¿Cuáles son las características del movimiento artístico Op art?

¿Qué es Opart?
En la década de 1960, el movimiento Op art, también llamado arte óptico, una nueva rama del arte abstracto geométrico que se ocupa de la ilusión óptica. Este movimiento permitió un gran desarrollo en la pintura al utilizar formas geométricas para crear efectos ópticos, ambigüedades y contradicciones en la visión del espectador. A través de la manipulación sistemática y precisa de formas y colores, se crean efectos Op art, basados en la ilusión de perspectiva o tensión cromática. En la pintura, ha sido el medio principal utilizado por los artistas debido a que la tensión superficial generalmente se maximiza hasta el punto en que el ojo humano percibe una pulsación o parpadeo real. El arte óptico se relaciona indirectamente con otros movimientos surgidos durante el siglo XX, como el orfismo, el constructivismo, el suprematismo y el futurismo, por su preocupación por relaciones formales totalmente abstractas con énfasis en el movimiento y el dinamismo pictórico. Los principales artistas del movimiento Op art, fueron Victor Vasarely , Bridget Riley, Richard Anuszkiewicz, Larry Poons y Jeffrey Steele. El movimiento atrajo la atención internacional por primera vez con la exposición Op "The Responsive Eye" en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1965. Los artistas crearon espacios ópticos complejos y paradójicos a través de la manipulación ilusoria de formas repetitivas simples como líneas paralelas, patrones de tablero de ajedrez y círculos concéntricos o crear tensión cromática al yuxtaponer colores complementarios (cromáticamente opuestos) de igual intensidad.

Victor Vasarely 
Victor Vasarely Primero trabajó como artista gráfico en Budapest y luego en Francia, donde produjo carteles publicitarios para grandes empresas. En 1937, creó varias obras, incluida "Zebra", la obra de arte considerada por los críticos como la primera verdadera pintura Op art jamás creada. Así, el artista franco-húngaro ha sido acreditado como el abuelo y líder del movimiento Op Art. Utilizando formas geométricas y gráficos coloridos, el artista creó convincentes ilusiones de profundidad espacial, como se puede ver en la obra Vega-Nor (1969). El método de pintura de Vasarely estuvo influenciado por los principios de diseño de la Bauhaus, Wassily Kandinsky y el constructivismo. Durante la década de 1940, experimentó con un estilo basado en el surrealismo y el expresionismo abstracto, antes de llegar a sus pinturas. El artista murió a la edad de 90 años el 15 de marzo de 1997 en París, Francia. Sus obras se encuentran actualmente en las colecciones de la Galería de Arte Albright-Knox en Buffalo, el Instituto de Arte de Chicago, la Galería Tate en Londres y la Colección Peggy Guggenheim en Venecia.

Bridget Riley
Bridget Riley es una artista británica conocida por sus singulares pinturas Op Art. Al combinar líneas limpias, arreglos de color y precisión geométrica, pudo crear efectos visuales visualmente atractivos, como en “Cataract 3” (1967). En sus obras hay admiración por el puntillista Georges Seurat por el uso de degradados y variaciones de tono. “El ojo puede viajar sobre la superficie de forma paralela a la forma en que se mueve sobre la naturaleza. Debe sentirse acariciado y calmado, experimentar roces y roturas, resbalones y derivas. En un momento no habrá nada que mirar y al segundo siguiente la pantalla parece llenarse de nuevo, estar llena de eventos visuales”. afirmó la artista sobre su obra. Nacida el 24 de abril de 1931 en Londres, Reino Unido, estudió en el Goldsmiths College de 1949 a 1952 y en el Royal College of Art de 1952 a 1955. En los años siguientes, la artista comenzó a experimentar con los efectos de color desarrollados por Georges Seurat. en el siglo XIX, llevándolo a la práctica por la que se conoce hoy. Actualmente vive y trabaja en Londres, Reino Unido. Sus obras se encuentran actualmente en las colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York, la Galería Nacional de Arte de Washington, DC, la Tate Gallery de Londres y la Colección Peggy Guggenheim de Venecia.

Richard Anuszkiewicz
Richard Anuszkiewicz fue un artista contemporáneo estadounidense mejor conocido por sus fascinantes pinturas Op Art. Las obras de Anuszkiewicz están saturadas de colores vibrantes dispuestos en composiciones geométricas abstractas, explorando formalmente los fenómenos de la luz, el color y la línea y sus efectos en la percepción humana. “Estoy interesado en hacer algo romántico a partir de una geometría muy, muy mecanicista. La geometría y el color representan para mí un lugar clásico idealizado que es muy claro y muy puro”, dijo Anuskiewicz. Entre sus obras más famosas se encuentra Deep Magenta Square (1978), una composición hipnótica que presenta la ilusión de un movimiento oscilante a través de relaciones cromáticas contrastantes. Su trabajo fue bien recibido en la década de 1960 y le valió la inclusión en la Bienal de Venecia y Documenta, así como numerosos honores, incluido el Premio Lee Krasner de 2000. Mayo, solo cuatro días antes de cumplir 90 años.

Felipe Pantone
Felipe Pantone es un artista argentino-español que demuestra en sus obras dinamismo, transformación, revolución digital y temas relacionados con la actualidad. Felipe Pantone Evoca un espíritu en su trabajo que se siente como una colisión entre un pasado analógico y un futuro digitalizado, donde los humanos y las máquinas se mezclan inevitablemente en un prisma de gradientes de neón, formas geométricas, patrones ópticos y cuadrículas irregulares. “El color solo sucede debido a la luz, y la luz es la única razón por la que sucede la vida. La luz y el color son la esencia misma del arte visual. Gracias a la televisión, las computadoras y la iluminación moderna, nuestra percepción de la luz y el color ha cambiado por completo”, dijo. Felipe Pantone. Para el artista argentino-español, sus creaciones son una meditación sobre las formas en que consumimos información visual. Victor Vasarely y Carlos Cruz-Diez fueron algunos de los artistas que lo inspiraron. Su obra se concibe en diferentes softwares y luego se traduce en frescos, murales, pinturas y esculturas que dan mérito táctil a lo que sucede en el mundo digital. “Crecí como pintor, me formé como pintor, y ahora mi mayor objetivo es deshacerme de toda mi formación académica y poder hacer arte libremente, con las herramientas que mejor me funcionen”, dijo. Felipe Pantone. Ya sea exhibiendo en galerías de todo el mundo o pintando murales en Portugal, las aplicaciones de Felipe Pantone siempre están unidos por la intersección de la tecnología y las bellas artes.