¿Por qué las imágenes de Robert Mapplethorpe están por todas partes?

Cuando al fotógrafo Robert Mapplethorpe le diagnosticaron SIDA en 1986, a la edad de 40 años, su reacción inmediata fue destruir la obra que dejaría atrás. Sin embargo, tras superar el shock inicial, decidió planificar su patrimonio, lo que llevó a la creación de la Fundación Robert Mapplethorpe en 1988, un año antes de su muerte. "Robert fue inteligente al elegir su junta directiva porque sabía que nombrar a miembros de la familia o compañeros de vida que pueden tomar decisiones emocionales no siempre es óptimo para gestionar el legado de un artista", dijo a ARTnews Michael Stout, abogado y presidente de la Fundación Mapplethorpe. En cambio, Mapplethorpe reunió una junta con especialidades profesionales tanto en derecho (Stout es un experto en derechos de autor) como en fotografía para dar forma al futuro y al legado de su impresionante obra.

Stout estima que Mapplethorpe dejó aproximadamente 14.000 impresiones, hechas a partir de alrededor de 2.000 negativos, así como un número menor de objetos escultóricos y Polaroids. Y en los últimos años, gestionar el legado del artista se ha convertido en una tarea compleja: 15 galerías de todo el mundo gestionan las ventas del patrimonio en función de sus respectivas geografías. Gladstone Gallery, Morán Morán y Olga Korper Gallery se encuentran entre las cinco responsables en Norteamérica; en Europa, Xavier Hufkins Gallery, Thaddaeus Ropac, Alison Jacques Gallery y Galerie Thomas Schulte son la mitad de las ocho galerías que tienen acuerdos de representación; La demanda sudamericana está gestionada por Galería Fortes D'Aloia & Gabriel, de Brasil; y el mercado asiático está gestionado por Kukje Gallery, de Seúl.

La próxima semana en Art Basel, Gladstone Gallery, Ropac y Alison Jacques tendrán cada uno una obra de Mapplethorpe a la venta. Además, cada año hay varias exposiciones institucionales y asociaciones de marcas, como las de Uniqlo, Chrome Hearts y Honey Fucking Dijon, que otorgan licencias para las imágenes de Mapplethorpe. Al principio, la fundación sólo licenciaba productos de papel como postales, calendarios y carteles. "No teníamos forma de saber si a Robert le gustaría una chaqueta de cuero Chrome Hearts, pero lo hicimos, justo cuando muchos artistas comenzaron a cerrar acuerdos de licencia", agregó Stout.

"Tenemos que tomar decisiones cuidadosas sobre las licencias y actuar meticulosamente sobre las publicaciones porque los libros sobreviven", dijo Stout. "Ya no son tan populares en términos de ventas, ya que todo está en línea, pero Robert sabía que era importante tenerlos e hizo muchos libros con diferentes editoriales". También añadió que los fideicomisarios de la fundación han llegado a un consenso para ser "conservadores en cuanto a las licencias" y que su objetivo es "tomar decisiones que creemos que él habría tomado".
Además de gestionar el arte de Mapplethorpe, la fundación tiene una misión menos conocida: actuar como un organismo que otorga subvenciones para apoyar la investigación del VIH. “Dependemos en gran medida de las ventas de las galerías, y administrar el patrimonio de un fotógrafo es más desafiante que el de un pintor”, dijo, dada la enorme diferencia de precios entre los dos medios.

Lo intrigante y enigmático léEl estilo visual de Mapplethorpe, sin embargo, quizás haya sido más popular que nunca en los últimos años. El primer trimestre de 2024 ya ha visto cuatro exposiciones individuales del fotógrafo: en Alison Jacques en Londres, Gladstone en Nueva York, Thaddaeus Ropac en París y Morán Morán en Los Ángeles, así como una exposición de tres artistas con Ann Craven y Mohammed. Z. Rahman, en Phillida Reid en Londres. Las exposiciones en París y Los Ángeles contaron con curadores de alto perfil: el editor de moda Edward Enninful y el artista Jacolby Satterwhite, respectivamente. El mes pasado, el Museo de Arte Currier de New Hampshire inauguró la exposición Filippo de Pisis y Robert Mapplethorpe, que pone en diálogo la obra del fotógrafo con la del pintor italiano del siglo XX. La fascinación mutua por las flores es el ancla de la exposición, que presenta 38 fotografías, todas cedidas por la fundación.

La exposición de Gladstone, que cerró en abril en la sede de la galería en el Upper East Side, buscaba arrojar luz sobre una parte menos conocida del trabajo de Mapplethorpe, sus ensamblajes tridimensionales y fotografías en marcos escultóricos. La exposición se benefició de la vida anterior del espacio de la galería como hogar, ya que la instalación transmitía una mezcla discreta de teatralidad y domesticidad. Su Sin título (Escultura de perchero), ca. 1972, por ejemplo, ocupaba un rincón con una lámpara encendida (en lugar de un abrigo) junto a una fotografía en blanco y negro del artista Jay Johnson, en la que aparece la misma escultura junto al cuerpo desnudo de Johnson. Frente a una ventana que daba al patio trasero se encontraba Open Book (1974), una gran estructura de aluminio en el suelo en la que un cuarteto de fotografías de penes se asientan sobre una elegante base triangular.

La reciente exposición de Gladstone siguió a la exposición de un año de duración del Museo Guggenheim, “Implicit Tensions” (2019), que presentó por primera vez un grupo considerable de construcciones de medios mixtos de Mapplethorpe. La ambiciosa empresa fue una extensión de la donación de 194 obras de la fundación al Guggenheim en 1993, que también estableció un departamento de fotografía en el museo y una galería que lleva el nombre del difunto fotógrafo.

"Antes de Mapplethorpe, los marcos de las fotografías eran más incidentales, reflejando la incómoda transición del papel a la pared", dijo recientemente a ARTnews la curadora asociada del Guggenheim, Lauren Hinkson, sobre la exposición de dos partes. La segunda parte de su proyecto invitó a artistas vivos como Lyle Ashton Harris, Glenn Ligon, Zanele Muholi y Catherine Opie a exhibir sus propias imágenes de resiliencia queer como respuesta a la primera parte de la exposición. "Como el trabajo de cualquier figura canónica, el trabajo de Mapplethorpe y sus significados no son estables ni estáticos, sino que están continuamente abiertos a la reinterpretación a medida que otros artistas ofrecen enfoques alternativos a la creación de imágenes", dijo Hinkson.

Los creativos queer de nueva generación, por otro lado, todavía encuentran inspiración en el tratamiento desinhibido de la carnalidad por parte de Mapplethorpe, ya sea en sus flores alusivas o en la iluminación dramática de sus traseros con dos puños. Ludovic de Saint Sernin, un prometedor diseñador francés con seguidores de culto, presentó su colección de ropa masculina inspirada en Mapplethorpe, en colaboración con la fundación, durante la Semana de la Moda de Nueva York en febrero. La estrella del pop Troye Sivan lleva actualmente algunas de las piezas de la colección inspirada en el bondage en su gira mundial Sweat en curso. Las pesadas prendas de cuero son una desviación de la línea de camisetas de Uniqlo de 2015, que estaban impresas con las fotografías más accesibles del artista.

Invitar a nuevas perspectivas ha sido una forma rentable para que la Fundación Mapplethorpe mantenga vivo su legado. Una serie de exposiciones en galerías comisariadas por luminarias culturales, desde Isabelle Huppert hasta Elton John o los recientes Enninful y Satterwhite, activan su gran trabajo a través de diferentes lentes personales. (La exposición organizada por Enninful en Ropac atrajo a unos 2.000 visitantes el día de su inauguración en marzo.)

Para Satterwhite, la oportunidad de curar una exposición de Mapplethorpe resuena con su propia práctica, que también atraviesa temas de poder, autonomía y euforia. La fundación le dio al artista con sede en Brooklyn acceso a todo el trabajo del fotógrafo, y la exposición resultante, titulada "Animismo, fe, violencia y conquista", incluyó una mezcla de las imágenes menos exploradas de utopía, resistencia y devoción de Mapplethorpe. Los temas titulares de la exposición son temas que Satterwhite exploró sobre los sistemas de creencias y la supervivencia mientras trabajaba en su reciente encargo del Museo Metropolitano de Arte, A Metta Prayer (2023).

Una fotografía fechada en 1982, por ejemplo, muestra un televisor con una cadena colgando de su parte inferior; una imagen de 1985 muestra a un niño vestido de pirata mirando a través de un catalejo. "Estaba pensando en cómo subvertir los videojuegos y las ideas de violencia, vigilancia y conquista en mi proyecto", dijo Satterwhite a ARTnews. Señaló que siempre ha soñado con realizar un proyecto en torno a Mapplethorpe, "pero si hubiera tenido la oportunidad hace 10 años, el resultado habría sido totalmente diferente", dijo. Al organizar la exposición poco después de su encargo en el Met, en el que marinaba ideas similares de devoción, poder y toxicidad en la belleza, el artista dijo que se sentía más cerca de las preocupaciones similares de Mapplethorpe en este punto de su práctica.

La representación de la propia galería de Mapplethorpe ha sido importante en las perspectivas cambiantes del trabajo del artista. "La estética dominante de la propiedad de Robert, con lirios y desnudos, fue establecida por la fundación y la Galería Robert Miller, que inicialmente tuvo representación exclusiva", dijo Stout, presidente de la fundación. El cambio de representación de la fundación a la galería Sean Kelly de Nueva York a principios de la década de 2000 ayudó a aportar un enfoque más multivalente a Mapplethorpe. En 2003, con la ayuda de Sean Kelly, Cindy Sherman organizó el primero de estos proyectos curatoriales dirigidos por artistas que ahora se realizan varias veces al año. "La reacción del público y una reseña de Roberta Smith en el New York Times nos convencieron de que deberíamos dejar que otras personas tomaran decisiones sobre la exposición", dijo Stout. "Incluso nosotros todavía vemos obras de esta manera que nunca hemos visto ni olvidado".

El desafío actual para la Fundación Mapplethorpe es gestionar una empresa con financiación de un repertorio finito. En un esfuerzo por monitorear las ventas en múltiples puntos de precio y evitar mostrar el mismo trabajo simultáneamente en exposiciones separadas, la fundación estableció lo que internamente llaman "un sistema central". El diseño ayuda a la junta directiva y al personal a dividir y controlar los tipos de imágenes vendidas en todo el mundo y a mantener un inventario equilibrado en términos de valor y demanda futura. Funciona con temas excepcionalmente icónicos, como Patti Smith, El propio Mapplethorpe o Andy Warhol, Además de los lirios, son “para momentos más especiales”, dijo Stout. Este sistema también ayuda a la fundación a mezclar obras entre diferentes inventarios de galerías para una distribución uniforme.

“Cuando iniciamos la fundación con Robert, no estábamos seguros de si continuaríamos por más de 20 años”, recordó Stout. "No tenemos fideicomisarios que tomen decisiones emocionales y tengan piezas sentimentales en nuestra junta directiva; solo queremos arreglar las cosas".

Fuente: Artnews