Underdogs feiert Premiere mit Kurzdokumentarfilm „The World as a Whole“

Am 2. November um 21.30 Uhr zeigt die Kulturplattform Underdogs im Saal Manoel de Oliveira des mythischen Kinos São Jorge in Lissabon ihren ersten Dokumentarfilm The World as a Whole. Als Teil des Programms des französischen Kinofestivals führt uns dieser Kurzfilm unter der Regie von Ana Pires hinter die Kulissen von (Sem) Fronteiras, einem Projekt von Underdogs, das im Rahmen der Saison Portugal – Frankreich 2022 entwickelt wurde und vier portugiesische Künstler herausforderte und vier französische Künstler, die zusammenkommen, um öffentliche Kunstinterventionen in vier Partnerstädten zwischen Portugal und Frankreich zu schaffen.

Die vier kollaborativen Interventionen haben als Motto eine Reflexion über das Wesen und die Zukunft von Grenzen, nicht nur in ihrer geografischen Dimension, sondern auch in ihrer konzeptionellen Breite. Ein besonderer Fokus liegt dabei auf der Komplexität urbaner Grenzen und dem Spiel zeitgenössischer Gestaltung im urbanen Raum mit den Grenzen der Städte. Darüber hinaus und auch aufgrund der Küstengeographie der ausgewählten Gebiete werden Künstler herausgefordert, Land- und Seegrenzen sowie die sichtbaren und unsichtbaren Grenzen innerhalb der Europäischen Union zu erkunden.

Öffnung von Wegen der sozialen, kulturellen, wirtschaftlichen und politischen Erkundung, (Grenzenlos beabsichtigt, die Möglichkeit eines europäischen Raums zu betonen, der den Aufbau wechselseitiger Beziehungen zwischen Menschen und Ideen fördert, und lobt auch die Kraft der künstlerischen Intervention als Instrument zum Hinterfragen und als Hebel für sozialen und geografischen Zusammenhalt.

CAPBRETON – Verschwendete Rita & Elea Jeanne Schmitter

Das Künstlerduo Wasted Rita und Elea Jeanne Schmitter arbeitete an einer Reihe von Archiven, die während der Haft in Capbreton erbeutet wurden. Jeden Tag wurde dank einer VHS-Kamera der Sonnenuntergang aufgezeichnet und archiviert, wodurch ein Tagebuch dieser Tage entstand, die manchmal alle gleich zu sein scheinen. Mit dem Ziel, eine Zusammenarbeit innerhalb dieses Territoriums zu entwickeln, die die Erfahrungen beider widerspiegelt, nutzten die Künstler die Plastizität des Sonnenuntergangs und die Art und Weise, wie wir ihn individuell und kollektiv erleben, um eine relationale Ästhetik zu entwickeln, die die Wiedergeburt und das Erhabene in Frage stellt. Bedenkt man, dass sich die Menschen schon immer mehr für Sonnenuntergänge als für Sonnenaufgänge interessiert haben, gelten diese hier als Verheißung für den Abschluss aller Dramen des Tages. Die Künstler beschäftigen sich mit der universellen Erfahrung dieses Kreislaufs, der seit Anbeginn der Zeit nicht nur den Menschen, sondern allen Wesen im Meer und auf dem Land gehört. Dieser kleine Tod, die kleine Trauer um die Taten oder Niederlagen des Tages bringt die Menschen in diesen kurzen Minuten der apokalyptischen Ekstase zusammen.

Woran denken die Leute, wenn sie in den Sonnenuntergang starren? Ich habe eine seltsame Obsession mit dem Ozean und seinen Kreaturen. Was machen sie zum Spaß? Wissen sie von Dua Lipa? Haben sie schlechte Tage? Können sie ihre Kollegen stummschalten?

Ich bin mir ziemlich sicher, dass ein Tintenfisch leichter viral wird als ein Zwergpottwal, aber ein Zwergpottwal hat mehr Anhänger als ein Mondfisch. 

Was ist mit Delfinen? Werden sie traurig, wenn es schreckliches Wetter ist? Versammeln sie sich mit ihren Lieben an strategischen Orten, um auch den Sonnenuntergang zu beobachten? Ist der Anstieg des Meeresspiegels eine Art Gentrifizierung? Müssen sie ständig umziehen, in der Hoffnung, einen besseren Ort zum Leben zu finden?

Die portugiesische Künstlerin und Illustratorin Wasted Rita hat eine kritische und besonders intime Praxis entwickelt, die ihre Hassliebe zum Leben und zur Welt um sie herum erforscht. Der bekennende „Cream Provocateur“ denkt, schreibt und zeichnet gerne und erweckt kleine Juwelen sarkastischer Weisheit zum Leben, die in Acid getränkt sind und eine unkonventionelle Erziehung in einer katholischen Schule zu den Klängen von Black Flag widerspiegeln. Unter Verwendung einer Vielzahl von Medien – einschließlich skulpturaler Objekte, Installation, Malerei, Zeichnung und Schreiben – formt seine einzigartige Stimme seine vernichtenden Beobachtungen und poetischen Beschimpfungen über menschliches Verhalten und zeitgenössische Kultur. Seit 2011 präsentiert er seine Arbeiten in verschiedenen Kontexten, darunter Einzel- und Gruppenausstellungen in Galerien, Institutionen und künstlerischen Veranstaltungen in mehreren Ländern.

Elea Jeanne Schmitter ist Fotografin, Konzeptkünstlerin oder Forscherin, vielleicht sogar ein bisschen von beidem, je nach den Charakteren, die sie spielt, den Ritualen, die sie sich vorstellt, den Teilen des Lebens, die sie erzählt, und den Gefühlen, die sie teilt. Geleitet von einem Interesse an Systemen der Gemeinschaft und konzeptionellen Gruppierungen zwischen Menschen, beinhaltet ihre Praxis umfangreiche Recherchen über die Macht und Struktur der Geheimhaltung und die prekäre Natur der Wahrheit. Elea Jeanne Schmitter erforscht Immersion als Form der Schöpfung, irrationale Entscheidungen als Lösungen und das Unerwartete als Drehtür zu dem, was kommt. Die Arbeit des Künstlers entwickelt sich durch den Prozess einer Reise, die im Wesentlichen utopisch ist, einer Erzählung, die eine Suche voraussetzt: die Suche nach wahrer Liebe, Spiritualität und politischer Ideologie.

NAZARE – Tamara Alves & YZ

Über den Titel I:REVERSIBLE, für dieses Wandbild des portugiesischen Künstlers Tamara Alves und die französische Künstlerin YZ konzipierte eine Anspielung auf die uralte und meist weibliche Praxis des Fischtrocknens in Nazaré. Als Erweiterung des Inhalts zu diesem Thema im Kulturzentrum von Nazaré, das darauf abzielt, dieses Erbe zu fördern und zu bewahren, unterstreicht das Wandbild dieses Thema und verleiht ihm eine herausragende Stellung im Zentrum des Dorfes. YZ hat dabei ein Porträt eines der letzten Nazarener und Inhaber dieses einzigartigen Wissens entwickelt Tamara Alves schuf eine Komposition einer jungen Frau, die die Möglichkeiten der Zukunft darstellt, um unsere Beziehung zu diesem Erbe zu hinterfragen.

Während die Intervention von YZ vor dem Verlust dieser Tradition warnt und uns dazu veranlasst, darüber nachzudenken, was getan werden kann und sollte, um sie zu bewahren, Tamara Alves arbeitet an Wegen, um voranzukommen, die Vergangenheit und die Arbeit dieser Frauen wertzuschätzen, aber eine Zukunft zu repräsentieren, in der diese weiblichen Körper Optionen haben, und eine neue Erzählung zu schaffen, in der Frauen die volle Kontrolle über ihre Entscheidungen und Entscheidungen, ihre Zukunft haben.

Tamara Alves ist ein portugiesischer Künstler und Illustrator, der derzeit in Lissabon lebt. Er hat einen Abschluss in Bildender Kunst (ESADIPL) und einen Master in Contemporary Artistic Practices, wo das Thema seiner Dissertation „Public Activism in Urban Context“ war. Immer interessiert an einer Art von Kunst, die in die Welt „eingefügt“ wird, fasziniert von der Ästhetik der Straße und des urbanen Kontexts, ignoriert Tamara herkömmliche Räume wie Galerien oder Museen, um ihre Arbeiten auf der Straße oder im öffentlichen Raum zu präsentieren . In ihrer Arbeit wird das erotische Panorama eines zeitgenössischen Körpers mit diesen Effekten der Erweiterung der ihn konstituierenden Grenzen dargestellt. Eine rohe Leidenschaft statt rationaler Überlegung, ein Körper-ohne-Organe, ein tierisches Werden, die erlebten Empfindungen, „nackter hysterischer Hunger“ (Allen Ginsberg). In einer von der urbanen Ästhetik inspirierten plastischen Sprache verwendet es Träger mit vielfältigen Eigenschaften – Zeichnen, Malen, Keramik oder Tätowieren. Seit 2000 hat er an mehreren Projekten, Einzel- und Kollektivausstellungen und urbanen Kunstinterventionen teilgenommen.

Yseult Digan alias YZ ist eine britisch-französische Künstlerin, deren Arbeit historische und politische Kontexte untersucht, die mit der Realität karibischer Sklavennachkommen, afrikanischer Soldatinnen und weiblicher Figuren unterschiedlicher ethnischer Herkunft verbunden sind. Seine Kompositionen, die sich in Maßstab, Medium und Technik unterscheiden, stellen einen Versuch dar, das Bild und die Positionierung von Gruppen zu rehabilitieren, die von der Geschichte verdeckt und misshandelt wurden. Ihre Arbeiten wurden in renommierten Institutionen wie dem Centre Pompidou in Paris oder dem ArtScience Musuem in Singapur präsentiert und 2017 wurde sie ausgewählt, Marianne – der nationalen Personifikation der Französischen Republik – in ihrer Darstellung auf Briefmarken ein neues Gesicht zu geben . : eine Neuinterpretation, die er „Marianne l'Engagée“ betitelte. 2019 wurde sie von Eurotunnel eingeladen, zwei monumentale Werke zu schaffen, eines auf jeder Seite des Ärmelkanals. Nachdem er mehrere Jahre in Senegal und Côte d'Ivoire gelebt und gearbeitet hat, lebt er derzeit in Frankreich.

BORDEAUX – Add Fuel & L’Atlas
Der portugiesische Künstler Add Fuel (Diogo Machado) und der französische Künstler L'Atlas (Jules Dedet Granel) schufen eine öffentliche Kunstintervention, die die kalligraphische Signatur von L'Atlas mit der geometrischen Sprache kombiniert, die in der Ästhetik der Arbeit von vorhanden ist Add Fuel. Indem die Signatur in geometrischen Schichten dekonstruiert und das Grau, das im Werk des französischen Künstlers Vorrang hat, durch Blau und Weiß ersetzt wird, Farben, die im Werk von konsequent präsent sind Add Fuel, etablierten eine ausgewogene und symbiotische Vereinigung ihrer besonderen Ästhetik. Beide drückten ein tiefes Anliegen aus, eine wahrnehmbare chromatische Harmonie zu erreichen, und diese konzeptionelle Ausgewogenheit gipfelt in einem Dialog ihrer einzigartigen visuellen Formen in einem einzigen Vorschlag.

Add Fuel ist Diogo Machado, portugiesischer Künstler und Illustrator. Als ehemaliger Grafikdesigner konzentrierte sich seine jüngste künstlerische Praxis auf die Neuinterpretation und das Spiel mit der traditionellen Sprache der Fliese, insbesondere der portugiesischen Herkunft. Durch die Verschmelzung traditioneller und zeitgenössischer Elemente zeigen seine originellen vektorbasierten Kreationen und Straßeninterventionen mit Schablonen eine beeindruckende Komplexität und eine Beherrschung der Liebe zum Detail. Basierend auf einer Kombination aus Tessellationen, die aus symmetrischen Wiederholungen Harmonie schaffen, und visuellen Illusionstechniken wie Trompe-l'oeil, erzeugen seine Kompositionen aus mehrdimensionalen Mustern einen poetischen Rhythmus, der mit der Wahrnehmung des Betrachters und den Möglichkeiten der Interpretation spielt. Seit 2006 stellt er seine Arbeiten in Einzel- und Kollektivausstellungen aus und nimmt an einigen der wichtigsten urbanen Kunstveranstaltungen der Welt teil.

L'Atlas ist der französische Künstler Jules Dedet Granel. Nach ihrem Studium der Kalligrafie in mehreren Ländern und multikulturellen Kontexten bilden Recherche und Schreiben Ausgangspunkte für ihre plastische und bildnerische Arbeit. L'Atlas kreiert originelle Typografien und ist besonders fasziniert von der Idee einer universellen Sprache, die das ideale Gleichgewicht zwischen Form und Buchstabe, zwischen Handlung und Absicht hält. In den 90er Jahren begann er Interventionen im öffentlichen Raum zu schaffen und wurde in der Welt des Graffiti weithin bekannt. Seine Studioarbeit nahm in den frühen 2000er Jahren Gestalt an und führte zu einer Reihe von Galerieausstellungen zeitgenössischer urbaner Kunst. Seine künstlerische Praxis beinhaltet eine systematische Erforschung und Erneuerung seiner Herangehensweise an Buchstaben und Linien sowie an den kodifizierten Rhythmus des Schreibens. Seine Arbeiten erforschen die Grenze des Unlesbaren und werden zunehmend abstrakter und minimalistischer. Vor kurzem begann er mit Stadtplanern zusammenzuarbeiten, um seiner Kunst eine dritte Dimension zu verleihen und so die architektonische Komponente seiner Arbeit zu betonen.

PORTO – ±MehrWeniger± & Rero

Diese Installation von ±MaisMenos± und Rero stellt die Beziehung zu den positiven und negativen Utopien unserer Zeit in Frage und versucht, die Grenze zu ziehen, die sie trennt und die neu erfunden werden muss.Um die Dichotomie der Utopien zu hinterfragen, schlug jeder Künstler einen Aphorismus vor und schrieb ihn auf denselben Träger, mit dem Ziel, eine Resonanz zu schaffen und gleichzeitig eine These und eine Antithese anzubieten, aus denen der Betrachter seine eigenen Schlussfolgerungen ziehen kann. ±MoreLess± malte die hoffnungsvollen Worte von Martin Luther King Jr. „I HAVE A DREAM“ in seiner „Universe“-Typografie als Botschaft der Liebe: ein warmer Ausdruck, der sich endlos wie ein Mantra wiederholt. Rero wiederum kontrastiert mit der Darstellung des Ausdrucks „NOT TODAY“ in LED mit dezenten Grafiken in kalter und zeitgemäßer Ästhetik, die wie gewohnt zerkratzt werden, um die Worte in diesem Kontext zu hinterfragen und so einen Kurzschluss herzustellen die erste utopische Lesart von „MaisMenos±. Dieser Dialog zwischen den beiden Künstlern ermöglicht eine permanente polysemische Lektüre zur Frage der Utopien und bringt sie in den öffentlichen Raum und in das urbane Gefüge der Stadt, wo sie eine alternative Vision der Welt bieten, den Betrachter befragen und dazu einladen die Ambiguität der menschlichen Existenz zu reflektieren und aktiver Teil des künstlerischen Denkens zu sein.

±MaisMenos± ist ein künstlerisches Interventionsprojekt des portugiesischen Künstlers und Grafikdesigners Miguel Januário, das 2005 im Rahmen einer wissenschaftlichen Arbeit begann und später ein Eigenleben entwickelte. Es bietet eine kritische Reflexion über das Modell der politischen, sozialen und wirtschaftlichen Organisation, das den modernen städtischen Gesellschaften innewohnt. Der programmatische Ausdruck des Projekts wird konzeptionell auf eine Gleichung der Einfachheit und des Ausschlusses von Gegensätzen reduziert: mehr/weniger, positiv/negativ, schwarz/weiß. Unter dem Banner „MaisMenos±“ hat der Künstler sowohl drinnen als auch draußen in einer Vielzahl von Medien zum Nachdenken anregende und innovative Arbeiten geschaffen – von Video bis zu skulpturalen Installationen, von Malerei bis Performance. Neben den zahlreichen illegalen Interventionen im Bereich der Kunst im öffentlichen Raum in mehreren Ländern wurde das Projekt auch in Einzel- und Gemeinschaftsausstellungen in vielfältigen Kontexten gezeigt. Seine Arbeiten sind in mehreren Privatsammlungen vertreten.

REROs sofort erkennbare Arbeit enthält eine inhärente Fluidität, die eine Reihe sozialer Konzepte untersucht, von Technologie und Konsum bis hin zu Sprache und Veralterung. Barrieren abbauend und sich von der Verwendung traditioneller Oberflächen für die Umsetzung seiner minimalen Aussagen distanzierend, erforschen REROs Textinterventionen, die immer in der gleichen Verdana-Typografie ausgeführt werden und frei von jeglichen Aufschlüssen sind, die Konfrontation, die Ästhetik der Zerstörung und die Idee von Aneignung . Von Werken auf Leinwand, alten Büchern, Neon, Porzellan, skulpturalen Büsten, Gipskartonwänden, abgenutzten Zeitungen, Schreibmaschinen und Flaggen – seine ehrgeizigsten Stücke sind großformatige Installationen, die Galerie- oder Museumsräume als einen Ort nutzen, an dem Ideen erforscht werden Kontext und Raumwahrnehmung. REROs Arbeiten wurden an verschiedenen öffentlichen und privaten Orten präsentiert, darunter im Centre Pompidou, Musée en Herbe und Musée de la Poste, Confluences in Paris und Antje Øklesund in Berlin. In jüngerer Zeit wurden seine Arbeiten in ganz Frankreich, den Vereinigten Staaten, Deutschland, Italien und der Schweiz ausgestellt.