Was ist Konkrete Kunst und was zeichnet sie aus?
Eine kurze Geschichte der Konkreten Kunst
Konkrete Künstler, die in die Fußstapfen von Bewegungen wie dem Konstruktivismus und De Stijl traten, boten eine Kunst an, die sich vollständig von realistischen Themen löste und auf präzisen Kompositionsstrukturen basierte, von denen viele mathematische oder wissenschaftliche Formeln darstellten. Der Begriff wurde vom Künstler Theo van Doesburg in seinem Manifest der Konkreten Kunst von 1930 eingeführt, das in der ersten und einzigen Ausgabe der Zeitschrift Art Concret veröffentlicht wurde. In diesem Manifest erklärte der Künstler, dass es nichts Konkreteres oder Wirklicheres gibt als eine Linie, eine Farbe oder eine flache Farbfläche.
Später wurde der Schweizer Künstler Max Bill zum Wortführer der konkreten Kunst, nachdem er 1944 die erste internationale Ausstellung in Basel organisiert hatte. Der Schweizer Künstler erklärte, das Ziel der konkreten Kunst sei es, „eine sichtbare und greifbare Form von Dingen zu schaffen, die vorher nicht existierten – abstrakte Gedanken in einer sinnlichen und greifbaren Form darzustellen“.
In den 1950er Jahren war die konkrete Kunst bereits ein international verbreiteter und sofort erkennbarer Stil, in ganz Europa und vor allem in Lateinamerika. Erfahren Sie hier mehr über diese Bewegung.
Was ist Konkrete Kunst?
Der Begriff "konkrete Kunst" bezeichnet jede Art von abstrakter Kunst, die keine figurativen oder symbolischen Bezüge hat. Ein abstraktes Gemälde, dessen Motive oder Formen offensichtlich von natürlichen Elementen abgeleitet sind, würde nicht als konkrete Kunst angesehen: Das Gemälde muss völlig frei von naturalistischen Assoziationen sein. Infolgedessen basiert die meiste konkrete Kunst auf geometrischen Bildern und Mustern und wird oft als geometrische Abstraktion bezeichnet. Konkrete Kunst ist also völlig frei von jeder beobachteten Realität und hat keine symbolische Bedeutung. Das Wort „Beton“ selbst wird definiert als „etwas in materieller oder physischer Form“, als fest, materiell, real, und seine Antonyme sind „abstrakt“ und „theoretisch“. Aber gerade durch die Antonyme, abstrakt und theoretisch, findet sich konkrete Kunst, die diese beiden Begriffe oft auf die Spitze treibt. Konkrete Kunst im weitesten Sinne verzichtet vollständig auf reale Formen und konzentriert sich nur auf Ideen, die „direkt aus dem Kopf“ kommen.
Darüber hinaus steht die geometrische Abstraktion im Einklang mit der klassischen Ästhetik: Platon zum Beispiel war der Ansicht, dass die höchste Form der Schönheit eher im „idealen“ Konzept oder der Geometrie einer Sache liegt als in ihrem tatsächlichen Erscheinen in der natürlichen Welt. Schließlich kann der konkreten Kunst, da sie nichts mit der materiellen Welt zu tun hat, eine spirituelle Dimension zugeschrieben werden. Es ist zum Beispiel diese spirituelle Dimension, die den „Unendlichkeitsmustern“-Designs der islamischen Kunst zugrunde liegt.
Wie ist konkrete Kunst entstanden?
Die geometrischen Formen der abstrakten Malerei tauchten lange vor dem Begriff der konkreten Kunst auf. Die islamische Kunst zum Beispiel ist berühmt für ihre geometrischen Muster, wie das „endlose Muster“, sowie für übliche keltische Muster, wie Spiralen, Labyrinthe, Knoten. Die erste Hälfte des 20. Jahrhunderts war eine Umbruchzeit für die westliche Kunst. In den 1910er Jahren brachen einige Künstler völlig mit jeglicher Art von Repräsentation, was selbst für den Spätkubismus und Fauvismus eine ziemlich abrupte Wende war.
Der Russe Wassily Kandinsky war möglicherweise der erste, der rein abstrakte Werke malte, bald darauf folgten nummerierte Kompositionen von Piet Mondrian und Kasimir Malewitsch. Die unabhängige Schwedin Hilma af Klint entwickelte ihr eigenes Konzept der hohen Abstraktion und schuf visuelle Darstellungen komplexer spiritueller Ideen, die aus Hermetik und Theosophie stammen.
All diese Ideen bildeten die Grundlage für De Stijl, auch bekannt als Neo-Plastizismus, eine Bewegung, die 1917 in Amsterdam gegründet und von den Malern Mondrian, Vilmos Huszár und Bart van der Leck zusammen mit den Architekten Gerrit Rietveld und Robert van 't gegründet wurde Hoff und JJP Oud. De Stijl war der Name der vom Anführer der Gruppe, Theo van Doesburg, herausgegebenen Zeitung, die dazu diente, die Ideen der Gruppe ihrem Publikum und Kunstliebhabern näher zu bringen. Nachdem die Niederlande während des Ersten Weltkriegs isoliert waren (niederländische Künstler konnten das Land nach 1914 aufgrund der offiziell neutralen Position nicht verlassen), entstand eine ausgesprochen originelle und einzigartige moderne Bewegung, die teilweise von den Hauptströmungen der damaligen Kunstwelt beeinflusst wurde. Als Befürworter des Neoplastizismus befürworteten die Mitglieder der Gruppe die Verwendung einfacher horizontaler und vertikaler geometrischer Formen, wobei sie wenig Farbe außer Weiß, Schwarz und den Primärfarben verwendeten und alles auf das Wesentliche von Form und Farbe reduzierten. „Red and Blue Chair“ von Gerrit Rietveld ist vielleicht das berühmteste Beispiel dieser Bewegung.Weniger als ein Jahrzehnt später entstanden der Konstruktivismus, das Bauhaus und schließlich die Konkrete Kunst.
Das Manifest der Konkreten Kunst
Ö Manifest der Konkreten Kunst, 1930 in Paris veröffentlicht, von Van Doesburg, plädierte für eine Art abstrakter Kunst, die völlig frei von jeder Grundlage in der beobachteten Realität wäre – eine Form, die auch frei von symbolischen Implikationen ist. In diesem Manifest erklärte er: "Das Kunstwerk darf nichts von den formalen Eigenschaften der Natur oder von Sinnlichkeit oder Sentimentalität erhalten ... Die Technik muss mechanistisch sein, dh exakt und antiimpressionistisch." Tatsächlich wollte Van Doesburg eine völlig unabhängige Kunstform schaffen, die sich ausschließlich auf sich selbst konzentriert. Ich sah keine Notwendigkeit für eine Nachahmung der Natur oder eine lineare Perspektive, um dem Gemälde eine falsche „Tiefe“ zu verleihen, weil ich dachte, dass nichts konkreter oder realer ist als eine Linie und eine Farbe. Leider starb Van Doesburg ein Jahr nach der Veröffentlichung seines Manifests, aber seine Ideen wurden von der Gruppe weiterentwickelt Abstraktion-Kreation - angeführt vom belgischen Künstler Georges Vantongerloo (1886-1965) und den französischen Malern Jean Helion (1904-87) und Auguste Herbin (1882-1960) - zu deren Mitgliedern europäische abstrakte Bildhauer wie Jean Arp (1886-1966), Naum Gabo ( 1890-1977), El Lissitzky (1890-1941), Antoine Pevsner (1886-1962), Barbara Hepworth (1903-1975) und Ben Nicholson (1894-1982).
Konkrete Kunst wurde durch die spiralförmige abstrakte Skulptur des ehemaligen Schweizer Bauhaus-Architekten, Bildhauers und Designers Max Bill (1908-94) weiter veranschaulicht. Der Schweizer Künstler verbreitete und popularisierte das Genre im eigenen Land, organisierte 1944 die erste internationale Ausstellung konkreter Kunst in Basel und führte die Bewegung auch in Italien, Argentinien und Brasilien ein. Die Arbeiten von Max Bill gelten heute als Vorläufer des Minimalismus in der Skulptur.
Die späteren Entwicklungen der Konkreten Kunst
Diese neue Bewegung unterschied sich von den vorherigen durch ihre noch stärkere Tendenz, sich auf reine geometrische Formen, die formalen Qualitäten, die völlige Ablehnung von Lyrik, Dramatik und Symbolik zu verlassen. Die meiste Zeit, insbesondere in der Bildhauerei, waren die Stücke hervorragend verarbeitet und sahen praktisch maschinell hergestellt aus, ohne menschliche Berührung. Später inspirierten diese Eigenschaften Kritiker dazu, diese Bewegung "kalte Abstraktion" zu nennen.
Wie jede andere starke künstlerische Idee hat der Stil auch nach seiner Anfangszeit im Rampenlicht weitergelebt und sich verändert. In den späten 1950er Jahren entstanden in Lateinamerika mehrere Gruppen (Arte Concreto-Invención, Arte Madí, Grupo Neoconcreto), die alle weiterhin rein abstrakte künstlerische Ziele in rationalistischer Opposition zur damals populären Wandmalerei-Propaganda verfolgten. Konkrete Kunst hat bis heute die Kraft, uns zu faszinieren. Spätere Generationen erweiterten ihren Einfluss, ihre Anwendung und damit ihre Zugänglichkeit für die breite Öffentlichkeit, indem sie sich nicht auf geschlossene Räume wie eine Galerie beschränkten, sondern sich auf alle Oberflächen in der modernen Welt ausdehnten.
