Kunst, Aktivismus und Ökologie: Kann Kunst die Welt verändern?

Die Zeit der Wandlungen
Das 20. Jahrhundert war geprägt von großen gesellschaftlichen, politischen, wirtschaftlichen Veränderungen und gleichzeitig in der Kunstwelt von der Erweiterung des Kunstbegriffs. Die russischen Avantgarden, die Fertiggerichte von Marcel Duchamp, die Collagen von Pablo Picasso und Georges Braque, neben anderen Kreationen, haben unsere Wahrnehmung eines Kunstwerks verändert.In den 1960er Jahren begannen Umwelt- und Ökologiebelange im Bereich der Kunst aufzutauchen, wobei Künstler in ihren Werken unser eigenes Überleben und die Auswirkungen menschlichen Handelns auf natürliche Ressourcen hinterfragten. In einer Zeit, in der Kunst als Teil eines geschlossenen Raums, von Museen und Galerien galt, begannen immer mehr Künstler draußen zu produzieren. Mit der Durchführung dieser Aktion erneuerten sie die Idee des Ausstellungsbegriffs, hinterfragten die Rahmung von Kunst und diese Trennung und erweiterten den Kunstbegriff. Kunst hört auf, eine Repräsentation zu sein, sie wird zu einem integralen Bestandteil des Lebens. Kunst selbst hat damit nicht die Funktion, das Leben zu erklären, sondern es zu verändern. Aber kann Kunst wirklich die Welt verändern?

Agnes Denes und Alberto Carneiro:Öko-Kunst?
Um die Harmonisierung und Reparatur mit der Natur zu verbessern, begannen in den 1960er Jahren viele Künstler, Werke zu produzieren, in denen die Natur selbst das Material war. Die Besorgnis der Künstler mit den Handlungen des Menschen in der Umwelt spiegelte sich im Bereich der Kunst durch Werke wider, die aus der Natur selbst außerhalb und in Galerien oder Museen hergestellt wurden.So sehen wir das Wachstum von Bewegungen wie der Land Kunst die Kunst und Natur verbinden, indem sie die Umwelt, Strände, Berge, Wüsten und ihre natürlichen Ressourcen wie Erde, Holz, Felsen, Salz, Blätter und andere Materialien als Ort und Material für Experimente nutzen .Agnes Denes, heute als Pionierin der ökologischen Kunst bekannt, wurde bekannt durch das monumentale öffentliche Kunstwerk „Wheatfield – A Confrontation“ (1982), ein Weizenfeld in New York, das den Missmanagement von Welthunger, Nahrung, Abfall, Energie kritisiert , Handel, Gewerbe, Landnutzung und Wirtschaft.Aufgrund der Raum- und Materialwahl sind diese Arbeiten ephemer und werden oft nur von Fotografien festgehalten. Künstler haben Museen verlassen, um ihre Produktion in der Natur zu erweitern, um die Kulturindustrie selbst, nämlich den Kunstmarkt, zu kritisieren, aber diese Werke werden derzeit von Museen verwaltet und konserviert, was den künstlerischen Zweck der Vergänglichkeit der Arbeit reduziert. Neben der Entwicklung von Land Kunstbegannen Begriffe wie Ökologie und Nachhaltigkeit im Leben der Bevölkerung an Bedeutung zu gewinnen.In Portugal gab es aufgrund des politischen Kontexts eine Verzögerung in Bezug auf die künstlerischen Praktiken in Europa und den Vereinigten Staaten von Amerika. Alberto Carneiro war einer der Künstler, die sich mit der Verwendung natürlicher Materialien im Bereich der Skulptur auseinandergesetzt haben. Dies wurde nicht verknüpft Land Kunst sondern der Erinnerung an eine ländliche Welt, die ihm nahe stand. So spiegeln sich die Anliegen der Künstler in ihrer Produktion wider, seien es ökologische Anliegen oder die schlichte Intention des künstlerischen Experimentierens in der Natur. 

Die ökologischen Stadterneuerungsprojekte von Joseph Beuys
In den 1970er Jahren begann Beuys mit der Durchführung verschiedener ökologischer Protestprojekte. Beispielsweise führte er 1971 den Protest „Parteidiktatur jetzt überwinden“, bei dem die Menschen den Waldboden fegen und weiße Kreuze und Kreise auf alle Bäume malen mussten, die gefällt werden sollten. 1972, während der Dokument V Er blieb hundert Tage, Tag und Nacht, und diskutierte und sprach mit den Besuchern.In den 1980er Jahren schuf er das Projekt „Spüfeld Altenwerder“, bei dem in den verseuchten Wohnungen von Altenwerder Büsche und Bäume gepflanzt wurden. 1982 für dieDokument VIIplante Beuys, 7000 Eichen im Stadtgebiet von Kassel zu pflanzen. Um die Bevölkerung zu ermutigen, stapelte er im Garten vor dem Museum Fridericianum 7000 Steine auf, während der Veranstaltung von Unterlagen. Jeder konnte den Baum zusammen mit einem Stein pflanzen (Jede Eiche war mit einem Basaltstein assoziiert.) Neben der visuellen Wirkung der Steine im Garten, die die Menschen letztendlich zum Handeln zwangen, hat Beuys bei der Gründung dieser Gemeinschaft sicherlich auch daran gedacht die Hilfe in Wachstum und Stabilität, die der Stein im Baum empfangen würde. Dieses Projekt "7000 Eichen” Die Fertigstellung dauerte fünf Jahre und war symbolisch die letzte vom Sohn des Künstlers gepflanzte Eiche. 1984 installierte er im Hamburger Stadtgebiet die Skulptur „Olivestones“, die für die Sanierung des Sees eintrat. Diese Projekte gelten noch heute als Gesten der stadtökologischen Erneuerung.

Ist Soziale Skulptur eine Form von Aktivismus?
In diesem von ästhetischen Diskursen und sozialkünstlerischen Praktiken geprägten Jahrzehnt ist anzumerken, dass Beuys' Theorie der Sozialen Skulptur und ihre Praktiken vollständig in den Kontext und in die deutsche Mentalität der 1960er Jahre eingebunden waren, und dieser Begriff entstand, um die Erweiterung zu erklären seines Denkens in Bezug auf die Kunst.Der deutsche Künstler erweiterte den Begriff der Skulptur und verwies darauf, dass er die Fähigkeit hat, seine Möglichkeiten zu erweitern, in mehreren Formaten konstituiert werden und sich in ständiger Veränderung befinden kann. Auf diese Weise kann Skulptur ebenso aus unsichtbaren Formen bestehen wie Denken und Dialog. Die Idee der Sozialen Skulptur ist die Verschmelzung dieses erweiterten Skulpturbegriffs für die Gesellschaft.

„Meine Objekte sind als Stimulanzien für die Transformation der Idee der Skulptur oder der Kunst im Allgemeinen zu sehen. Sie sollen zum Nachdenken darüber anregen, was Skulptur sein kann und wie das Konzept der Bildhauerei auf die unsichtbaren Materialien erweitert werden kann, die von allen verwendet werden: Thinking Forms – wie wir unsere Gedanken formen oder Spoken Forms – wie wir unsere Gedanken in Worte formen oder Social Sculpture wie wir die Welt, in der wir leben, formen und formen: Bildhauerei als evolutionärer Prozess; jeder ein Künstler.- Josef Beuys

Durch die Erweiterung des Skulpturenbegriffs wird folglich auch der Kunstbegriff erweitert. Für Joseph Beuys sind alle menschlichen Handlungen, die gedacht und strukturiert sind, schöpferische Handlungen. So gelten Gedanken oder Dialoge, die einen Evolutionsprozess in der Gesellschaft provozieren wollen, als Social Sculpture, als Integration von Kunst als Teil des Lebens. Der deutsche Künstler glaubte, dass die einzige Kraft, die die Menschheit und die soziale Ordnung verändern könne, die Kunst sei, die auf der menschlichen Kreativität basiere. Auf diese Weise sollte Kreativität die Tauschwährung für menschliche Beziehungen sein und nicht Kapital oder Profit. Basierend auf dem Konzept der Sozialen Skulptur verstand Beuys Kunst nicht als handlungsleitendes Objekt, sondern als Lösung gesellschaftlicher, nämlich ökologischer Probleme.Aus dieser Idee heraus gibt es derzeit noch Künstler, die Stücke produzieren, die zum Konzept der Sozialen Skulptur passen, da sie versuchen, eine Transformation in der Gesellschaft zu vermitteln oder zu provozieren. Wie setzen heutige Künstler das Denken von Joseph Beuys fort?

Kunstprojekte, die sich mit Aktivismus und Ökologie befassen
Auch der Künstler Rirkrit Tiravanija hat wie Beuys in seiner Praxis eine Verbindung zwischen Kunst und Leben hergestellt. Ende der 1990er Jahre schuf der Künstler „Das Land“, ein Umweltsanierungsprojekt in Sanpatong, Thailand. In diesem für die Gemeinschaft offenen Raum können die Menschen neben anderen Aktivitäten, die zu Experimenten und Debatten führen, kultivieren, nachhaltige Häuser bauen.
Es gibt andere Projekte, die die Community einbeziehen, um einen neuen Kontakt, eine neue Erfahrung herzustellen, wie zum Beispiel „Brodno 2000“. Im Februar 2000 musste sich der Künstler Pawel Althamer an die Bewohner des Wohnblocks in der Krasnobrodzka-Straße 13 in Warschau wenden, um ihm bei seiner Arbeit zu helfen. Etwa 200 Familien waren an diesem Projekt beteiligt, indem sie das Licht in bestimmten Fenstern ein- und ausschalteten, um eine halbe Stunde lang die Zahl „2000“ an der Fassade des Gebäudes zu bilden. Bei Dokument XI 2002 baute Thomas Hirschhorn „Bataille-Denkmal“, eine Hommage-Installation an den Philosophen George Bataille, befindet sich in Friedrich-Wöhler Siedlung, in einem sozialwirtschaftlichen Vorort von Kassel. Es bestand aus einer Bibliothek, einer Ausstellung, einer Cafeteria, einer Skulptur und einem Fernsehstudio, in dem Seminare und Konferenzen abgehalten wurden. Der Künstler baute einen neuen alternativen Raum, in dem gemeinsame Aktivitäten von der ansässigen Gemeinschaft und den Besuchern der Ausstellung durchgeführt wurden.

Bordalo II
Der portugiesische Künstler Artur Bordalo, bekannt als Bordalo II, wurde berühmt dafür, Straßenmüll zu verwenden, um atemberaubende Tierskulpturen zu schaffen, mit dem Ziel, die Menschen auf Umweltverschmutzung und alle Arten von Arten aufmerksam zu machen, die gefährdet sind. Aus der Street Art entwickelte er seine Praxis und entwickelte sich zu dem, was heute als "Trash Art" gilt. Seit 2012 hat Artur Bordalo rund zweihundert Tierskulpturen aus über 60 Tonnen recycelten Materialien geschaffen. Die ehemals zurückgelassenen Gegenstände – die Platten, die Reifen, die Türen – in den Händen von Bordalo II in Form von Tieren eine ästhetische und kommunikative Funktion erlangen. Der portugiesische Künstler möchte in seinen Werken ein Bild der Natur darstellen, basierend auf dem, was sie zerstört – Müll, Abfall und Umweltverschmutzung – und damit eine klare Konsumkritik zum Ausdruck bringen und eine nachhaltige Lösung anbieten. Seine „Big Trash Animals“-Installationen, die an verschiedenen Orten auf der ganzen Welt – öffentlich oder museal – verteilt sind, schreien nach der Notwendigkeit sozial-ökologischer Nachhaltigkeit. Auf den Straßen seiner Heimatstadt interagieren eine Reihe von Arbeiten, „Provocative“ und „Train Tracks“, mit urbanem Gefüge und Möbeln und präsentieren einen neuen kritischen Blick auf die Gesellschaft, ihre Interessengruppen und Zwänge. Diese kleinen ephemeren Interventionen zielen darauf ab, ein Vehikel der Kommunikation und des Bewusstseins durch die Kunst zu sein, und sprechen so verschiedene Themen an, wie unter anderem Umweltverschmutzung, Ausbeutung von Frauen, mediale Sensationsgier, Konnektivität und Kontrolle.

Bildnachweis Barbara Picci

Pedro Reyes
Kürzlich, im Jahr 2007, organisierte der Künstler Pedro Reyes in der Stadt Culiancán in Mexiko eine Kampagne, bei der Bürger freiwillig ihre Waffen gegen Gutscheine spenden konnten. Diese könnten in örtlichen Geschäften gegen Geräte und andere elektronische Gegenstände eingetauscht werden. Diese Kampagne fand in einer Stadt mit einer hohen Todesrate durch Schusswaffen statt. 1527 Waffen wurden gesammelt, davon waren 40 % Hochleistungs-Automatikwaffen für militärische Zwecke. Diese wurden in ein Militärgebiet transportiert, um öffentlich von einem Kompressor zerkleinert zu werden. Nach diesem Akt wurden die Stücke in 1527-Schaufeln umgewandelt, die von verschiedenen Kunstinstitutionen und Schulen verteilt wurden, damit diese Schaufeln beim Pflanzen von 1527-Bäumen helfen würden.

Welches Potenzial hat Kunst?
All diese Arbeiten sind herausfordernd und provozieren Spannungen zwischen Zuschauern, Teilnehmern und den Räumen, in denen sie stattfinden. Verstehen Sie anhand dieser Projekte das Potenzial der Kunst, die Welt zu erziehen und zu verändern! Indem sie eine kontemplative Konfrontation herstellen, schaffen sie Debatten über die sozialen, strukturellen und politischen Probleme der beteiligten Räume. Diese Künstler ignorieren die Trennung zwischen Kunst und Leben und leisten ihren künstlerischen Beitrag, um das Gemeinschaftsumfeld aufzubauen oder zu verbessern. Durch alltägliche Aktivitäten binden diese Künstler die Gemeinschaft ein, schaffen Strukturen und führen Kooperationen durch, damit es zu einem gesellschaftlichen Wandel kommt.
Doch was ist das wahre Potenzial der Kunst in Bezug auf ihre mögliche Transformation in der Gesellschaft?

Kann Kunst die Welt verändern?
Durch die Analyse der genannten Arbeiten wurde erkannt, dass Kunst selbst die Welt nicht direkt verändern kann, sondern Fragen darüber aufwirft. Kunst kann unsere Vision verändern und den Betrachter dazu bringen, sich selbst über verschiedene Themen zu hinterfragen, die politischer, wirtschaftlicher oder ökologischer Natur sein können. Kunst hat die Macht zu informieren, zu klären oder zu hinterfragen und dies kann zur Transformation führen.
Glauben Künstler derzeit, dass sie durch ihr künstlerisches Handeln die Welt verändern? Joseph Beuys glaubte, dass Kunst die Welt heilen könne. Im Gegensatz zu dieser Vorstellung denken Künstler heute meist nicht, dass ihre Kunstwerke unmittelbar die Welt verändern. Sie teilen die Vision, dass Kunst Fragen aufwerfen kann und dass diese zu gesellschaftlichen Veränderungen führen können. Das Konzept der Sozialen Skulptur bleibt im Kontext sozialer Transformation bestehen, basierend auf der Schaffung von Gemeinschaftsstrukturen, die soziale, ökologische, politische oder wirtschaftliche Schwierigkeiten und Probleme konfrontieren und diskutieren.