Underdogs estrena el cortometraje documental “The World as a Whole”

El 2 de noviembre a las 21.30 horas, la plataforma cultural Underdogs estrenará El mundo entero, su primer documental, en la sala Manoel de Oliveira del mítico Cinema São Jorge de Lisboa. En el marco del Festival de Cine Francés, este cortometraje, dirigido por Ana Pires, nos lleva detrás de escena de (Sem) Fronteiras, un proyecto de Underdogs, desarrollado en el marco de la temporada Portugal – Francia 2022, que desafió a cuatro artistas portugueses y cuatro artistas franceses que convergen para crear intervenciones de arte público en cuatro ciudades gemelas entre Portugal y Francia.

Las cuatro intervenciones colaborativas tienen como lema una reflexión sobre la naturaleza y el futuro de las fronteras, no solo en su dimensión geográfica, sino también en su amplitud conceptual. En este contexto, se prestará especial atención a la complejidad de los límites urbanos y la forma en que la creación contemporánea en el espacio urbano juega con los límites de las ciudades. Además, y también como resultado de la geografía costera de los territorios elegidos, los artistas tendrán el reto de explorar las fronteras terrestres y marítimas, y los límites visibles e invisibles que existen dentro de la Unión Europea.

Abriendo caminos de exploración social, cultural, económica y política, (Sin Fronteras pretende enfatizar la posibilidad de un espacio europeo que favorezca el establecimiento de relaciones recíprocas entre personas e ideas, exaltando también el poder de la intervención artística como herramienta de cuestionamiento y palanca de cohesión social y geográfica.

CAPBRETON – Wasted Rita y Elea Jeanne Schmitter

El dúo de artistas Wasted Rita y Elea Jeanne Schmitter trabajaron en una serie de archivos capturados en Capbreton durante el confinamiento. Todos los días, y gracias a una cámara VHS, se grababa y archivaba la puesta de sol, generando un diario de estos días, que a veces parecen todos iguales. Con el objetivo de desarrollar una colaboración dentro de este territorio y que reflejara las experiencias de ambos, los artistas utilizaron la plasticidad del atardecer y la forma en que lo experimentamos, tanto individual como colectivamente, para desarrollar una estética relacional, cuestionando el renacimiento y lo sublime. Considerando que el ser humano siempre ha estado más interesado en los atardeceres que en los amaneceres, estos se ven aquí como una promesa de la conclusión de todos los dramas del día. Los artistas abordan la experiencia universal de este ciclo, perteneciente no solo a los humanos sino también a todos los seres del océano y la tierra desde el principio de los tiempos. Esta pequeña muerte, pequeño luto por las hazañas o las derrotas del día, une a las personas durante estos breves minutos de éxtasis apocalíptico.

¿En qué piensa la gente cuando mira la puesta de sol? Tengo una extraña obsesión con el océano y sus criaturas. ¿Qué hacen ellos para divertirse? ¿Saben sobre Dua Lipa? ¿Tienen días malos? ¿Pueden silenciar a sus compañeros?

Estoy bastante seguro de que un calamar se vuelve viral más fácilmente que un cachalote pigmeo, pero un cachalote pigmeo tiene más seguidores que un pez luna. 

¿Qué pasa con los delfines? ¿Se ponen tristes cuando hace mal tiempo? ¿Se reúnen con sus seres queridos en lugares estratégicos para ver la puesta de sol también? ¿Es el aumento del nivel del mar algo así como la gentrificación? ¿Tienen que mudarse constantemente con la esperanza de encontrar un mejor lugar para vivir?

La artista e ilustradora portuguesa Wasted Rita ha estado desarrollando una práctica crítica y particularmente íntima que explora su relación de amor-odio con la vida y el mundo que la rodea. Al “crema provocador” confeso le gusta pensar, escribir y dibujar, dando vida a pequeñas joyas de sabiduría sarcástica empapadas en ácido que reflejan una crianza poco convencional en un colegio católico al son de Black Flag. Haciendo uso de una variedad de medios, incluidos objetos escultóricos, instalación, pintura, dibujo y escritura, su voz única da forma a sus observaciones mordaces e invectivas poéticas sobre el comportamiento humano y la cultura contemporánea. Desde 2011, ha presentado su trabajo en una variedad de contextos, incluidas exposiciones individuales y colectivas en galerías, instituciones y eventos artísticos en varios países.

Elea Jeanne Schmitter es fotógrafa, artista conceptual o investigadora, quizás un poco de ambas, según los personajes que interpreta, los rituales que imagina, las partes de la vida que relata y los sentimientos que comparte. Guiada por un interés en los sistemas de comunión y agrupaciones conceptuales entre personas, su práctica implica una extensa investigación sobre el poder y la estructura del secreto y la naturaleza precaria de la verdad. Elea Jeanne Schmitter explora la inmersión como forma de creación, las decisiones irracionales como soluciones y lo inesperado como puerta giratoria hacia lo que está por venir. La obra del artista evoluciona a través del proceso de un viaje esencialmente utópico, de una narrativa que presupone una búsqueda: la búsqueda del amor verdadero, la espiritualidad y la ideología política.

NAZARE – Tamara Alves & YZ

Sobre el título I:REVERSIBLE, para este mural el artista portugués Tamara Alves y la artista francesa YZ conceptualizó una alusión a la práctica ancestral y mayoritariamente femenina de secar pescado en Nazaré. Como una extensión del contenido sobre este tema en el Centro Cultural de Nazaré, que tiene como objetivo promover y preservar este legado, el mural subraya este tema, dándole protagonismo al aire libre en medio del pueblo. YZ ha elaborado un retrato de uno de los últimos nazarenos y poseedores de este singular conocimiento, mientras Tamara Alves creó una composición de una mujer joven, que representa las posibilidades del futuro, para cuestionar nuestra relación con esta herencia.

Si bien la intervención de YZ advierte sobre la pérdida de esta tradición, llevándonos a pensar qué se puede y se debe hacer para preservarla, Tamara Alves trabaja en formas de avanzar, valorando el pasado y el trabajo de estas mujeres, pero representando un futuro donde estos cuerpos femeninos tienen opciones, creando una nueva narrativa donde las mujeres tienen el control total de sus decisiones y elecciones, de sus futuros.

Tamara Alves es un artista e ilustrador portugués que actualmente reside en Lisboa. Se graduó en Artes Visuales (ESADIPL) y realizó una Maestría en Prácticas Artísticas Contemporáneas, donde el tema de la disertación fue “Activismo Público en Contexto Urbano”. Siempre interesada en un tipo de arte que se “inserta” en el mundo, fascinada por la estética de la calle y el contexto urbano, Tamara prefiere prescindir de espacios convencionales como galerías o museos para presentar su obra en la calle o en espacios públicos. . En su obra se representa el panorama erótico de un cuerpo contemporáneo con estos efectos de ampliación de los límites que lo constituyen. Una pasión cruda, en lugar de una deliberación racional, un cuerpo-sin-órganos, un devenir animal, las sensaciones experimentadas, “desnudo hambre histérica” (Allen Ginsberg). Presentando un lenguaje plástico inspirado en la estética urbana, utiliza soportes con características multifacéticas: dibujo, pintura, cerámica o tatuaje. Desde el año 2000 ha participado en varios proyectos, exposiciones individuales y colectivas e intervenciones de arte urbano.

Yseult Digan, también conocida como YZ, es una artista franco-británica cuyo trabajo explora contextos históricos y políticos vinculados a las realidades de los descendientes de esclavos del Caribe, las mujeres soldados africanas y figuras femeninas de diversos orígenes étnicos. Sus composiciones, que varían en escala, soporte y técnica, representan un intento de rehabilitar la imagen y el posicionamiento de grupos oscurecidos y maltratados por la Historia. Su trabajo ha sido presentado en instituciones de renombre como el Centre Pompidou de París o el ArtScience Musuem de Singapur, y en 2017 fue elegida para dar un nuevo rostro a Marianne -la personificación nacional de la República Francesa- en su representación en los sellos postales. .: una reinterpretación que tituló “Marianne l'Engagée”. En 2019 fue invitada por Eurotunnel para realizar dos obras monumentales, una a cada lado del Canal de la Mancha. Después de haber vivido y trabajado durante varios años en Senegal y Costa de Marfil, actualmente reside en Francia.

BURDEOS – Add Fuel & L'Atlas
el artista portugués Add Fuel (Diogo Machado) y el artista francés L'Atlas (Jules Dedet Granel) crearon una intervención de arte público que combina la firma caligráfica de L'Atlas con el lenguaje geométrico presente en la estética de la obra de Add Fuel. Al deconstruir la firma en capas geométricas y reemplazar el gris que se ha impuesto en la obra del artista francés por el azul y el blanco, colores consistentemente presentes en la obra de Add Fuel, establecieron una unión equilibrada y simbiótica de su particular estética. Ambos expresaron una profunda preocupación por lograr una armonía cromática perceptible, y este equilibrio conceptual culmina en un diálogo de sus singulares formas visuales en una sola propuesta.

Add Fuel es Diogo Machado, artista e ilustrador portugués. Antiguo diseñador gráfico, su práctica artística reciente se ha centrado en reinterpretar y jugar con el lenguaje tradicional del azulejo, y en particular el de origen portugués. Fusionando elementos tradicionales y contemporáneos, sus creaciones originales basadas en vectores e intervenciones callejeras utilizando plantillas revelan una complejidad impresionante y un dominio de la atención al detalle. Basado en una combinación de teselados que crean armonía a partir de repeticiones simétricas y técnicas de ilusión visual como el trompe-l'oeil, sus composiciones de patrones multidimensionales crean un ritmo poético que juega con la percepción del observador y las posibilidades de interpretación. Desde 2006 ha exhibido su obra en exposiciones individuales y colectivas, además de participar en algunos de los principales eventos de arte urbano del mundo.

L'Atlas es del artista francés Jules Dedet Granel. Habiendo estudiado caligrafía en varios países y contextos multiculturales, la investigación y la escritura representan puntos de partida para su obra plástica y pictórica. Creando tipografías originales, L'Atlas está particularmente fascinado por la idea de un lenguaje universal que mantiene el equilibrio ideal entre forma y letra, entre acto e intención. En la década de los 90 comienza a realizar intervenciones en el espacio público, siendo ampliamente reconocido en el mundo del graffiti. Su trabajo de estudio comenzó a tomar forma a principios de la década de 2000, dando lugar a una serie de exposiciones en galerías de arte urbano contemporáneo. Su práctica artística implica una investigación sistemática y una renovación de su acercamiento a las letras y líneas, y al ritmo codificado de la escritura. Explorando la frontera de lo ilegible, su trabajo se ha vuelto progresivamente más abstracto y minimalista. Recientemente comenzó a colaborar con urbanistas para dar una tercera dimensión a su arte, acentuando así el componente arquitectónico de su obra.

PORTO – ±MásMenos± & Rero

Esta instalación de ±MaisMenos± y Rero cuestiona la relación con las utopías positivas y negativas de nuestro tiempo, tratando de dibujar la frontera que las divide y que es imprescindible reinventar.Para cuestionar la dicotomía de las utopías, cada artista propuso un aforismo, escribiéndolo sobre el mismo soporte, con el objetivo de crear una resonancia y ofrecer al mismo tiempo una tesis y una antítesis de las que el espectador pueda sacar sus propias conclusiones. ±MásMenos± pintó las palabras esperanzadoras de Martin Luther King Jr. “TENGO UN SUEÑO” en su tipografía “Universo” como mensaje de amor: una cálida expresión repetida hasta el infinito como un mantra. Por su parte, Rero contrasta con el despliegue de la expresión “NOT TODAY” en LED, utilizando una gráfica discreta de estética fría y contemporánea, que araña como es habitual, para cuestionar las palabras en este contexto, estableciendo así un cortocircuito a la primera lectura utópica de ±MaisMenos±. Este diálogo entre los dos artistas permite una lectura polisémica permanente sobre la cuestión de las utopías, llevándolas al espacio público y al tejido urbano de la ciudad, donde ofrecen una visión alternativa del mundo, interpelan al espectador y lo invitan a reflexionar sobre la ambigüedad de la existencia humana y ser parte activa del pensamiento artístico.

±MaisMenos± es un proyecto de intervención artística del artista y diseñador gráfico portugués Miguel Januário, que comenzó como parte de una tesis académica en 2005 y luego tomó vida propia. Ofrece una reflexión crítica sobre el modelo de organización política, social y económica inherente a las sociedades urbanas contemporáneas. Realizando una disección clínica de la realidad que juega con el sistema de dualidades intrínseco al edificio ideológico occidental, la expresión programática del proyecto se reduce conceptualmente a una ecuación de simpleza y contrarios excluyentes: más/menos, positivo/negativo, negro/blanco. Bajo el lema ±MaisMenos±, el artista ha producido obras innovadoras y que invitan a la reflexión tanto en interiores como en exteriores, en una variedad de medios, desde video hasta instalaciones escultóricas, desde pintura hasta performance. Junto a las numerosas intervenciones ilegales en el campo del arte público realizadas en varios países, el proyecto también ha sido exhibido en exposiciones individuales y colectivas en múltiples contextos. Su obra está representada en varias colecciones privadas.

El trabajo reconocible al instante de RERO contiene una fluidez inherente, explorando una variedad de conceptos sociales, desde la tecnología y el consumismo hasta el lenguaje y la obsolescencia. Rompiendo barreras y desmarcándose del uso de superficies tradicionales para la implementación de sus declaraciones mínimas, las intervenciones textuales de RERO, siempre ejecutadas en la misma tipografía Verdana y desprovistas de afloramientos, exploran la confrontación, la estética de la destrucción y la idea de apropiación Desde obras sobre lienzo, libros antiguos, neón, porcelana, bustos escultóricos, paredes de cartón yeso, periódicos desgastados, máquinas de escribir y banderas, sus piezas más ambiciosas son instalaciones a gran escala que utilizan el espacio de la galería o el museo como un lugar para explorar las nociones de contexto y percepciones del espacio. El trabajo de RERO se ha presentado en una variedad de lugares públicos y privados, incluidos el Centro Pompidou, Musée en Herbe y Musée de la Poste, Confluences en París y Antje Øklesund en Berlín. Más recientemente, su obra ha sido expuesta por toda Francia, Estados Unidos, Alemania, Italia y Suiza.