5 Künstler, denen Sie folgen können, wenn Sie den Künstler mögen José de Guimarães

Bekannt unter dem Namen der Stadt, in der er geboren wurde, José de Guimarães (1939) ist eine Persönlichkeit der portugiesischen Kunst, die verschiedene Bereiche von der bildenden Kunst über Geologie, Ingenieurwesen bis hin zur Archäologie erforschte. Reisen nach Afrika, Asien und Südamerika prägten seine Karriere, indem sie eine ästhetische Sprache anregten und entwickelten. Ende der 1970er-Jahre baute er ein Alphabet auf der Grundlage der Formen und Symbole der afrikanischen Kultur und führte dieses in seine Werke ein. In den 1980er Jahren begann er, die Grenzen zwischen Malerei und Skulptur zu erkunden, mit Stücken, die aus unkonventionellen Materialien hergestellt wurden - Fiberglas und Papier, die speziell vom Künstler selbst hergestellt wurden. Mit kräftigen und fröhlichen Farben zeichnen sich seine Arbeiten durch die Themenkreuzung zwischen Tier und Mensch, Mineral und Pflanze aus. Der portugiesische Künstler sammelte jahrzehntelang afrikanische, präkolumbianische und altchinesische Kunst, die derzeit im CIAJG – Centro Internacional de Artes ausgestellt ist José de Guimarães. Treffen Sie hier fünf Künstler mit ähnlichen Werken wie José de Guimarães.

Álvaro Lapa
Aktiver Teilnehmer an der künstlerischen Zeitgenossenschaft eines wichtigen Teils der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts in Portugal, Álvaro Lapa Er behauptete sich auf einzigartige Weise durch seine Zeichnungen, Studien, Malerei, die von einer eleganten Figuration geleitet wurden, in einem Universum voller Bilder und Worte. Die Arbeiten mit lebendigen Farben, dichten Schwarz- und pastösen Weißtönen und außergewöhnlichen Figuren, die den Werken von ähneln José de Guimarães. Álvaro Lapa geboren 1939 in Évora. Abschluss in Philosophie an der Philosophischen Fakultät der Universität Lissabon. Seine Jugend war geprägt von Kontakten mit dem Maler António Charrua und dem Schriftsteller Virgílio Ferreira in Évora, die sein Interesse für Kunst und Literatur weckten. 1956 ließ er sich in Lissabon nieder. Er studierte Jura und später Philosophie, sein Studium schloss er 1975 ab 1961 reiste er nach Paris, wo er mit surrealistischen Malern und nordamerikanischen Kunstströmungen in Kontakt kam und nach seiner Rückkehr zu malen begann , ermutigt von António Areal, Werke mit einer stark abstraktionistischen und informellen Berufung zu konzipieren. 1964 stellt er erstmals einzeln aus und zieht im folgenden Jahr nach Lagos. Während dieser Zeit erforschte er die Verwendung von „nicht edlen“ Materialien und begann, seine Arbeit in narrative Serien zu strukturieren, in die er eine begrenzte Anzahl von Symbolen und Formen integriert und auch das geschriebene Wort als Element der plastischen Komposition einfügt. Er trat 1976 als Professor für theoretische Fächer in die Porto Superior School of Fine Arts ein und ließ sich in dieser Stadt nieder. In den 1980er Jahren lernte er José-Augusto França kennen, der ihn bei seiner Doktorarbeit über den Surrealismus in Portugal begleitete. Parallel zur Kunststoffproduktion widmete sich Lapa kontinuierlich dem Schreiben und war Autor zahlreicher Publikationen. ) und des EDP Grand Prix (2004). Er starb am 11. Februar 2006 in Porto.

Demit Omphroy
Demit Omphroy studierte Kunst an der University of California, Berkeley. Einige Jahre war er Fußballprofi, verfolgte aber später eine neue Karriere in der Fotografie und im Kino. Die Malerei war in den verschiedenen Lebensabschnitten, sowohl in seiner persönlichen als auch in seiner beruflichen Entwicklung, immer eine beständige Leidenschaft. Thematisch konzentrieren sich alle ihre Stücke darauf, ihr inneres Kind zu kanalisieren, wodurch ihr künstlerischer Ausdruck stark von vereinfachten Linien und Primärfarben beeinflusst wird. Die von ihm normalerweise verwendeten Farben werden nicht verändert, wodurch er sich auf bestimmte Töne konzentriert. Von den außergewöhnlichen Figuren bis hin zur starken Verwendung leuchtender Farben können wir die Erfahrungen des Künstlers nachvollziehen, von Momenten der Liebe oder des Schmerzes. Wie in den Gemälden von José de Guimarães, wird durch die Pigmente und Bewegungen eine Geschichte voller Emotionen erzählt.

Stuart Davis
Stuart Davis (1892-1964) ist eine der herausragenden Persönlichkeiten der amerikanischen Moderne mit einer langen Karriere, die vom frühen 20. Jahrhundert bis in die Nachkriegszeit reicht. Stuart Davis stand zu Beginn seiner Karriere vor der Wahl zwischen Realismus und reiner Abstraktion und erfand ein Vokabular, das die Grammatik der Abstraktion mit der Geschwindigkeit und Gleichzeitigkeit des modernen Amerikas verband. Indem er den kühnen Werbestil mit den Konventionen der europäischen Avantgarde-Malerei verschmolz, schuf er eine Kunst voller Lebendigkeit und dynamischer Rhythmen. Dabei gelang ihm eine seltene Synthese: eine abstrakte Kunst, die gleichzeitig den Geist der Populärkultur verströmt. Gleichzeitig, José de Guimarães brachte reale Figuren in ein eigenes Universum, in dem es verschiedene Kulturen aus Portugal, Afrika und Asien hervorhob. Die starken Pigmente, die Figuration und die abstrakten Elemente stellen ähnliche Rhythmen zwischen den beiden Künstlern her.

Ottmar Alt
Otmar Alt ist ein deutscher Künstler, der für seine Skulpturen und farbenfrohen Gemälde bekannt ist, die Tiere und Menschen darstellen. Diese Wahl ähnelt der Arbeit des portugiesischen Künstlers José de Guimarães die auch nacheinander Tiere und Menschen mit starken Pigmenten porträtiert. Geboren am 17. Juli 1940 in Wernigerode, Deutschland, studierte er an der Hochschule der Künste Berlin bei dem Bildhauer Karl Hartung. Später arbeitete er als Bühnenbildner, eine Karriere, die seine Entwicklung als Künstler, der dreidimensionale Objekte malt, prägte. Seine Stücke zeigen die Einflüsse von Künstlern wie z Joan Miró Es ist Paul Klee, sowohl in seinem Interesse für Kinderkunst als auch in seinem malerischen Humor.

Ammar Alobaidi
Ammar Alobaidi hat eine abstrakte Sprache voller leuchtender Farben, rhythmischer Muster, Grafiken, Schwarz und Weiß auf der anderen Seite. Textur wird durch karierte Bereiche, Punkte oder Wellenlinien angedeutet, während Kompositionen mit sorgfältiger Präzision konstruiert werden. Die menschliche Figur wird oft vorgeschlagen, aber jeder Charakter ist in harmonischer Kontinuität miteinander verbunden, da eine Form die andere auf eine Weise überlappt, die an erinnert José de Guimarães, Picasso oder Matisse.
Die visuellen Bande zwischen Männern und Frauen sind eine visuelle Allegorie für die Wiedervereinigung der Gesellschaft. Angesichts einer Welt, die von Kriegen und dem, was der Künstler „Horror“ nennt, entstellt ist, der die Menschen zu ihren niedrigsten Instinkten der individuellen und kollektiven Zerstörung führt, offenbart Alobaidi die Stärke der Liebe, Solidarität und den Austausch von Großzügigkeit, die spontan stattfinden können.