Benötigen Sie Empfehlungen für den Aufbau Ihrer Kunstgeschichtsbuchsammlung? Wir haben unten eine Liste von Büchern zusammengestellt, die man unbedingt lesen muss, die die Kunstgeschichte von der klassischen Antike bis zur Gegenwart abdecken. Kunstgeschichte ist eine formbare Disziplin, die immer wieder Revisionen und Neubewertungen unterliegt. Aber das Verstehen von Entwicklungen in der Kunst hängt davon ab. Verbessern Sie Ihr Studium in diesem Bereich mit einer oder mehreren unserer Möglichkeiten.
1.Penelope JE Davies, et al., Jansons Kunstgeschichte (9. Auflage)
Horst Woldemar Jansons Buch dient seit über 60 Jahren als Nachschlagewerk für kunsthistorische Studiengänge und verspricht einen umfassenden Einblick in Malerei, Skulptur und Architektur von den Anfängen der Zivilisation bis in die Gegenwart. Zum größten Teil stimmt das – abgesehen von der titanischen Auslassung von Künstlerinnen. Janson glaubte nicht, dass es etwas an weiblichen Künstlern gäbe, das es wert wäre, ernsthaft in Betracht gezogen zu werden, ein Vorurteil, das in der Mad Men-Ära bestand und das die Autorin bis zu seinem Tod im Jahr 1982 aufrechterhielt. Eine Rezension aus dem Jahr 2006 schrieb Janson jedoch im Wesentlichen aus ihrem eigenen Buch heraus, obwohl es seins war Name blieb im Titel. Meisterwerke (wie Malerei Anordnung in Grau und Schwarz #1 von James McNeill Whistler, 1871, auch bekannt als Whistlers Mutter) einst unterdrückt, während zuvor unbeachtete Disziplinen (Fotografie und dekorative Kunst) hinzukamen – und schließlich Künstlerinnen. Darüber hinaus ersetzte es Jansons Fokus auf den männlichen Künstler als Genie durch eine umfassendere Lesart, die Klasse und Geschlecht berücksichtigt. Diese neueste Ausgabe, die 2013 veröffentlicht wurde, erweitert die Berichterstattung über islamische Kunst.
2.Hal Foster, Rosalind Krauss, et al., Kunst seit 1900 (3. Auflage, zwei Bände)
Zusammengestellt von Mitwirkenden im Zusammenhang mit Oktober, der vierteljährlich erscheinende Kunstkritiker, der für sein dichtes und schwieriges Schreiben bekannt ist, hat veröffentlicht Kunst seit 1900, im Jahr 2005. Das Buch behält eine poststrukturalistische Haltung und Neigung bei, das heißt, dass es der Vorstellung skeptisch gegenübersteht, dass Kunst individuelle Ausdrucksformen verkörpert, die die Zeit transzendieren. Das Buch verfolgt also nicht die Entwicklung der sogenannten Moderne, Antimoderne und Postmoderne durch Künstler oder Bewegungen. Stattdessen behandelt es die Kunst des 20. Jahrhunderts mit einer textuellen Dekonstruktion mit kurzen Essays, die mit bestimmten kulturellen oder historischen Ereignissen für jedes Jahr zwischen 1900 und 2003 verknüpft sind, beginnend mit der Veröffentlichung von Traumdeutung von Sigmund Freud und endet mit der 50. Biennale in Venedig. Kunst seit 1900 veranschaulicht die bis heute vorherrschende nicht-hierarchische Natur des historischen Diskurses.
3. Giorgio Vasari, Künstlerleben
Giorgio Vasaris Biografien der führenden Künstler der italienischen Renaissance führten in das Konzept der Kunstgeschichte ein, wie wir es kennen. Viele der Künstler waren nahe Zeitgenossen (er lebte von 1511 bis 1574), was den Text zu einer Hauptquelle für das Studium der historischen Ära machte, die die westliche Tradition in der Kunst einleitete (bis vor kurzem mit dem von Vasari erfundenen Erzählgenre verbunden). Ursprünglich 1550 veröffentlicht, Leben umfasst die Zeit zwischen Cimabue (1240–1302) und Michelangelo (1475–1564) und wird von einer allgemeinen Abhandlung über Architektur, Bildhauerei und Malerei vorangestellt. Spätere Historiker beschuldigten Vasari, sich zu sehr auf die Künstler von Florenz und Rom konzentriert zu haben, obwohl das Buch 1568 um Mitglieder der venezianischen Schule wie Tizian erweitert wurde. Aber während lebte nicht weiter als bis nach Italien geschaut, verbreitete sich sein Einfluss schnell über ganz Europa, wobei die erste von vielen Übersetzungen 1604 in der niederländischen Republik erschien.
4. Mary Beard und John Henderson, Klassische Kunst: Von Griechenland nach Rom
Obwohl die zweite Hälfte des Titels auf Forschungen hindeutet, die mit dem antiken Griechenland beginnen, handelt dieses Buch wirklich mehr von der letzteren Zivilisation. Es schlägt vor, dass die klassische Kunst ohne das Römische Reich die Renaissance nicht ausgelöst hätte. Die Autoren argumentieren, dass die Übertragung der griechischen Ästhetik aus Rom den Grundstein für die westliche Kunst legte, und argumentieren weiter, dass die Römer die griechische Kunst nicht imitierten, sondern sie neu interpretierten und neu erfanden. Die fünf Kapitel des Buches behandeln Malerei, Skulptur, Porträts und Denkmäler und betrachten die Rolle der Lust – für Macht, Nachwelt und Sex. Abstecher zu archäologischen Stätten wie Pompeji zeigen, wie neue Entdeckungen unsere Faszination für Objekte aus der Antike aufrechterhalten, und stellen fest, dass ihr Überleben letztendlich eine Frage des Glücks ist.
5. SH Arnason, Geschichte der modernen Kunst
Mit mehr als 650 Seiten ist die Geschichte der modernen Kunst der HH Arnason sieht einschüchternd aus, aber seit seinem Erscheinen im Jahr 1968 ist er der wichtigste Vertreter der Kunst des 20. Jahrhunderts. Das Buch beginnt mit dem Paris des 19. Jahrhunderts, als Kunst um der Kunst willen mit Künstlern wie z Manet, Monet, Gaugin, Van Gogh, Seurat und Cézanne, die die ersten Schüsse der Moderne abfeuerten. Es erzählt weiterhin die wichtigsten Strömungen – Kubismus, Dadaismus, Bauhaus, Surrealismus, Abstrakter Expressionismus, Pop Art – die die Malerei, Bildhauerei und Architektur der letzten 100 Jahre beeinflusst haben. Mit großzügigen Illustrationen und einer zugänglichen Sprache erzählt das Buch die Geschichte einer revolutionären Ära, die unser Denken über die Welt und den Ort der Kunst verändert hat. Bereits in der siebten Auflage Geschichte der modernen Kunst wurde immer wieder aktualisiert, um die neuesten künstlerischen Entwicklungen im Übergang vom 20. zum 21. Jahrhundert einzubeziehen.
6. EH Gombrich, Die Geschichte der Kunst
Am Anfang dieses Buches (das auch zwischen Kunst in Amerika's Picks Essential Readings) bemerkt der Autor EH Gombrich: „So etwas wie Kunst gibt es wirklich nicht. Es gibt nur Künstler.“ Diese Aussage gibt den Ton für eines der beliebtesten Bücher der Kunstgeschichte an. Gombrich verzichtete auf umfassende Diskussionen über Bewegungen oder Konzepte und konzentrierte sich auf einzelne Kunstwerke und die Figuren dahinter. Abgesehen von einigen Ablenkungen in der antiken und Stammeskunst bedeutet dies ausnahmslos Maler aus dem Westen. Dennoch nimmt Gombrich eine bemerkenswerte Position für einen Kunsthistoriker ein, wenn er behauptet, dass Kunstgeschichte die Erfahrung von Kunst sowohl verdunkeln als auch erhellen kann, indem sie Informationen vermittelt, die dem Akt des Sehens fremd sind. Gombrich verbindet im Laufe der Zeit so unterschiedliche Künstler wie Raphael und Cézanne und besteht darauf, dass sie alle vor ähnlichen Herausforderungen standen, als sie ihre Arbeit machten.
7. Phaidon-Ausgabe, Das Kunstbuch
Smart und reich gestaltet, Phaidons Künstlerverzeichnis von A bis Z durch die Geschichte ist das Must-Have-Accessoire für den Couchtisch in Ihrer Bibliothek. Vom Mittelalter bis heute umfasst das Buch 500 Künstler, und obwohl einige bekannter sind als andere, wird jedem die gleiche Behandlung zuteil: eine ganzseitige, vollfarbige Reproduktion eines Schlüsselwerks, gedruckt mit viel Liebe zum Detail. Jeder Eintrag wird von einem kurzen Text begleitet, der einen Überblick über den Werdegang des jeweiligen Künstlers gibt und in klarer, leicht verständlicher Sprache verfasst ist. Überall, wo Sie diesen Band aufschlagen, finden Sie atemberaubende Bilder, und da die Künstler alphabetisch aufgelistet sind, finden Sie auf jeder Seite unerwartete Gegenüberstellungen von Bewegungen und Epochen, wie den holländischen Maler Hendrick ter Brugghen aus dem 17. Jahrhundert und den zeitgenössischen französischen Konzeptualisten Daniel Buren . Jedoch Das Kunstbuch lehnt sich stark an Malerei an, umfasst aber auch Skulptur, Fotografie, Video und Installation.
8.Richard Shone und Jean-Paul Stonard, Hrsg., Die Bücher, die die Kunstgeschichte geprägt haben: Von Gombrich und Greenberg bis Alpers und Krauss
Obwohl dieses Buch ein Kunstgeschichtsbuch über Kunstgeschichtsbücher ist, ist es eine Zusammenstellung von Essays, die die Meilensteine des 20. Jahrhunderts abdecken und darauf hinweisen, dass Entwicklungen in der Kunst mit Veränderungen in der Wissenschaft verbunden sind. Zusammenführung einer breiten Gruppe führender Wissenschaftler und Kuratoren, Die Bücher, die die Kunstgeschichte geprägt haben untersucht 12 Texte, die wichtige kritische Konzepte in das Feld einführten, beginnend mit Religiöse Kunst im Frankreich des 13. Jahrhunderts, geschrieben von Émile Mâle im Jahr 1898, die ersten Studien zur mittelalterlichen Kunst, war Mâles Buch auch eines der ersten, das die Ikonographie verwendete, um die Bedeutung von Bildern zu enträtseln. ein anderes Buch, Grundlagen der Kunstgeschichte Heinrich Wölfflin formulierte 1915 die heute übliche Methode, Kunstwerke anhand des Stils zu vergleichen.
9. Sharon F. Patton, afroamerikanische Kunst
Sharon F. Pattons Umfrage von 1998 verbindet die afroamerikanische Kunst mit der afrikanischen Erfahrung zwischen dem frühen 18. und dem späten 20. Jahrhundert. Patton beginnt mit der Sklaverei und befasst sich mit der Plantagenarchitektur und den afrikanischen Einflüssen, die den für die Südstaaten gebauten Sklavenunterkünften zugrunde liegen. Patton befasst sich mit der Volks- und dekorativen Kunst des 19. Jahrhunderts und betrachtet die Auswirkungen wichtiger Ereignisse – wie des Bürgerkriegs, des Wiederaufbaus und der großen Migration – auf die Kunst der Afroamerikaner. Schließlich untersucht der Autor, wie die afroamerikanische Ästhetik im 20. Jahrhundert von Menschen wie der New Negro-Bewegung der 1920er, dem schwarzen Nationalismus in den 1960er und 1970er Jahren und der Identitätspolitik der 1990er Jahre geprägt wurde.
10. Charles Townsend Harrison und Paul Wood, Hrsg., Kunsttheorie 1900–2000 , (2. Auflage)
Wie der Titel vermerkt, untersucht dieses Buch die einzigartige Theorieabhängigkeit der Kunst des 20. Jahrhunderts. In der Zeit vor der sogenannten modernen Kunst konzentrierten sich ästhetische Debatten hauptsächlich auf die Technik; Während des späten 18. und frühen 19. Jahrhunderts zum Beispiel wurde die Französische Akademie von Streitigkeiten zwischen zwei Gruppen erschüttert – den Poussinisten, benannt nach dem neoklassizistischen Nicholas Poussin aus dem 17. Jahrhundert, und den Rubenisten, benannt nach Poussins altem Mann der Gegenwart, Peter Paul Rubens - etwa was für die Malerei wichtiger war, Linie oder Farbe. Die Moderne hat jedoch eine ganze Philosophie formuliert, um die Kunst radikal zu verändern und die Bewegung, wie Charles Harrison und Paul Wood schreiben, vom „Rand der öffentlichen Aufmerksamkeit zum Zentrum der Kulturökonomie“ zu treiben. Harrison und Wood fangen diese Revolution vom Postimpressionismus zur Postmoderne prägnant ein.
11.Whitney Chadwick, Frauen, Kunst und Gesellschaft (6. Auflage)
Kunsthistoriker ignorierten jahrhundertelang Künstlerinnen, und die wenigen, denen es gelang, Anerkennung zu erlangen, taten dies nur, weil man annahm, sie hätten die Grenzen ihres Geschlechts irgendwie überwunden. Nach dieser Überzeugung konnten Frauen keine eigenständigen Künstlerinnen werden, weil ihr Geschlecht dies unmöglich machte. Diese Idee begann in den letzten Jahrzehnten des letzten Jahrhunderts zu verblassen, als die Errungenschaften von Künstlerinnen zu sichtbar wurden, um sie zu ignorieren. Vergessene Namen aus der Vergangenheit wurden neu bewertet, und diese Studie von 1996 beleuchtet viele dieser Künstler seit dem Mittelalter. Am wichtigsten ist, dass das Buch ihre Kämpfe mit der Frauenfeindlichkeit ihrer jeweiligen Zeit beleuchtet und wie sie darauf beharrten, ihre Arbeit fortzusetzen.
