TREFFEN SIE DEN KÜNSTLER: Jarek Mankiewicz
Sie haben erwähnt, dass Ihre geometrischen Abstraktionen von Typografie und Architektur inspiriert sind. Können Sie uns mehr darüber erzählen, wie diese Leidenschaften Ihr künstlerisches Schaffen beeinflussen? Wie integrieren Sie Elemente aus Typografie und Architektur in Ihre Bilder?
Typografie und Architektur standen schon immer im Mittelpunkt meiner Interessen. Schon während meines Studiums habe ich häufig einzelne Buchstaben oder ganze Wörter in meine Grafiken, Gemälde und Illustrationen eingearbeitet. Was Architektur betrifft, habe ich darüber nachgedacht, Architektur zu studieren, und überlegt, welche Richtung ich wählen soll. Letztendlich habe ich mich für Bildende Kunst entschieden, eine Entscheidung, mit der ich sehr zufrieden bin.
Elemente aus diesen Welten sind in meiner kreativen Arbeit immer noch vorhanden, obwohl sie sich weiterentwickelt haben. Sie sind nicht so wörtlich und fallen nicht sofort auf. Ich finde Inspiration in verschiedenen faszinierenden Formen, unabhängig davon, ob sie aus der Typografie, der Architektur oder etwas ganz anderem stammen. Ich betrachte sie immer als Ausgangspunkt, als eine Komponente, die ich manipuliere, in kleinere Faktoren zerlege und die ich dann verwende, um neue Kompositionen und Formen zu konstruieren.
Kubismus, Konstruktivismus, Abstrakter Expressionismus, Minimalismus und Modernismus werden als weitere Einflüsse auf Ihre Arbeit genannt. Wie beeinflussen diese historischen Kunstrichtungen Ihre künstlerische Praxis? Welche Aspekte und Annahmen dieser Bewegungen kombinieren Sie in Ihren Bildern mit zeitgenössischen Elementen?
Wir leben und schaffen in einer Zeit, in der es den Anschein hat, als sei im Bereich der traditionellen bildenden Künste bereits alles getan. Ich interessiere mich für Kunstgeschichte und habe es schon immer genossen, verschiedene Stile und Strömungen in der Kunst zu erkunden. Wenn man sich die Geschichte ansieht, ist es einfacher, konkrete Unterteilungen vorzunehmen und die Werke von Künstlern zu kategorisieren. Heutzutage neigt jedoch alles dazu, sich zu vermischen, zu überschneiden und miteinander zu verschmelzen.
Ich erstelle Kunstwerke im Stil der geometrischen Abstraktion. Allerdings nehme ich oft reale Objekte als Ausgangspunkt und unterziehe sie einer Analyse und Dekonstruktion, um daraus etwas Neues aufzubauen. Ich füge häufig geometrische Figuren ein, die als schließende Klammern dienen und die Komposition vervollständigen. Die Formen sind präzise definiert und umrissen, aber ihre Füllung und Textur lassen Pinselstriche und Gesten deutlich erkennen, sodass eher strukturierte als glatte Oberflächen entstehen. Diese gehören zu den Elementen, die in den genannten künstlerischen Bewegungen zu finden sind.
Der Modernismus ist ein weiter gefasster Begriff, der sich auf die Kulturperiode vom späten 19. Jahrhundert bis zur ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts bezieht. In dieser Zeit wurden in der bildenden Kunst bedeutende Fortschritte erzielt. Was wir derzeit auf dem Kunstmarkt beobachten, ist noch immer von dieser Zeit beeinflusst. Viele revolutionäre Lösungen wurden in dieser Zeit erstmals eingeführt und werden nun repliziert. Ich verstecke das nicht; Tatsächlich betone ich, dass ich mich gerne von diesen Jahren inspirieren lasse und ihnen gleichzeitig einen zeitgenössischen Touch hinzufüge.
Ihre Bilder zeigen komplexe Strukturen und Schichten flacher geometrischer Formen, die sich gegenseitig durchdringen, ein Gefühl von Tiefe erzeugen und den Betrachter zum Entdecken einladen. Können Sie Ihren Prozess zum Aufbau dieser vielschichtigen Kompositionen erläutern? Wie bestimmen Sie das Zusammenspiel einzelner Schichten?
Ich arbeite mit Schichten. Jede Schicht hat eine einheitliche, aber halbtransparente Form. Ich male mit Acrylfarben, die mit einem lasierenden Medium gemischt sind, was der Farbe eine teilweise deckende Qualität verleiht. Durch das Übereinanderschichten erzeugen die nachfolgenden Schichten komplexere Strukturen und ein Gefühl von Tiefe. Die Überschneidungsbereiche mehrerer Schichten werden heller und homogener. Die Strukturen und Formen wirken komplexer und aufwändiger. Dies bietet Raum für die Fantasie des Betrachters. Jeder hat andere Erfahrungen und nimmt verschiedene Phänomene unterschiedlich wahr. Während mein Ausgangspunkt möglicherweise ein bestimmter Buchstabe oder ein architektonisches Detail war, das an einem Gebäude beobachtet wurde, könnte jemand anderes ein Gesicht, einen Gartenplan, ein Röntgenbild eines menschlichen Körpers oder irgendetwas anderes wahrnehmen, was ihm seine Vorstellungskraft und seine Erfahrungen nahelegen.
Die Verwendung von Acrylfarbe mit Lasurmedium verleiht Ihrem Kunstwerk Tiefe und Bewegung. Könnten Sie näher erläutern, wie Sie diese Materialien einsetzen, um die gewünschten Effekte zu erzielen? Wie gelingt es Ihnen, in Ihren Gemälden das Gleichgewicht zwischen Opazität und Transluzenz zu wahren?
Aufgrund seiner Eigenschaften verwende ich Acrylfarbe. Insbesondere die Trocknungszeit. Wenn ich in Schichten arbeite und Öle verwende, müsste ich lange warten, bis jede Schicht getrocknet ist, bevor ich mit der nächsten fortfahren kann. Der Prozess der Erstellung eines einzelnen Kunstwerks würde sich über mehrere Monate erstrecken. Durch die Verwendung von Acrylfarben verkürzt sich diese Zeit auf einige Tage. Es ist eine bewusste und praktische Entscheidung.
Acrylfarbe ist normalerweise undurchsichtig. Deshalb füge ich ein spezielles Medium hinzu, um es teilweise transparent zu machen. Ich bereite eine Farbmischung (nur mit den Primärfarben Gelb, Rot und Blau sowie Schwarz und Weiß) mit einem Lasurmedium vor. Ich überprüfe die Ergiebigkeit der Mischung und verändere sie, bis ich den gewünschten Effekt erreiche. Ich verwende eine bestimmte Mischung, um alle Schichten derselben Farbe in einem Gemälde zu malen.
Ihr künstlerischer Stil scheint präzise geometrische Formen mit einem Sinn für natürliche Unvollkommenheit zu verbinden. Können Sie das Zusammenspiel dieser beiden Elemente in Ihrer Arbeit diskutieren? Wie hält man ein Gleichgewicht zwischen geometrischer Präzision und den Texturen, die die Struktur erzeugen und füllen?
Alle meine Bilder werden von Hand mit einem Pinsel gemalt, ohne Verwendung von Schablonen oder anderen Matrizen. Meistens basieren die Kunstwerke auf einer zuvor entwickelten Skizze, die während der Ausführung geringfügige Änderungen erfahren kann. Dennoch sind die Formen und Formen sehr spezifisch, mit deutlichen Kanten, die geometrische Präzision widerspiegeln. Was diese Geometrien jedoch ausfüllt, ist viel freier und unvollkommener, obwohl es dennoch bestimmten Regeln folgt. Die Füllung ist zwar flach, aber nicht gleichmäßig. Es ist so unvollkommen, dass man die durch Pinselstriche entstandene Textur erkennen kann.
Daher kommt es darauf an, ein Gleichgewicht zwischen der Präzision der Form und der Unvollkommenheit seiner Füllung zu finden.
Welche Rolle spielt die Beobachtung in Ihrem künstlerischen Prozess? Wie gehen Sie mit Ihrer Kunst an die Beobachtung und Neuinterpretation der Welt um Sie herum heran? Gibt es bestimmte Techniken oder Praktiken, die Sie anwenden, um das Wesen der Welt in Ihren geometrischen Abstraktionen einzufangen?
Obwohl das Ergebnis eine Abstraktion ist, wird der Ausgangspunkt oft von einigen in der realen Welt beobachteten Objekten abgeleitet. Während ich studierte, sagte einer meiner Lehrer einmal, wir sollten auf unsere Füße schauen, denn dort liegt eine riesige und inspirierende Welt. Jetzt schaue ich nicht nur nach unten, sondern schaue mich auch jeden Tag um. Inspiration kann sich überall verstecken; man muss es nur sehen können. Als ich durch die Straßen von Lissabon spazierte, fiel mir auf, dass sich unter Balkonen oft kleine V-förmige Löcher befinden. Ich vermute, dass sie als Wasserabläufe dienen. An einem der Gebäude in der Nähe der U-Bahn-Station Parque war die Form dieser Abflüsse besonders faszinierend, also machte ich ein Foto davon und verwendete es später als Hauptmotiv in einer Reihe von Gemälden. Die ursprüngliche Form war dieselbe, aber ich habe sie jedes Mal anders eingearbeitet, was dazu führte, dass jedes Gemälde einzigartig war und gleichzeitig den gleichen Charakter beibehielt.
Um nur einige andere reale Objekte zu nennen, die mich dazu inspiriert haben, bestimmte Kunstwerke zu malen – aufgeklappte Kartons, Buchstaben von Schildern oder andere Aufschriften auf Gebäuden, verlassene Möbel mitten auf dem Gehweg, Muster von Gehwegen, Gebäudestrukturen, Schatten auf der Straße , und so weiter.
Können Sie uns von besonderen Herausforderungen oder Belohnungen erzählen, die Sie auf Ihrer künstlerischen Reise erlebt haben? Gibt es Projekte oder Ausstellungen, die für Ihre künstlerische Entwicklung besonders bedeutsam waren?
Die Herausforderung besteht darin, das Publikum zu erreichen. Als Ausländer, der versucht, in einem anderen Land ein neues Leben aufzubauen, versuche ich, in die Welt der portugiesischen Kunst einzutauchen. Dieser Prozess ist zeitaufwändig und erfordert den Aufbau eines Netzwerks von Verbindungen. Seien wir ehrlich: Ohne Unterstützung ist es schwierig, erfolgreich zu sein. Nach und nach nehme ich jedoch an verschiedenen Veranstaltungen und Ausstellungen teil, lerne wunderbare neue Menschen kennen und entwickle mich so künstlerisch weiter.
Eine der bedeutenden jüngsten Veranstaltungen, an denen ich teilgenommen habe, fand im Mai in Warschau, Polen, im Auktionshaus Desa Unicum statt, wo ich neben renommierten Namen der zeitgenössischen polnischen und internationalen Kunstszene stand. Es handelte sich um eine thematische Ausstellung, die sich auf die Farbe des Jahres 2023 konzentrierte, nämlich Magenta. Die Ausstellung mit dem Titel „Viva Magenta“ zeigte Werke von Künstlern wie Wojciech Fangor, Victor Vasarely, Julian Stańczak, Piotr Uklański, Jan Dobkowski und Paweł Kowalewski. Während diese Namen den Kunstliebhabern auf der Iberischen Halbinsel vielleicht nicht so bekannt sind, genießen sie in Polen, meinem Heimatland, ein hohes Ansehen.
Die Teilnahme an dieser Ausstellung war für mich eine große Ehre und ein interessantes Erlebnis. Es war wirklich befriedigend, meine Malerei inmitten der Werke solch einflussreicher Künstler zu sehen und zu erkennen, dass mein künstlerischer Ausdruck gut in diesen Kontext passt.
Wie möchten Sie, dass die Betrachter mit Ihren Kunstwerken interagieren? Welche Emotionen, Ideen oder Reaktionen möchten Sie bei denen hervorrufen, die Ihre geometrischen Abstraktionen erleben?
Ich freue mich sehr, wenn der Betrachter vor meinen Bildern stehen bleibt, sie genau betrachtet, sich ihnen nähert und sich anschaut, wie sie gemalt wurden. Es bedeutet, dass etwas sie fasziniert und fasziniert hat. Ich gehe nicht von konkreten Reaktionen aus. Ich freue mich, wenn sie bemerken, was mir wichtig ist und was ich mit meinen Bildern zu vermitteln versuche, aber ich bin auch neugierig, was sie wahrnehmen, woran ich noch nicht gedacht habe. Ich glaube, dass es in der Kunst darum geht, Interpretationsfreiheit zu bieten. Jeder wird etwas anderes bemerken, unterschiedliche Assoziationen haben und aufgrund seiner eigenen Erfahrungen und Empfindlichkeiten unterschiedliche Emotionen erleben.
Das Wichtigste ist, den Betrachter zu faszinieren und zu ermutigen, auf seine eigene Art und Weise zu schauen und zu entdecken, um in diesen Kompositionen willkürliche Formen, Emotionen und Ideen zu finden.
Was sind Ihre Wünsche und Ziele als Künstler? Gibt es bestimmte Themen, Techniken oder Richtungen, die Sie in Ihren zukünftigen Arbeiten weiter erforschen möchten?
Die geometrische Abstraktion ist erst vor relativ kurzer Zeit, vor etwa zwei Jahren, zum Mittelpunkt meines Interesses geworden. Trotz ihres konkreten und recht ausgeprägten Stils sehe ich eine klare Entwicklung in meiner künstlerischen Arbeit. Ich möchte, dass diese Entwicklung natürlich und intuitiv weitergeht. Ich möchte nichts erzwingen oder die Dinge auf den Kopf stellen. Wenn die Abstraktionen irgendwann realistischere Formen annehmen und sich beispielsweise in Stillleben verwandeln, ist das sicherlich das Ergebnis eines natürlichen Prozesses. Ich sage nicht, dass ich anfangen werde, Stillleben im holländischen Stil zu malen, aber mit der Zeit wird sich alles weiterentwickeln.
Als Künstler an einem neuen Wohnort stoße ich auf neue Herausforderungen, die ich nach und nach meistere. Das erste davon ist, Menschen kennenzulernen. Die zweite Herausforderung bestand darin, ein Studio zu finden. Vor ein paar Monaten habe ich in dieser Phase den perfekten Raum für mich gefunden. Es ist das Atelier Artéria, ein gemeinsames Atelier mit anderen Künstlern, in dem ich arbeiten, mich weiterentwickeln und die portugiesische Kultur kennenlernen kann.
Derzeit besteht meine Herausforderung und mein Hauptziel darin, eine Einzelausstellung in Portugal zu organisieren. Es gibt hier viele Galerien und Ausstellungsräume, aber es ist nicht so einfach, sie zu erreichen.
Gibt es noch etwas, das Sie über Ihre Kunst, Ihren kreativen Prozess oder Ihre Philosophie mitteilen möchten, das wir im Interview bisher nicht besprochen haben?
Der Schwerpunkt meiner Malerei liegt auf der „Schichtung“ und dem Aufbau komplexer Strukturen aus einfachen Elementen. Dies geht über die wörtliche Technik des Malens hinaus. Es steckt noch etwas mehr dahinter. Es gibt ein Gemälde, aber auf der anderen Seite gibt es den Betrachter, der seine komplexe Welt aus seinen individuellen Erfahrungen, seiner Geschichte und seiner Sensibilität aufgebaut hat. Jeder von uns besteht aus solchen individuellen Erfahrungen und Begegnungen. Und jeder von uns ist auf seine Art einzigartig. Auch wenn wir uns in der gleichen Welt bewegen, sind wir dennoch unterschiedlich. Und darum geht es auch in meiner Kunst. Ich verwende Grundelemente, wie Module, und konstruiere daraus jedes Mal etwas anderes, Neues und Komplexes.