Was ist Performance-Kunst? Was ist der Grundgedanke?

Was ist Performance-Kunst?
Performance Art ist eine Bewegung, die live vor der Öffentlichkeit repräsentiert wird, dh Werke, die durch Aktionen des Künstlers oder anderer Teilnehmer entstehen. Diese Bewegung unterscheidet sich vom traditionellen Theater durch die Ablehnung einer klaren Erzählung, durch die Verwendung zufälliger Strukturen oder durch den Zufall und die direkte Ansprache des Publikums.

Kazuo Shiraga

Wann ist Performance Art entstanden?
Diese Bewegung entstand in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts, in den 1960er und 1970er Jahren in den Vereinigten Staaten von Amerika, aus der Entwicklung anderer Bewegungen wie Pop Art, Minimalismus und Konzeptkunst. In dieser Nachkriegszeit orientierte sich die Performance aufgrund ihres oft immateriellen Charakters an der Konzeptkunst und bot Künstlern, die eine Alternative zur statischen Beständigkeit von Malerei und Skulptur suchten, Lebendigkeit, körperliche Bewegung und Vergänglichkeit.
Während die Begriffe „Performance“ und „Performance-Kunst“ erst in den 1970er Jahren weit verbreitet wurden, geht die Geschichte der Performance in der bildenden Kunst auf die futuristischen Produktionen und dadaistischen Kabaretts der 1910er Jahre zurück, die Konventionen traditioneller Formen der bildenden Kunst wie der Malerei und Skulptur. Wenn diese Modi den Bedürfnissen von Künstlern nicht mehr gerecht zu werden scheinen – wenn sie zu konservativ oder zu sehr in die traditionelle Kunstwelt verstrickt und zu weit entfernt von gewöhnlichen Menschen erscheinen – wenden sich Künstler oft der Aufführung zu, um ein neues Publikum zu finden und neue Ideen zu testen.

Robert Rauenberg

Wie unterscheidet sich Performance-Kunst von vielen anderen künstlerischen Ausdrucksformen?
Nach dem Zweiten Weltkrieg entwickelte sich die Performance zu einem nützlichen Weg für Künstler, philosophische und psychologische Fragen über die menschliche Existenz zu untersuchen. Für diese Generation, die die Zerstörung durch den Holocaust und die Atombombe miterlebte, bot der Körper ein mächtiges Medium, um gemeinsame körperliche und emotionale Erfahrungen zu kommunizieren. Während Malerei und Skulptur auf ausdrucksstarke Form und Inhalt angewiesen waren, um Bedeutung zu vermitteln, zwingt die Performance den Betrachter dazu, sich mit einer realen Person zu beschäftigen, die Kälte und Hunger, Angst und Schmerz, Aufregung und Verlegenheit empfinden kann – genau wie sie.Aufführungen erforschen daher unsere grundlegendsten Instinkte: menschliches Verhalten, physische und psychische Bedürfnisse nach Nahrung, Unterkunft, Sex und menschlicher Interaktion, individuelle Ängste und Selbstbewusstsein, Sorgen um das Leben, die Zukunft und die Welt. Es gibt einige Variationen des Begriffs Performance Art, wie „Aktionen“ oder sogar „Action Painting“. Der deutsche Künstler Joseph Beuys bevorzugte den Begriff „Aktionen“, weil er die künstlerische Darbietung von den konventionelleren Formen der Unterhaltung im Theater abgrenzte.Obwohl der Begriff ein breites Spektrum künstlerischer Praktiken umfasst, die körperliche Erfahrung und Live-Aktion beinhalten, leiten sich seine radikalen Konnotationen aus dieser Infragestellung konventioneller sozialer Sitten und künstlerischer Werte der Vergangenheit ab.

Marina Abramovic und Ulai

Einige Künstler, die weitgehend vom Abstrakten Expressionismus inspiriert sind, haben die Performance genutzt, um die Rolle des Körpers in der künstlerischen Produktion zu betonen. Vor einem Live-Publikum schuf Kazuo Shiraga von der japanischen Gutai Group eine Skulptur, indem er durch einen Schlammhaufen kroch. Georges Mathieu er inszenierte ähnliche Performances in Paris, wo er heftig Farbe über seine Leinwand warf. So veränderte sich die Aufmerksamkeit der Kunst vom Objekt zur Aktion des Künstlers, wodurch eine Spannung zwischen dem, was Kunst und dem, was Leben ist, entstand. Ein Beispiel dafür sind die Aufführungen von Marina Abramović, John Cages musikalische Kompositionen wie 4 '33 ``, Robert Rauschenbergs neun Nächte im dunklen elektronischen Tennismatch, unter anderem.

Yoko Ono und John Lennon

Fluxus-Künstler, Dichter und Musiker forderten die Zuschauer auch heraus, indem sie die alltäglichsten Ereignisse – Zähne putzen, Salat machen, das Theater verlassen – als Kunstformen präsentierten. Ein bekanntes Beispiel ist das „Bed-in“, das Fluxus-Künstler, Yoko Ono, inszeniert 1969, mit ihrem Ehemann John Lennon. Typisch für viele Auftritte, Yoko Ono und Lennon machten aus gewöhnlichen menschlichen Aktivitäten ein öffentliches Spektakel, eines, das persönliche Interaktion erforderte und das öffentliche Bewusstsein für ihre pazifistischen Überzeugungen schärfte.

Carolee Schneemann

Im politisierten Umfeld der 1960er Jahre setzten viele Künstler Performance ein, um aufkommende soziale Probleme anzusprechen. Insbesondere für feministische Künstlerinnen hat sich der Einsatz ihres Körpers in Live-Auftritten als effektiv erwiesen, um historische Darstellungen von Frauen herauszufordern. Künstlerinnen wie Carolee Schneemann, Hannah Wilke und Valie Export zeigten ihrer Tradition gemäß ihre nackten Körper für den Blick des Betrachters, widersetzten sich jedoch der idealisierten Vorstellung von Frauen als passiven Objekten von Schönheit und Begierde. Durch ihre Worte und Taten konfrontierten sie die Öffentlichkeit und stellten Fragen über die Beziehung der weiblichen Erfahrung zu kulturellen Überzeugungen und Institutionen, körperlicher Erscheinung und Körperfunktionen, einschließlich Menstruation und Schwangerschaft.

Hannah Wilke

Leistung im 21. Jahrhundert
Die allgemeine Akzeptanz von Leistung in den letzten 30 Jahren hat zu neuen Trends in der Praxis und im Verständnis geführt. Ironischerweise hat die Notwendigkeit, Performance in der Kunstgeschichte zu positionieren, Museen dazu veranlasst, sich stark auf Fotografie und Video zu konzentrieren, um Live-Ereignisse zu dokumentieren. In 2010, Marina Abramovic, ein Performance-Pionier, hatte die erste Performance-Retrospektive im Museum of Modern Art. Die Künstlerin begann Anfang der 1970er Jahre, ihren eigenen Körper als Subjekt, Objekt und Medium ihrer Arbeit zu verwenden und präsentierte im MoMA die Ausstellung Marina Abramovic: Der Künstler ist anwesend. Jeden Tag war das Museum zwischen dem 14. März und dem 31. Mai 2010 geöffnet, das Museum selbst Marina Abramovic saß vor einem leeren Stuhl, in dem Museumsbesucher eingeladen waren, so lange vor ihr zu sitzen, wie sie wollten. The Artist Is Present ist die längste Performance von Marina Abramovic bis heute.