5 Kunstausstellungen, die Sie im Juni 2022 besuchen sollten

Was kann man im Juni besuchen?
Was gibt es Neues in der Partywelt im Juni? Möchten Sie wissen, welche Ausstellungen in diesem Monat stattfinden? Neuheiten in der künstlerischen Welt vervielfachen sich derart, dass, wie wir erkennen, Ereignisse bereits geschehen sind. Einen neuen Ort zu entdecken, den man besuchen kann, scheint einfach, kann aber zu einer komplizierten Aufgabe werden. Damit Sie den Frühling optimal genießen können, hat P55 eine Liste mit fünf Kunstausstellungen zusammengestellt, die im Juni stattgefunden haben. Hast du schon Pläne für nächsten Monat? Werfen Sie einen Blick auf diesen Leitfaden und entdecken Sie den perfekten Vorschlag für Sie.
(Die vorhandenen kuratorischen Texte werden in den Galerien/Museen veröffentlicht)

Lehmann + Silva
DANIEL LERGON
28.05.2022 - 16.07.2022
CLEARING
Angetrieben von seiner Neugier auf wissenschaftliche Rätsel experimentiert Daniel Lergon mit Lichteffekten und chemischen Reaktionen. Obwohl er sich selbst als Maler bezeichnet, verwendet er selten Farbe. In frühen Arbeiten wie Cold Fire (2008) trug er transparenten Lack auf Hightech-Stoffe auf und erkundete Optik und Wahrnehmung, während er in Lapetus (2010) retroreflektierende Materialien verwendete, um den Kontrast zwischen Hell und Dunkel hervorzuheben. In neueren Arbeiten kombinierte er elementare Metalle wie Kupferpulver, Zink und oxidiertes Eisen mit Wasser, um vergängliche Muster zu bilden. Lergon glaubt an eine phänomenologische Herangehensweise an die Erfahrung eines Kunstwerks und behauptet, dass der Raum eines Gemäldes als „eigener Raum“ fungiert, in dem man eine persönliche Reaktion auf physische Materie hat.

Berardo-Museum
Julião Sarmento. Abstrakt, weiß, giftig und flüchtig
Temporäre Ausstellung 05.12.2022 - 01.01.2023
Die Ausstellung Abstract, White, Toxic and Volatile, Titel einer Arbeit von 1997, ist die erste große Ausstellung nach dem Tod von Julião Sarmento, die eine sehr bedeutende Reihe von Werken zusammenbringt, die seine Karriere geprägt haben und deren Auswahl das Ergebnis einer engen Zusammenarbeit zwischen dem Künstler und der Kuratorin der Ausstellung, Catherine David, war.
Es war ein Projekt, für das der Künstler gekämpft und für das er sich in außerordentlicher Weise engagiert hat. Das Layout dieser Ausstellung und die Anordnung der Werke in den Räumen wurden zwei Monate vor seinem Tod abgeschlossen. Für Julião war die Installation seiner Werke im Raum ein integraler Bestandteil der von ihm ausgestellten Werke, da er die Beziehung zwischen dem Werk, dem es umgebenden Raum und dem Betrachter als von größter Bedeutung ansah. Abstract, White, Toxic and Volatile ist eine Ausstellung, in der Julião sehr präsent ist und in der wir nicht nur die Sinnlichkeit seiner Texturen und die Komplexität seiner Kompositionen spüren, sondern auch seine rätselhaften, zarten und perversen Bilder in einem enormen Ausmaß entdecken können plastische und theoretische Raffinesse, seine Arbeiten stellen keine Schlussfolgerungen, Thesen oder Hypothesen dar. Sie stellen keine Fragen und geben keine Antworten; vielmehr schlagen sie vor, dass wir ihr Spiel zwischen Verstellung und Offenbarung spielen und unsere Geschichten aufbauen.
 Julião Sarmento wurde am 4. Mai 1948 in Lissabon geboren. Er besuchte zwischen 1967 und 1974 die Kurse für Architektur und Malerei an der ESBAL. Er war einer der portugiesischen Künstler mit einer solider etablierten internationalen Karriere, nachdem er einen künstlerischen Weg von enormer Kohärenz, Reichtum und Vielfalt aufgebaut hatte Intensität .
In ständiger Erneuerung und in enger Verbindung mit den künstlerischen Praktiken seiner Zeit, vom Post-Pop bis zur Gegenwart, bediente er sich verschiedenster Medien und Techniken, wie Fotografie, Malerei, Collage, Zeichnung, Skulptur, Performance und Film , um ein prägnantes Vokabular mehrdeutiger Bilder einzusetzen. Der Künstler wurde stark von der angelsächsischen Kultur und von den Themen und Bildern der Literatur und des Kinos beeinflusst, die in seinen Werken durch Zitate und Montagen sehr präsent sind. Ihre Arbeit hat eine performative und theatralische Dimension, angesammelt durch die ständige Beschwörung zeitloser Themen und Repräsentationen – wie Frauen, Sexualität, Transgression, Erinnerung, Dualität, das Haus, das Wort – die als strukturierende Achsen ihrer Arbeit fungieren. Seine Karriere begann in den siebziger Jahren, genauer gesagt im Jahr 1974, als er begann, die Fotografie nicht als Mittel der Repräsentation zu nutzen, sondern um Situationen festzuhalten, aufzuzählen und zu inszenieren, wobei er sich auf Details konzentrierte.
Seine Bilder konfrontieren Fragmente, Bilder von Glamour und Gewalt mit dem Wort, das als Mittel zur Erforschung der Ambivalenz der Dinge, als Bedeutungsspiel zwischen Offensichtlichem und Verborgenem erscheint. Diese fragmentarische Dimension, die Julião Sarmento während seiner gesamten Karriere in seinen Werken erforscht, in den achtziger und neunziger Jahren zunehmend vereinfacht und verfeinert, als seine Malerei zurückhaltender, minimalistischer wurde.
Das war in den achtziger Jahren Julião Sarmento als Maler bekannt wird, mit der sogenannten «Rückkehr zur Malerei» in Verbindung gebracht wird und mit der Teilnahme an der Kasseler documenta 1982 und 1987 seine internationale Reise beginnt und in dem die weibliche Figur mit enormer Zurückhaltung und Subtilität dargestellt wird, fällt mit der vollen nationalen Anerkennung zusammen, als er 1997 Portugal auf der 46. Biennale von Venedig vertrat. Ebenso wichtig war seine Zusammenarbeit mit Atom Egoyan auf der 48. Biennale von Venedig im Jahr 2001 , und mit John Baldessari und Lawrence Weiner, in einem Film aus dem Jahr 2004. alexander Melo, Nancy Spector, Delfim Sardo, Hubertus Gabner, James Lingwood, Adrian Searle, Louise Neri, unter anderen, die interessiert waren und über seine Werke schrieben. — Rita Lougares, künstlerische Leiterin

São Mamede
14. Mai – 30. Juni 2022
EIN ANDERER ORT II von Fernando Gaspar
die Malerei von Fernando Gaspar ist verbunden mit einer gestischen Abstraktion mit einer Retenue, die eine Annäherung zwischen Pierre Soulages und dem tiefen Schwarz von Hans Hartung bedeutet, Arbeitsprozesse, in denen sich die Erfahrung des Malers dem Staffeleimaler, der École de Paris und später der Rapard-Bewegung - Surface - annähert. Fernando Gaspar In seiner Arbeit geht es ihm nicht darum, Parallelen zur visuellen Realität herzustellen, er durchschaut seine Synthese, seine Linie ist in einer Abstraktion angesiedelt, wo die Rolle des Bildes in seiner eigenen visuellen Tiefe angesprochen wird. Wo diese Hintergründe wie Wolken aus einer Welt aussehen, in der die Malerei selbst in Leere lebt, das ist das Geheimnis! Mit einer auf eine Linie projizierten Farbgebung, die uns zu einem wartenden Kompass zwischen der Komposition und der Tiefe des Bildes führt, die sich im Bild des Gemäldes selbst widerspiegelt, verdeutlicht all dies, dass die Abstraktion auf die Leinwand projiziert wird, aber er ist es, der beobachtet und definiert, was undefinierbar ist. Wenn wir bedenken, dass es immer schwierig ist, Malerei mit Worten zu definieren, verstehen wir, dass die Malerei von Fernando Gaspar er wählt einen einsamen, stillen Weg, projiziert in ein Abenteuer, sich zwischen Malerei und Dialog beziehend, den die Malerei selbst verinnerlicht. Die Farbe erscheint nicht als dekorative Note, sondern auf der Reise, wo sie fast monochrom projiziert wird, innerhalb einer Erfahrung monochromatischer Farbe selbst, der Ton, die Töne, die er in jedem Gemälde verwendet, lassen die geschaffene Komposition ein Werk der Dualität widerspiegeln, in dem Stärke herrscht eine duale Gestik zwischen Linie und Leinwand. Es ist interessant festzustellen, dass die Absicht dieses Künstlers immer dieselbe zu sein scheint, eine andere Position zu markieren, in einem Minimalismus, der in Serien variiert, wo das Identische projiziert wird, immer anders ist, konzentriert sich die einsame Beharrlichkeit dieses Malers auf eine tiefe Aufmerksamkeit Verstehe, wo die Subtilität liegt: Unterschied des Gleichen ist anders. Ich möchte nicht verschweigen, dass seine Malerei etwas ist, das in seiner Tiefe unendliche Spuren hinterlässt. Fernando Gaspar es ist angesiedelt zwischen den abstrakten und kontemplativen Gesten der Wolke, die in der Textur der Leinwand erscheint, und der Distanz auf ihrer Reise. Diese Kohärenz zwischen der Tiefe des Dialogs, den er herstellt, zwischen dem Handwerk, das die Form der Malerei annimmt. Ich gebe diesem Mysterium des Konkreten des Visuellen absoluten Spielraum, wo er die Technik der Kohleasche beherrscht, derzeit zur Skulptur übergeht, die in Maltafeln endet und bleibt, Malerei, die ihn zu uns in die Gründung der Kultur und hinein bewegt der Unterschied dessen, was es erzeugt. Um die Erinnerung darzustellen, Erinnerungen an die Zeit, Zeit, die der Malerei des Künstlers gewidmet ist, der seine innere plastische Vision vermittelt. — João Moniz, Kurator

Olivenkunstzentrum
Zwischen Worten und Schweigen – Werke aus der Sammlung Norlinda und José Lima
18. März – 30. Dezember 2022
Kuratorin: Luísa Soares de Oliveira
Neben Gemälden, Zeichnungen, Fotografien, Skulpturen und Installationen, die von einigen der bekanntesten zeitgenössischen portugiesischen und ausländischen Künstlern geschaffen wurden, hebt diese Ausstellung die Vielfalt der Sammlung Norlinda und José Lima in stilistischer, zeitlicher und geografischer Hinsicht hervor. Die ausgewählten Arbeiten kontextualisieren den Dualismus von Diskurs und Schweigen in der zeitgenössischen Kunst. Laut Kuratorin Luísa Soares Oliveira wird „jeder von uns zwischen den Werken, die an die Erzählung appellieren, und denen, die Stille zu fordern scheinen, einen persönlichen Weg gehen, im Voraus wissend, dass er auch die Erinnerungen und Erfahrungen umfasst, die wir mitbringen. Die Ausstellung lädt das Publikum ein, die Reden, das Schweigen und die Verbindungen, die sich angesichts der Werke ergeben, selbst zu etablieren, indem es ihm seine Instrumente zum Verständnis des künstlerischen Ausdrucks an die Hand gibt, und auf die Ausübung dieser Freiheit möchte diese Ausstellung antworten“.
Die Sammlung Norlinda und José Lima ist eine der größten privaten Kunstsammlungen des Landes: Sie umfasst etwa 1.200 Kunstwerke, die etwa 250 portugiesische Künstler und 230 internationale Künstler repräsentieren. Sie begann 1980 und umfasst einen Zeitraum von fast hundert Jahren, zwischen 1926 und 2020, mit einer stärkeren Konzentration auf das künstlerische Schaffen der letzten vierzig Jahre. Die Sammlung, die seit 2008 in der Gemeinde S. João da Madeira aufbewahrt wird, ist der Öffentlichkeit durch ein regelmäßiges Ausstellungsprogramm im Centro de Arte Oliva zugänglich.
Künstler: Adriana Varejão, Álvaro Lapa, Ana Hatherly, Ana Jotta, Ana Luísa Ribeiro, Ana Vieira, André Cepeda, Andres Serrano, Andy Warhol, Ângela Ferreira, Ângelo de Sousa, Anish Kapoor, António Dacosta, António Olaio, António Palolo, Arlindo Silva, Árpád Szenes, Bernard Rancillac, Carlos Correia, Cindy Sherman, Cristina Iglesias, Damien Hirst, Daniel Melim, Diogo Pimentão, Domingos Pinho, Eduardo Arroyo, Eduardo Batarda, Eduardo Chillida, Erró (Guðmundur Guðmundsson), Fátima Mendonça, Fernando Calhau, Fernando Lanhas, Francisco Tropa, Franz West, Gaëtan, Goncalo Pena, Graça Morais, Helena Almeida, Henri Michaux, Jacques Monory, João Galrão, João Hogan, John Jacinto, João Louro, João Maria Gusmão + Pedro Paiva, João Onofre, João Pedro Vale + Nuno Alexandre Ferreira, João Vieira, Joaquim Bravo, Joaquim Rodrigo, Jorge Queiroz, José de Guimarães, José Loureiro, José Pedro Croft, Julia Ventura, Julião Sarmento, Júlio Pomar, Leda Catunda, Lourdes Castro, Luisa Correia Pereira, Maria Capelo, Maria Condado, Maria Helena Vieira da Silva, Mariana Gomes Mário Cesariny, Mauro Cerqueira, Michael Biberstein, Michelangelo Pistoletto, Paradiesische Muse, Nan Goldin, Nikias Skapinakis, Noronha da Costa, Nuno Siqueira, Paula Rego, Pedro Cabrita Reis, Pedro Calapez, Pires Vieira, Robert Combas, Robert Rauschenberg, Rui Chafes, Sandra Baía, Sara Bichão, Sérgio Fernandes, Sol Lewitt, Susanne SD Themlitz, Tiago Baptista, Valerio Adami, Victor Vasarely.

Internationales Kunstzentrum José de Guimarães
7. MAI - 18. SEPTEMBER 2022
„Voz Multiplicada“ versammelt eine Gruppe von Künstlern, die sich mit der narrativen Substanz der Stimme auseinandersetzen oder das Museum als Raum der Resonanzen, Singularitäten und Verzerrungen begreifen. Auch „Voz Multiplicada“ erinnert an die Zeit des Hörens und Sprechens im Museum.
In den letzten zehn Jahren hat die CIAJG ein Projekt konsolidiert, das Experimentalität, Freiheit und Strenge kombiniert, basierend auf der Arbeit von José de Guimarães und seine Sammlungen. Der von Nuno Faria konzipierte künstlerische Zyklus „Beyond History“ brachte die Idee eines „Labyrinth-Museums“ auf den Weg, das unsere Wahrnehmung auf der Grundlage von sichtbaren und unsichtbaren Dingen „wieder verzaubern“ sollte. Mehr als ein Ausstellungsprogramm bekräftigte die CIAJG in jenen Jahren die Idee, sich als Ritual zu treffen. Kürzlich haben wir unter den unsicheren Zeichen der Pandemie einen neuen Moment für die CIAJG eingeweiht, der die Summe dessen ist, was von hinten kommt, und der andere Richtungen und andere Visionen hinzufügt. „On the margins of fiction“, der Titel des aktuellen künstlerischen Zyklus, stellt die Fiktion ins Zentrum unserer Überlegungen. Fiktion, die ihre eigene Realität hat und uns neue Wege des Umgangs miteinander erleben lässt. Sich die Zukunft der CIAJG vorzustellen bedeutet, neue Bedeutungen mit der aufbauen zu wollen léxico, das gesät wurde: Verzauberung, Geschichte, Fiktion... Und um das Ritual der Begegnung als Möglichkeit zu bekräftigen, das Museum zu aktivieren.