Warum sind Robert Mapplethorpes Bilder überall?

Als der Fotograf Robert Mapplethorpe 1986 im Alter von 40 Jahren AIDS diagnostizierte, war seine unmittelbare Reaktion die Zerstörung des Werks, das er hinterlassen würde. Nachdem er den anfänglichen Schock überwunden hatte, beschloss er jedoch, seinen Nachlass zu planen, was 1988, ein Jahr vor seinem Tod, zur Gründung der Robert Mapplethorpe Foundation führte. „Robert war klug bei der Auswahl seines Vorstands, weil er wusste, dass die Ernennung von Familienmitgliedern oder Lebenspartnern, die möglicherweise emotionale Entscheidungen treffen, nicht immer optimal für die Verwaltung des Erbes eines Künstlers ist“, sagte Michael Stout, Anwalt und Präsident der Mapplethorpe Foundation, gegenüber ARTnews. Stattdessen stellte Mapplethorpe einen Vorstand mit Fachgebieten aus den Bereichen Recht (Stout ist Urheberrechtsexperte) und Fotografie zusammen, um die Zukunft und das Erbe seines beeindruckenden Werks zu gestalten.

Stout schätzt, dass Mapplethorpe etwa 14.000 Abzüge hinterlassen hat, die aus etwa 2.000 Negativen sowie einer kleineren Anzahl skulpturaler Objekte und Polaroids bestehen. Und in den letzten Jahren ist die Verwaltung des Erbes des Künstlers zu einer komplizierten Aufgabe geworden: 15 Galerien auf der ganzen Welt verwalten den Verkauf des Nachlasses basierend auf ihrer jeweiligen geografischen Lage. Gladstone Gallery, Morán Morán und Olga Korper Gallery gehören zu den fünf Verantwortlichen in Nordamerika; in Europa, Xavier Hufkins Gallery, Thaddaeus Ropac, Alison Jacques Gallery und Galerie Thomas Schulte sind die Hälfte der acht Galerien, die Vertretungsvereinbarungen haben; Die südamerikanische Nachfrage wird von Galeria Fortes D'Aloia & Gabriel aus Brasilien verwaltet; und der asiatische Markt wird von der Kukje Gallery aus Seoul verwaltet.

Nächste Woche werden die Gladstone Gallery, Ropac und Alison Jacques auf der Art Basel jeweils ein Werk von Mapplethorpe zum Verkauf anbieten. Darüber hinaus gibt es jedes Jahr mehrere institutionelle Ausstellungen und Markenpartnerschaften, beispielsweise mit Uniqlo, Chrome Hearts und Honey Fucking Dijon, die Mapplethorpes Bilder lizenzieren. In den Anfängen lizenzierte die Stiftung nur Papierprodukte wie Postkarten, Kalender und Poster. „Wir hatten keine Möglichkeit zu wissen, ob Robert eine Chrome Hearts-Lederjacke haben würde, aber wir haben es getan, als viele Künstler begannen, Lizenzverträge abzuschließen“, fügte Stout hinzu.

„Wir müssen sorgfältige Entscheidungen über die Lizenzierung treffen und bei der Veröffentlichung akribisch vorgehen, denn Bücher überleben“, sagte Stout. „Sie erfreuen sich im Hinblick auf den Verkauf nicht mehr so großer Beliebtheit, da alles online ist, aber Robert wusste, dass es wichtig war, sie zu haben, und er hat viele Bücher bei verschiedenen Verlagen herausgebracht.“ Er fügte außerdem hinzu, dass sich die Treuhänder der Stiftung darauf geeinigt hätten, „bei der Lizenzierung konservativ“ zu sein und dass sie darauf abzielen, „Entscheidungen zu treffen, von denen wir glauben, dass er sie getroffen hätte“.
Neben der Verwaltung der Kunst von Mapplethorpe hat die Stiftung eine weniger bekannte Aufgabe: Sie fungiert als Fördermittelgeber und investiert in die Unterstützung der HIV-Forschung. „Wir sind größtenteils auf Galerieverkäufe angewiesen, und die Verwaltung des Nachlasses eines Fotografen ist schwieriger als die eines Malers“, sagte er angesichts des enormen Preisunterschieds zwischen den beiden Medien.

Das Faszinierende und Rätselhafte léMapplethorpes visueller Stil war in den letzten Jahren jedoch vielleicht beliebter denn je. Im ersten Quartal 2024 gab es bereits vier Einzelausstellungen des Fotografen: bei Alison Jacques in London, Gladstone in New York, Thaddaeus Ropac in Paris und Morán Morán in Los Angeles sowie eine Drei-Künstler-Ausstellung mit Ann Craven und Mohammed Z. Rahman, bei Phillida Reid in London. Die Ausstellungen in Paris und LA hatten hochkarätige Kuratoren: den Moderedakteur Edward Enninful bzw. die Künstlerin Jacolby Satterwhite. Letzten Monat eröffnete das Currier Museum of Art in New Hampshire die Ausstellung Filippo de Pisis und Robert Mapplethorpe, die die Arbeit des Fotografen mit der des italienischen Malers des 20. Jahrhunderts in Dialog setzt. Die gemeinsame Faszination für Blumen bildet den Kern der Ausstellung, die 38 Fotografien umfasst, die allesamt Leihgaben der Stiftung sind.

Die Gladstone-Ausstellung, die im April im Hauptquartier der Galerie in der Upper East Side endete, sollte einen weniger bekannten Teil von Mapplethorpes Werk beleuchten: seine dreidimensionalen Assemblagen und Fotografien in skulpturalen Rahmen. Die Ausstellung profitierte vom früheren Leben des Galerieraums als Zuhause, da die Installation eine zurückhaltende Mischung aus Theatralik und Häuslichkeit vermittelte. Sein „Ohne Titel“ (Garderobenskulptur), ca. 1972 beispielsweise besetzte eine Ecke mit einer brennenden Lampe (anstelle eines Mantels) neben einer Schwarzweißfotografie des Künstlers Jay Johnson, auf der dieselbe Skulptur neben Johnsons nacktem Körper erscheint. Vor einem Fenster mit Blick auf den Hinterhof stand Open Book (1974), eine große Aluminiumstruktur auf dem Boden, in der ein Quartett von Penisfotografien über einem schlanken dreieckigen Sockel sitzt.

Die jüngste Gladstone-Ausstellung folgte auf die einjährige Ausstellung „Implicit Tensions“ (2019) des Guggenheim Museums, die erstmals eine umfangreiche Gruppe von Mapplethorpes Mixed-Media-Konstruktionen präsentierte. Das ehrgeizige Unterfangen war eine Erweiterung der Schenkung von 194 Werken der Stiftung an das Guggenheim im Jahr 1993, wodurch auch eine Fotoabteilung im Museum und eine Galerie eingerichtet wurden, die zu Ehren des verstorbenen Fotografen benannt wurde.

„Vor Mapplethorpe waren die Rahmen von Fotografien eher beiläufig und spiegelten den unangenehmen Übergang vom Papiermedium zur Wand wider“, sagte Guggenheim-Mitkuratorin Lauren Hinkson kürzlich gegenüber ARTnews über die zweiteilige Ausstellung. Im zweiten Teil ihres Projekts wurden lebende Künstler wie Lyle Ashton Harris, Glenn Ligon, Zanele Muholi und Catherine Opie eingeladen, als Reaktion auf den ersten Teil der Ausstellung ihre eigenen Bilder von queerer Resilienz auszustellen. „Wie das Werk jeder kanonischen Figur sind auch Mapplethorpes Werk und seine Bedeutungen weder stabil noch statisch, sondern immer offen für Neuinterpretationen, da andere Künstler alternative Ansätze zur Bildgestaltung anbieten“, sagte Hinkson.

Queer-Kreative der neuen Generation hingegen lassen sich immer noch von Mapplethorpes hemmungslosem Umgang mit Fleischlichkeit inspirieren, sei es in seinen anspielenden Blumen oder der dramatischen Beleuchtung seiner Hintern mit zwei Fäusten. Ludovic de Saint Sernin, ein aufstrebender französischer Designer mit Kultstatus, stellte in Zusammenarbeit mit der Stiftung während der New York Fashion Week im Februar seine von Mapplethorpe inspirierte Herrenkollektion vor. Popstar Troye Sivan trägt derzeit auf seiner laufenden Sweat-Welttournee einige Stücke aus der von Bondage inspirierten Kollektion. Die Kleidungsstücke aus schwerem Leder sind eine Abkehr von der T-Shirt-Linie von Uniqlo aus dem Jahr 2015, die mit den zugänglicheren Fotografien des Künstlers bedruckt wurde.

Das Einladen neuer Perspektiven war für die Mapplethorpe Foundation eine gewinnbringende Möglichkeit, ihr Erbe am Leben zu erhalten. Eine Reihe von Galerieausstellungen, kuratiert von Kulturgrößen, von Isabelle Huppert bis Elton John oder die jüngsten Enninful und Satterwhite, aktivieren ihre großartige Arbeit aus verschiedenen persönlichen Blickwinkeln. (Die von Enninful bei Ropac organisierte Ausstellung zog an ihrem Eröffnungstag im März rund 2.000 Besucher an.)

Für Satterwhite spiegelt die Möglichkeit, eine Mapplethorpe-Ausstellung zu kuratieren, seine eigene Praxis wider, die sich auch mit den Themen Macht, Autonomie und Euphorie beschäftigt. Die Stiftung gewährte dem in Brooklyn lebenden Künstler Zugang zum gesamten Werk des Fotografen, und die daraus resultierende Ausstellung mit dem Titel „Animismus, Glaube, Gewalt und Eroberung“ enthielt eine Mischung aus Mapplethorpes weniger erforschten Bildern von Utopie, Widerstand und Hingabe. Die Titelthemen der Ausstellung sind Themen, mit denen sich Satterwhite während der Arbeit an seinem jüngsten Auftrag für das Metropolitan Museum of Art, A Metta Prayer (2023), über Glaubenssysteme und Überleben beschäftigte.

Ein Foto aus dem Jahr 1982 zeigt beispielsweise einen Fernseher, an dessen Unterseite eine Kette hängt; Auf einem Bild aus dem Jahr 1985 ist ein als Pirat verkleideter Junge zu sehen, der durch ein Fernglas blickt. „Ich habe darüber nachgedacht, wie ich Videospiele und Vorstellungen von Gewalt, Überwachung und Eroberung in meinem Projekt untergraben kann“, sagte Satterwhite gegenüber ARTnews. Er bemerkte, dass er schon lange davon geträumt habe, ein Projekt rund um Mapplethorpe zu realisieren, „aber wenn ich vor zehn Jahren die Chance dazu gehabt hätte, wäre das Ergebnis völlig anders ausgefallen“, sagte er. Der Künstler organisierte die Ausstellung kurz nach seinem Met-Auftrag, in dem er ähnliche Vorstellungen von Hingabe, Macht und Giftigkeit in Schönheit marinierte, und sagte, er fühle sich zu diesem Zeitpunkt seiner Praxis den ähnlichen Anliegen Mapplethorpes näher.

Mapplethorpes eigene Galeriedarstellung war wichtig für die wechselnden Perspektiven der Arbeit des Künstlers. „Die vorherrschende Ästhetik von Roberts Nachlass mit Lilien und Akten wurde von der Stiftung und der Robert Miller Gallery festgelegt, die zunächst exklusiv vertreten war“, sagte Stout, Präsident der Stiftung. Der Wechsel der Vertretung der Stiftung in die New Yorker Sean Kelly-Galerie Anfang der 2000er Jahre trug dazu bei, Mapplethorpe einen multivalenteren Ansatz zu verleihen. Im Jahr 2003 organisierte Cindy Sherman mit Hilfe von Sean Kelly das erste dieser von Künstlern geleiteten kuratorischen Projekte, die mittlerweile mehrmals im Jahr durchgeführt werden. „Die öffentliche Reaktion und eine Rezension von Roberta Smith in der New York Times haben uns davon überzeugt, dass wir andere Menschen Entscheidungen über Ausstellungen treffen lassen sollten“, sagte Stout. „Selbst wir sehen immer noch Werke auf diese Weise, die wir nie gesehen oder vergessen haben.“

Die Herausforderung für die Mapplethorpe Foundation besteht heute darin, ein Unternehmen mit Mitteln aus einem begrenzten Repertoire zu verwalten. Um die Verkäufe zu unterschiedlichen Preisen zu überwachen und zu vermeiden, dass dasselbe Werk gleichzeitig in separaten Ausstellungen gezeigt wird, richtete die Stiftung ein sogenanntes „zentrales System“ ein. Das Layout hilft dem Vorstand und den Mitarbeitern, die weltweit verkauften Bildtypen aufzuteilen und zu kontrollieren und einen ausgewogenen Bestand im Hinblick auf Wert und zukünftige Nachfrage aufrechtzuerhalten. Funktioniert mit außergewöhnlich ikonischen Themen, wie z Patti Smith, Mapplethorpe selbst oder Andy Warhol, sowie Lilien seien „für besondere Momente“, sagte Stout. Dieses System hilft der Stiftung auch dabei, Werke zwischen verschiedenen Galeriebeständen zu verteilen, um eine gleichmäßige Verteilung zu gewährleisten.

„Als wir mit Robert die Stiftung gründeten, waren wir uns nicht sicher, ob wir länger als 20 Jahre weitermachen würden“, erinnert sich Stout. „Wir haben keine Treuhänder, die emotionale Entscheidungen treffen und sentimentale Beiträge in unserem Vorstand haben – wir wollen es nur in Ordnung bringen.“

Quelle: Artnews