Der minimalistische Künstler Frank Stella ist verstorben

Der Künstler Frank Stella, der den Kurs der Avantgarde-Kunst in den 1950er und 1960er Jahren mit spärlichen, konturlosen, aber unauslöschlichen abstrakten Gemälden neu definierte und dabei half, den Stil einzuführen, der später als Minimalismus bekannt wurde, ist am Samstag im Alter von 87 Jahren gestorben.

Ende 1958, im Alter von 22 Jahren, begann Stella, mit einem Malerpinsel mattschwarze Farbe in einfachen Konfigurationen auf Leinwände aufzutragen, eine gerade, parallele Linie nach der anderen, wobei nur ein schwacher weißer Raum dazwischen blieb. Wie die Gemälde mit der amerikanischen Flagge von Jasper Johns, die Stella gesehen hatte, schienen seine „Schwarzen Gemälde“ die großen Gesten der herrschenden Abstrakten Expressionisten auszuschließen. „Was man sieht, ist, was man sieht“, sagte er 1964 in einem Interview zusammen mit seinen Künstlerkollegen Donald Judd und Dan Flavin über seine Arbeit. Die „Black Paintings“ enthalten komplizierte Widersprüche. Ihr Aufbau ist zwar deutlich zu erkennen, doch sie haben auch eine rauchige und bedrohliche, ja sogar tödliche Wirkung. Stella gab ihnen Titel wie „Die Fahne hoch!“ („Raise the Flag“, die Hymne der NSDAP) und „Arundel Castle, das englische Wahrzeichen aus dem 11. Jahrhundert.“ Sie wurden Ende 1959 in der legendären Gruppenausstellung „16 Americans“ im Museum of Modern Art in New York gezeigt, an der auch Johns, Louise Nevelson, Ellsworth Kelly und andere bedeutende Künstler teilnahmen.

Stella würde bald zu einer der berühmtesten Persönlichkeiten ihrer Zeit werden. Das Museum of Modern Art veranstaltete 1970 eine Retrospektive seiner Arbeiten und 1987 eine weitere. Das Whitney Museum veranstaltete dasselbe im Jahr 2015. 1964, noch 30 Jahre alt, gehörte er zu den Künstlern, die die Vereinigten Staaten auf der Biennale in Venedig vertraten. Die Liste seiner Einzelausstellungen in seinem offiziellen Lebenslauf ist mehr als sieben Seiten lang. Im Jahr 2009 verlieh ihm Präsident Barack Obama die National Medal of Arts und lobte „seine anspruchsvollen visuellen Experimente – oft über die Grenzen zwischen Malerei, Druckgrafik und Skulptur hinaus“.

Während ihrer mehr als 65-jährigen Karriere war Stella scheinbar unermüdlich, immer auf der Suche nach neuer visueller Pracht und brachte mit ihren vielfältigen Bemühungen einige Teile der Kunstwelt in Aufruhr, während sie gleichzeitig ihre bisherige Zurückhaltung hinter sich ließ. Als er 1960 im Alter von 24 Jahren am Pratt Institute in Brooklyn sprach, erklärte er, was seine Lebensaufgabe werden sollte. „Beim Malen gibt es zwei Probleme“, sagte er. „Das eine besteht darin, herauszufinden, was Malerei ist, und das andere darin, herauszufinden, wie man ein Gemälde anfertigt.“

Frank Philip Stella wurde am 12. Mai 1936 in Malden, Massachusetts, geboren. Im Alter von 14 Jahren begann er, seine eigenen Gemälde zu malen. Nach der High School an der renommierten Phillips Academy in Andover, Massachusetts, wo der minimalistische Bildhauer Carl Andre ein Klassenkamerad war, schrieb sich Stella an der Princeton University ein und studierte Geschichte und gleichzeitig Malerei. Zu seinen Lehrern gehörten der Kunsthistoriker William Seitz und der Maler Stephen Greene. Nach seinem Abschluss im Jahr 1958 zog er nach New York und ließ sich in der Lower East Side nieder.

Stellas erste Serie scheint sich stetig zu entfalten, eine nach der anderen, mit einer vorher festgelegten Logik und unausgesprochenen Regeln, wodurch flache, symmetrische und sich wiederholende Gemälde entstehen. Aus den „Schwarzen Gemälden“ entstanden „Kupfer“- und „Aluminium“-Gemälde, einige davon auf ungewöhnlich geformten Leinwänden. Als nächstes kamen die konzentrischen Quadrate in einer Vielzahl von Farben und großen Arbeiten aus „Protractor“ (1967–71) mit geschwungenen Kanten, ineinander verschlungenen Linien und Neontönen.
Diese Werke sind völlig extrovertiert und selbstbewusst, aber dennoch kontrolliert – alle mit klaren Linien und scharfen Kanten.
In den frühen 1970er-Jahren wendet sich Stella immer ungewöhnlicheren Formen und Farbpaletten zu, etwa der Serie „Polish Village“, deren Reliefelemente in den Raum ragen. Sie wurden von Fotos inspiriert, die er von Holzsynagogen sah, die von den Nazis zerstört wurden. „Die Schreinerei in der Synagoge ist auf formaler Ebene unglaublich anspruchsvoll“, sagte er 2016 gegenüber Artforum. „Die Verbindung – die komplexe geometrische Verbindung jedes Teils des Gebäudes, die auf den Fotos sichtbar ist – hat mich wirklich angezogen.“
Und dann, Mitte der 1970er Jahre, verabschiedete sich Stella von ihren rationalen Strukturen und stürzte sich entschieden in neue, eigenwillige Ansätze. Wirbel, Netze und bunte Kringel ersetzen feste Flächen; Elemente beginnen in alle Richtungen aus den Bildschirmen herauszuragen. An der Wand hängende Werke entwickelten sich zu fantastischen Skulpturen.

Konzeptuelle Methoden waren damals in Mode und einflussreiche Akademiker erklärten das Ende der Malerei. Stellas Unorthodoxie machte sie wütend. Douglas Crimp schrieb 1981 in der Zeitschrift „October“, dass „die Gemälde des Künstlers aus den späten 1970er Jahren in ihrer Herausforderung an schwarze Gemälde wirklich hysterisch sind; jeder scheint einen Wutanfall zu bekommen, schreit und spuckt, dass das Ende des Gemäldes noch nicht gekommen sei.“

Herrlich exzentrische Stellas füllen jetzt die Lobbys von Firmenbürogebäuden (einige der wenigen Orte, an denen seine größten Werke untergebracht werden können), wie zum Beispiel 599 Lexington Avenue und die kürzlich eröffneten 50 Hudson Yards in Manhattan. Freistehende Skulpturen, teilweise mit Hilfe von Computertechnologie hergestellt, Punktskulpturengärten und öffentliche Plätze, darunter der vor dem 7 World Trade Center.

Stella wurde von Interviewern oft nach negativen Meinungen zu seiner späteren Arbeit gefragt, aber er antwortete im Allgemeinen immer gleich. Als ich ihn 2015 in seinem Skulpturenatelier im Bundesstaat New York besuchte, ignorierte er diese Kritik und war sogar seiner bevorstehenden Whitney-Forschung gleichgültig. „Ich arbeite und stelle die ganze Zeit aus – genau wie die meisten Künstler“, sagte er und rauchte eine kubanische Zigarre (eine Leidenschaft, die er vom Kritiker Clement Greenberg gelernt hatte).

Bis zum 14. Mai wird bei Jeffrey Deitch in New York eine Ausstellung von Stellas riesigen neuen Werken zu sehen sein – wilde, frei geformte Glasfaserformen in einer explosiven Farbpalette, die sorgfältig auf Rollständern platziert sind.
In einem Interview mit „Bomb“ im Jahr 2000 fragte Saul Ostrow Stella nach dem Wunsch, den so viele Menschen im Laufe der Jahre geäußert haben, dass er zu seiner minimalistischen, vorhersehbaren Sprache zurückkehren möchte. „Die ganze Idee der Kunst besteht darin, offen zu sein“, antwortete der Künstler, „großzügig zu sein, den Betrachter und sich selbst in sich aufzunehmen, ihn daran teilhaben zu lassen.“

Quelle: Artnet News