Der französische Maler Henri Matisse Mit Ukiyo-e-Holzschnitten begegnete er erstmals im frühen 20. Jahrhundert, als mehrere Weltausstellungen japanische Kunst nach Europa brachten. Matisse hatte zwar Schwierigkeiten, seine Karriere in Gang zu bringen (seine erste Einzelausstellung in der Galerie von Ambroise Vollard im Jahr 1904 war alles andere als ein Erfolg), doch er fand Gefallen an den Drucken, die ihm eine völlig neue Sicht auf die Welt eröffneten.
Es stellt sich heraus, dass Matisses lebenslange Faszination und seine Verbundenheit mit der traditionellen japanischen Druckgrafik im Mittelpunkt einer Ausstellung im Baltimore Museum of Art in Maryland stehen. Der Titel lautet „Die Kunst des Musters“: Henri Matisse und japanische Holzschnittkünstler“ vergleicht die Verwendung von Farbe, Komposition und Muster durch den französischen Fauvisten mit drei japanischen Kupferstechern: Kikugawa Eizan, Keisai Eisen und Utagawa Kunisada.
„Es besteht eine klare visuelle Verbindung zwischen Matisses Mustern und den japanischen Holzschnittkünstlern des vorherigen Jahrhunderts“, sagen die Kuratorinnen der Ausstellung, Katy Rothkopf, Direktorin des Ruth R. Marder Center for Matisse Studies, und Frances Klapthor, stellvertretende Kuratorin für asiatische Kunst.
„Während Matisse seine Modelle in seinem Atelier in theatralische Kulissen stellte, setzten auch japanische Künstler auf Künstlichkeit und Illusion, allerdings zu anderen Zwecken. Ihre Darstellungen von Frauen vermittelten Ideale weiblicher Schönheit, Exklusivität und sexueller Anziehungskraft, während offene Verweise auf Bordelle, Teehäuser und bekannte Restaurants bewusste Werbung waren.“
Die Ausstellung beleuchtet auch stilistische Unterschiede, die auf Geschmack, Kultur und Geschichte zurückzuführen sind. Während Matisse seine Modelle typischerweise in Innenräumen, nackt oder in sinnlicher und freizügiger Kleidung, darstellte, stellten japanische Künstler weibliche Figuren meist in der Öffentlichkeit dar. Sie trugen Kimonos mit aufwendigen Mustern, die sowohl die Aufmerksamkeit des Betrachters als auch der Trägerin auf sich zogen.
Matisse hingegen verwendete seine Muster oft für die farbenfrohen, traumhaften Innenräume seiner Motive, wie etwa in seinem Ölgemälde „Pink Nude“ von 1953. Während japanische Künstler, deren Werke sowohl kommerziellen als auch künstlerischen Zwecken dienten, daran interessiert waren, die materielle Realität ihrer Gesellschaft darzustellen, verfolgte Matisse den umgekehrten Ansatz und behandelte seine alltägliche Umgebung als abstrakt und transzendent. Ähnliche visuelle Empfindungen, unterschiedliche Ergebnisse. „Matisse, der im Laufe seiner Karriere gemusterte Stoffe und Dekorationsgegenstände sammelte, entdeckte, dass Muster seinen Kompositionen Tiefe und Interesse verliehen“, erklärten Rothkopf und Klapthor. „Durch die Einbeziehung von Dekorationen konnte er den Blick des Betrachters blenden und die Konzentration auf die gesamte Komposition lenken, nicht nur auf das Hauptmotiv.“
„Die japanischen Künstler in ‚The Art of Pattern‘ verwendeten Ornamente und Dekorationen, um den Blick des Betrachters auf attraktive und verführerische Weise auf ihre Motive zu lenken“, fügten sie hinzu. „Im Gegensatz zu den in Matisses Werken dargestellten Textilien hatten die Muster in japanischen Drucken zusätzliche symbolische Bedeutungen, die ein zeitgenössisches japanisches Publikum leicht erkannt hätte.“
„Die Kunst des Musters: Henri Matisse und japanische Holzschnittkünstler“ ist bis zum 5. Januar 2025 im Baltimore Museum of Art, 10 Art Museum Dr, Baltimore, MD 21218, zu sehen.
Quelle: Artnet News