El artista Frank Stella, quien reorientó el curso del arte de vanguardia en las décadas de 1950 y 1960 con pinturas abstractas escasas, monótonas pero indelebles, ayudando a marcar el comienzo del estilo que llegó a conocerse como Minimalismo, murió el sábado a los 87 años.
A finales de 1958, a la edad de 22 años, Stella comenzó a utilizar un pincel de pintor doméstico para aplicar pintura negra mate a lienzos en configuraciones simples, una línea recta y paralela tras otra, dejando sólo un tenue espacio blanco entre ellas. Al igual que las pinturas de la bandera estadounidense de Jasper Johns que Stella había visto, sus “Pinturas Negras” parecían excluir los grandes gestos de los expresionistas abstractos reinantes. “Lo que ves es lo que ves”, dijo sobre su trabajo en una entrevista de 1964 junto a sus compañeros artistas Donald Judd y Dan Flavin. Las “Pinturas Negras” contienen complicadas contradicciones. De hecho, su construcción es claramente evidente, pero también tienen un efecto humeante y siniestro, incluso mortal. Stella les puso títulos como "Die Fahne hoch!" (“Levanten la bandera”, el himno del Partido Nazi) y “El Castillo de Arundel, el hito inglés del siglo XI. Fueron mostrados en una legendaria exposición colectiva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York a finales de 1959, “16 Americans”, en la que también estaban Johns, Louise Nevelson, Ellsworth Kelly y otros artistas importantes.
Stella pronto se convertiría en una de las figuras más célebres de su tiempo. El Museo de Arte Moderno celebró una retrospectiva de su obra en 1970 y otra en 1987. El Museo Whitney hizo lo mismo en 2015. En 1964, todavía con 30 años, estuvo entre los artistas que representaron a Estados Unidos en la Bienal de Venecia. La lista de sus exposiciones individuales en su CV oficial tiene más de siete páginas. En 2009, el presidente Barack Obama le otorgó la Medalla Nacional de las Artes, elogiando “sus sofisticados experimentos visuales, que a menudo trascienden los límites entre pintura, grabado y escultura”.
A lo largo de una carrera que abarcó más de 65 años, Stella fue aparentemente infatigable, siempre en busca de un nuevo esplendor visual, y enfureció a algunas partes del mundo del arte con sus esfuerzos multifacéticos, dejando atrás su moderación anterior. Hablando en el Instituto Pratt de Brooklyn en 1960, a la edad de 24 años, explicó cuál sería la misión de su vida. "Hay dos problemas con la pintura", dijo. “Una es descubrir qué es la pintura y la otra es descubrir cómo hacer una pintura”.
Frank Philip Stella nació en Malden, Massachusetts, el 12 de mayo de 1936. Comenzó a pintar sus propias pinturas a los 14 años. Después de la secundaria en la prestigiosa Academia Phillips en Andover, Massachusetts, donde el escultor minimalista Carl Andre era compañero de clase, Stella se matriculó en la Universidad de Princeton, donde estudió historia mientras pintaba. Entre sus profesores se encontraban el historiador del arte William Seitz y el pintor Stephen Greene. Después de graduarse en 1958, se mudó a Nueva York y se instaló en el Lower East Side.
Las primeras series de Stella parecen desarrollarse de manera constante, una tras otra, con una lógica predeterminada, reglas tácitas que producen pinturas planas, simétricas y repetitivas. Las “Pinturas Negras” dieron origen a las pinturas de “Cobre” y “Aluminio”, algunas realizadas sobre lienzos de formas inusuales. Luego vinieron los cuadrados concéntricos en una panoplia de colores y las grandes obras de “Protractor” (1967-71) con bordes curvos, líneas entrelazadas y tonos neón.
Estas obras son completamente extrovertidas y seguras, pero controladas, todas con líneas limpias y bordes nítidos.
A principios de la década de 1970, Stella adoptó formas y paletas de colores cada vez más inusuales, como la serie “Polish Village”, que tiene elementos en relieve que se proyectan en el espacio. Se inspiraron en fotografías que vio de sinagogas de madera destruidas por los nazis. "La carpintería de la sinagoga es increíblemente sofisticada a nivel formal", dijo a Artforum en 2016. "La interconexión, la compleja conexión geométrica de cada parte del edificio, que es visible en las fotografías, realmente me atrajo".
Y luego, a mediados de la década de 1970, Stella se despidió de sus estructuras racionales y se sumergió decisivamente en enfoques nuevos y idiosincrásicos. Remolinos, redes y garabatos coloridos reemplazan a los planos sólidos; Los elementos comienzan a sobresalir de las pantallas en todas direcciones. Las obras colgadas en la pared evolucionaron hasta convertirse en fantásticas esculturas.
Los modos conceptuales estaban de moda en ese momento y académicos influyentes declararon el fin de la pintura. La heterodoxia de Stella los exasperaba. En un artículo de 1981 en la revista “October”, Douglas Crimp declaró que las “pinturas del artista de finales de la década de 1970 son verdaderamente histéricas en su desafío a las pinturas negras; cada uno parece hacer un berrinche, gritando y escupiendo que el final del cuadro aún no ha llegado”.
Stellas gloriosamente excéntricas ahora llenan los vestíbulos de los edificios de oficinas corporativas (algunos de los únicos lugares que pueden albergar sus mejores obras), como 599 Lexington Avenue y el recientemente inaugurado 50 Hudson Yards en Manhattan. Esculturas independientes, algunas producidas con la ayuda de tecnología informática, salpican jardines de esculturas y plazas públicas, incluida la que se encuentra frente al 7 World Trade Center.
Los entrevistadores a menudo le preguntaban a Stella sobre opiniones negativas sobre su trabajo posterior, pero él generalmente tenía la misma respuesta general. Cuando lo visité en su estudio de escultura en el norte del estado de Nueva York en 2015, ignoró estas críticas y se mostró indiferente incluso ante su próxima investigación sobre Whitney. “Estoy trabajando y exponiendo todo el tiempo, como la mayoría de los artistas”, dijo, fumando un cigarro cubano (una pasión que aprendió del crítico Clement Greenberg).
Hasta el 14 de mayo se exhibirá una exposición de las enormes obras nuevas de Stella (formas salvajes y libres de fibra de vidrio en una explosiva gama de colores, cuidadosamente colocadas sobre soportes con ruedas) en Jeffrey Deitch en Nueva York.
En una entrevista de 2000 con “Bomb”, Saul Ostrow le preguntó a Stella sobre el deseo que tantas personas han expresado a lo largo de los años de que volviera a su lenguaje mínimo y predecible. “La idea del arte es ser abierto”, respondió el artista, “ser generoso, absorber al espectador y absorberse a uno mismo, dejarle participar”.
Fuente: Noticias Artnet