipografía y la arquitectura. ¿Podrías contarnos más sobre cómo estas pasiones influyen en tus creaciones artísticas? ¿Cómo incorporas elementos de tipografía y arquitectura en tus pinturas?
La tipografía y la arquitectura siempre han estado en el centro de mis intereses. Incluso durante mis estudios, incorporaba con frecuencia letras individuales o palabras enteras en mis gráficos, pinturas e ilustraciones. En cuanto a arquitectura, he estado pensando en estudiar arquitectura, pensando qué dirección elegir. Al final me decanté por las artes visuales, decisión de la que estoy muy satisfecho.
Elementos de estos mundos todavía existen en mi trabajo creativo, aunque han evolucionado. No son tan literales ni perceptibles de inmediato. Encuentro inspiración en varias formas intrigantes, independientemente de si se originan en la tipografía, la arquitectura o algo completamente diferente. Siempre los trato como un punto de partida, un componente que manipulo, descompongo en factores más pequeños y luego uso para construir nuevas composiciones y formas.
El cubismo, el constructivismo, el expresionismo abstracto, el minimalismo y el modernismo se mencionan como influencias más amplias en su trabajo. ¿Cómo influyen estos movimientos artísticos históricos en tu práctica artística? ¿Qué aspectos y supuestos de estos movimientos combinas con elementos contemporáneos en tus pinturas?
Vivimos y creamos en una época donde parece que ya está todo hecho en el campo de las artes visuales tradicionales. Me interesa la historia del arte y siempre me ha gustado explorar diferentes estilos y movimientos artísticos. Al mirar la historia, es más fácil hacer divisiones específicas y categorizar las obras de los artistas. Sin embargo, hoy todo tiende a mezclarse, cruzarse y fusionarse.
Creo obras de arte en el estilo de la abstracción geométrica. Sin embargo, a menudo utilizo objetos reales como punto de partida y los someto a análisis y deconstrucción para construir algo nuevo a partir de ellos. Con frecuencia incorporo figuras geométricas que actúan como corchetes de cierre, completando la composición. Las formas están definidas y delineadas con precisión, pero su relleno y textura revelan claramente pinceladas y gestos, lo que da como resultado superficies texturizadas en lugar de lisas. Estos son algunos de los elementos que se pueden encontrar en los movimientos artísticos mencionados.
Modernismo es un concepto más amplio que se refiere al período cultural comprendido desde finales del siglo XIX hasta la primera mitad del siglo XX. Fue durante este período que se produjeron avances significativos en las artes visuales. Lo que observamos actualmente en el mercado del arte todavía está influenciado por esa época. Durante esa época se introdujeron por primera vez muchas soluciones revolucionarias y ahora se están replicando. No lo oculto; de hecho, recalco que con mucho gusto me inspiro en esos años y le agrego un toque contemporáneo.
Sus pinturas muestran estructuras complejas y capas de formas geométricas planas que se interpenetran entre sí, creando una sensación de profundidad e invitando a los espectadores a explorar. ¿Puedes hablar sobre tu proceso de construcción de estas composiciones en capas? ¿Cómo se determina la interacción de las capas individuales?
Trabajo con capas. Cada capa tiene una forma uniforme pero semitransparente. Pinto con acrílicos mezclados con un medio de vidriado, lo que le da a la pintura una calidad parcialmente opaca. Al colocar capas una encima de otra, las capas siguientes crean estructuras más complejas y una sensación de profundidad. Las áreas donde se cruzan múltiples capas se vuelven más brillantes y homogéneas. Las estructuras y formas parecen más intrincadas y elaboradas. Esto deja espacio para que se involucre la imaginación del espectador. Cada uno tiene diferentes experiencias y percibe los distintos fenómenos de manera diferente. Si bien mi punto de partida podría haber sido una letra particular o un detalle arquitectónico observado en un edificio, otra persona podría percibir un rostro, un plano de jardín, una imagen de rayos X de un cuerpo humano o cualquier otra cosa que su imaginación y experiencias le sugieran.
El uso de pintura acrílica con medio vidriado agrega profundidad y movimiento a su obra de arte. ¿Podría explicarnos cómo emplea estos materiales para lograr los efectos deseados? ¿Cómo logras el equilibrio entre opacidad y translucidez en tus pinturas?
Utilizo pintura acrílica por sus propiedades. En concreto, el tiempo de secado. Al trabajar en capas, si tuviera que usar óleos, tendría que esperar mucho tiempo para que se seque cada capa antes de poder continuar con la siguiente. El proceso de creación de una sola obra de arte se prolongaría durante varios meses. Al utilizar acrílicos, este tiempo se reduce a unos pocos días. Es una elección consciente y práctica.
La pintura acrílica suele ser opaca. Por eso, agrego un medio especial para hacerlo parcialmente transparente. Preparo una mezcla de pinturas (usando sólo colores primarios: amarillo, rojo y azul, junto con blanco y negro) con un medio de glaseado. Compruebo la cobertura de la mezcla y la modifico hasta conseguir el efecto deseado. Utilizo una mezcla particular para pintar todas las capas del mismo color en un solo cuadro.
Su estilo artístico parece combinar formas geométricas precisas con una sensación de imperfección natural. ¿Puedes hablar sobre la interacción entre estos dos elementos en tu trabajo? ¿Cómo se mantiene un equilibrio entre la precisión geométrica y las texturas que crean y llenan la estructura?
Todas mis pinturas están realizadas a mano con pincel, sin el uso de plantillas u otras matrices. En la mayoría de los casos, las obras de arte se basan en un boceto previamente elaborado, que puede sufrir ligeras modificaciones durante la ejecución. No obstante, las formas son muy específicas, con bordes distintos, que reflejan precisión geométrica. Sin embargo, lo que llena estas geometrías es mucho más libre e imperfecto, aunque sigue ciertas reglas. El relleno, a pesar de ser plano, no queda uniforme. Es lo suficientemente imperfecto como para que se pueda ver la textura resultante de las pinceladas.
Por tanto, todo se reduce a lograr un equilibrio entre la precisión de la forma y la imperfección de su relleno.
¿Qué papel juega la observación en tu proceso artístico? ¿Cómo abordas la observación y reinterpretación del mundo que te rodea a través de tu arte? ¿Existen técnicas o prácticas específicas que emplea para capturar la esencia del mundo en sus abstracciones geométricas?
A pesar de que el resultado es una abstracción, el punto de partida suele derivarse de algunos objetos observados en el mundo real. Mientras estudiaba, uno de mis profesores dijo una vez que deberíamos mirar hacia abajo, bajo nuestros pies, porque ahí es donde se encuentra todo un mundo vasto e inspirador. Ahora, no sólo miro hacia abajo sino que también miro a mi alrededor todos los días. La inspiración puede esconderse en cualquier lugar; sólo necesitas poder verlo. Al caminar por las calles de Lisboa, me di cuenta de que a menudo hay pequeños agujeros en forma de V debajo de los balcones. Sospecho que sirven como desagües de agua. En uno de los edificios cerca de la estación de metro Parque, la forma de estos desagües era particularmente intrigante, así que le tomé una foto y luego la usé como motivo principal en una serie de pinturas. La forma inicial era la misma, pero la incorporé de forma diferente cada vez, dando como resultado que cada cuadro fuera único manteniendo el mismo carácter.
Por mencionar algunos otros objetos reales que me han inspirado a pintar obras de arte específicas: cajas de cartón desplegadas, letras de carteles u otras inscripciones en edificios, muebles abandonados en medio de la acera, patrones de aceras, estructuras de edificios, sombras en las calles. , etcétera.
¿Puedes compartir algún desafío o recompensa específica que hayas experimentado en tu viaje artístico? ¿Hay algún proyecto o exposición que haya sido particularmente significativo para tu crecimiento como artista?
El desafío es llegar al público. Como extranjero que intenta construir una nueva vida en un país diferente, me esfuerzo por sumergirme en el mundo del arte portugués. Este proceso lleva mucho tiempo y requiere la construcción de una red de conexiones. Seamos realistas, es difícil tener éxito sin apoyo. Sin embargo, poco a poco voy participando en diversos eventos y exposiciones, conociendo gente nueva y maravillosa y así desarrollándome como artista.
Uno de los eventos recientes más importantes en los que participé se celebró en mayo en Varsovia, Polonia, en la casa de subastas Desa Unicum, donde me encontré con nombres de renombre de la escena del arte contemporáneo polaco e internacional. Se trató de una exposición temática centrada en el color del año 2023 que es el magenta. La exposición, titulada "Viva Magenta", presentó obras de artistas como Wojciech Fangor, Victor Vasarely, Julian Stańczak, Piotr Uklański, Jan Dobkowski y Paweł Kowalewski. Si bien estos nombres pueden no ser muy conocidos entre los entusiastas del arte en la Península Ibérica, son muy apreciados en Polonia, mi país de origen.
Participar en esta exposición fue un gran honor y una experiencia interesante para mí. Ver mi pintura entre las obras de artistas tan influyentes y darme cuenta de que mi expresión artística encaja bien en ese contexto fue realmente gratificante.
¿Cómo quieres que los espectadores interactúen con tu obra de arte? ¿Qué emociones, ideas o reacciones espera evocar en quienes experimentan sus abstracciones geométricas?
Me alegro mucho cuando los espectadores se detienen frente a mis cuadros y comienzan a examinarlos de cerca, a acercarse a ellos y a observar cómo fueron pintados. Significa que algo les ha intrigado y cautivado. No asumo ninguna reacción específica. Me siento feliz cuando notan lo que es importante para mí y lo que trato de transmitir a través de mis pinturas, pero también tengo curiosidad por lo que perciben y que yo no he pensado. Creo que de eso se trata el arte, de brindar libertad de interpretación. Cada uno notará algo diferente, tendrá diferentes asociaciones y experimentará diferentes emociones según sus propias experiencias y sensibilidades.
Lo más importante es intrigar y animar al espectador a mirar y descubrir a su manera, a encontrar formas, emociones e ideas arbitrarias dentro de estas composiciones.
¿Cuáles son tus aspiraciones y objetivos como artista? ¿Hay algún tema, técnica o dirección específica que le gustaría explorar más a fondo en sus trabajos futuros?
La abstracción geométrica se ha convertido en el centro de mis intereses hace relativamente poco tiempo, hace unos dos años. A pesar de su estilo concreto y bastante distinto, veo un claro desarrollo en mi trabajo artístico. Quiero que este desarrollo continúe de forma natural e intuitiva. No quiero forzar nada ni poner las cosas patas arriba. Si en algún momento las abstracciones empiezan a tomar formas más realistas y, por ejemplo, se convierten en naturaleza muerta, seguramente será el resultado de un proceso natural. No digo que empezaré a pintar bodegones al estilo holandés, pero con el tiempo todo irá evolucionando.
Como artista en un nuevo lugar de residencia, me encuentro con nuevos desafíos que poco a poco voy superando. Conocer personas es el primero de ellos. El segundo desafío fue encontrar un estudio. Hace unos meses encontré un espacio perfecto para mí en esta etapa. Es Atelier Artéria, un estudio compartido con otros artistas, donde tengo un lugar para trabajar, desarrollarme y conocer la cultura portuguesa.
Actualmente, mi desafío y objetivo principal es organizar una exposición individual en Portugal. Aquí hay muchas galerías y espacios de exposición, pero llegar a ellos no es tan fácil.
¿Hay algo más que te gustaría compartir sobre tu arte, proceso creativo o filosofía que no hayamos cubierto en la entrevista hasta ahora?
Mi pintura se centra en "capas" y en la construcción de estructuras complejas a partir de elementos simples. Esto va más allá de la técnica literal de la pintura. Hay algo más. Hay una pintura, pero del otro lado está el espectador que ha construido su complejo mundo a partir de sus vivencias, historia y sensibilidad individuales. Cada uno de nosotros está compuesto de experiencias y encuentros individuales. Y cada uno de nosotros es único a su manera. Entonces, navegando a pesar del mismo mundo, seguimos siendo diferentes. Y de eso también se trata mi arte. Utilizo elementos básicos, como módulos, y a partir de ellos construyo algo diferente, nuevo y complejo cada vez.