CONOCE A LA CURADORA: Adriana Scartaris

Adriana Scartaris es una profesional que actúa como diseñadora de interiores en la creación de proyectos residenciales, comerciales y corporativos, con 36 años de experiencia y más de 323.000 m2 de obras realizadas en todo Brasil y en el exterior. Comenzó su formación académica a una edad temprana, completando el primer curso de Diseño de Interiores en la Escola Panamericana de Arte e Design SP en 1978. En 1984 completó el curso de Diseño Industrial en la Fundação Armando Álvares Penteado, FAAP/SP, entonces cursaba el curso de bellas artes en la misma institución. En 1986 completó una especialización en Ilustración Aplicada al Diseño Industrial en la Faculdade Santa Marcelina, FASM/SP. También completó el curso de Artes Visuales en el mismo año y luego comenzó su carrera como artista visual al mismo tiempo.
Se especializó en Historia del Diseño de Mobiliario en 1990 para ganar más control sobre el proceso de creación dentro de cada estilo.
Desde entonces, participa constantemente de conferencias, seminarios, cursos de emprendimiento, capacitaciones presenciales y en línea y, siempre buscando aprender y seguir de cerca, los mayores eventos mundiales del segmento.

Cuéntanos cómo empezó esta pasión de toda la vida por el mundo del arte.
Empecé a trabajar y a pensar en el arte desde niño. Dibujo desde los cinco/seis años y ya tengo 60 años; es un gran orgullo pensar que ya llevo más de medio siglo de vida tocado por el arte. Cuando tenía 6 años, la maestra llamó a mi mamá a la escuela, mi mamá estaba toda preocupada pensando que era una queja. “Pon a estudiar a esta niña que tiene talento” le decía mi maestra a mi mamá. Este es el registro que tengo de mis inicios como artista. De ahí que tuve la oportunidad de tener varios cursos de formación y varias propuestas didácticas diferentes, en diseño industrial, diseño de interiores, artes visuales, artes plásticas. Esto fue algo que siempre corrió en paralelo con mi carrera. De hecho, tengo dos carreras que van en paralelo: arte y diseño, y comisariado. Hace cinco años comencé el proyecto Colectivo 284 y trabajando con la curaduría. Me gradué en curaduría y comencé a practicar cada vez más.

¿Cuáles son los puntos más extraordinarios?
Uno de los momentos más extraordinarios fue en 1997, en São Paulo, cuando realicé una exposición con una serie de mis obras, titulada “Jogos Urbanos”, donde realicé una gran casa, a la que asistieron 1200 personas en la inauguración. Esta fue la primera vez que dije “soy un artista”. ¡Vendí todas las obras ese día! No me esperaba ese resultado, sobre todo con una obra que en ese momento no tenía mucha aceptación porque era muy colorida. Si tenía alguna duda sobre el trabajo a realizar, ahí terminaban las dudas. En mi opinión, fue mi punto de partida como artista. Cuéntanos tu experiencia como curador.
Tengo otro punto de partida como curador, con el proyecto “Imperfeita”. La primera exposición tuvo lugar en Lisboa, en 2021. ¿Qué es Imperfeita? ¿Cuál es la historia? Estaba en medio de la pandemia a principios de 2020, muy asustada y asustada, como todos nosotros. Dirijo un grupo de artistas aquí en Brasil, con alrededor de dos mil artistas, en el que soy mentor de muchos de ellos. En ese momento me di cuenta de que todos los artistas con los que tuve contacto directo estaban muy asustados y muy sensibles. En mi opinión, el artista sufrió mucho durante la pandemia, por su perfil de persona que siempre está queriendo entender mejor el mundo. Hay gente que se ocupa mucho del hacer, pero el artista se ocupa de los problemas, del pensamiento. Yo también estaba muy asustada y asustada, sobre todo a mi empresa, que es Colectivo 284, le quedaban menos de seis meses de vida. Abrimos en junio de 2019, pero a los pocos meses empezamos a cerrar. Entonces, la empresa recién inaugurada, con una inversión muy alta, y con un ADN poco convencional, corría el riesgo de cerrar.
Así que la posibilidad de que eso sucediera y lo perdiera todo se hizo realmente grande y ¡me dio mucho miedo! Para colmo, yo estaba en Brasil y la empresa en Portugal, o sea, todo podía salir mal. Mi pareja y yo llegamos a pensar que tal vez no era posible, pero pensamos: “tratemos de mantenerlo”. En ese escenario me detuve, me miré y me pregunté: “¿Qué voy a hacer? ¿Qué puedo crear? ¿Cómo puedo ayudar a los artistas y mantener mi proyecto en marcha fortaleciéndolo?” Empecé a buscar una comprensión de lo que sería el punto de inflexión de este mundo. Estábamos, en mi opinión, viviendo en los últimos tiempos, y había que hacer algo. Comprendí que se debía a la energía femenina, no necesariamente la mujer, sino la energía femenina que existe en los hombres también, energía de aceptación, de pensar en los demás, en lo que tenemos que hacer para que el mundo sea mejor. En ese momento, lo que realmente necesitábamos era pensar en el otro, porque solo pensando en el otro podríamos protegernos. ¡Esto fue demasiado intenso para mí!
Fui a buscar una energía femenina en el mundo del arte, una que representara resistencia, fuerza y resiliencia. recordé el Frida Kahlo y este fue mi anzuelo. Propuse un concurso para elegir artistas brasileños para exponer en mi galería en Portugal sin siquiera saber si la galería existiría, pero pensé ¡vamos por partes! La propuesta de proyecto, denominada “Imperfeita”, quería demostrar que la imperfección hace únicas a las personas y que las características que no se consideran estandarizadas son un poder y no un defecto. Mientras tanto, apareció la propuesta de utilizar la realidad aumentada, una tecnología que hasta ese momento no era muy utilizada. También tuve la idea de crear el primer catálogo interactivo. Cuando pensaba en la inauguración de “imperfecto”, quería que fuera en marzo, mes de la mujer, pero no pude, porque aún estábamos cerrados. En mayo metimos a seis mil personas en esta galería durante treinta días, es decir, casi el 1% de la población de la ciudad y ¡esto es impensable para Lisboa! Durante ese tiempo, el 90% de las obras también se vendieron. La realidad aumentada fue un éxito y, en términos de medios, también estuvo muy por encima de las expectativas.
A partir de ahí nuestra agenda está cerrada hasta 2023. Ese fue un punto de inflexión, un punto como comisario, de gestionar un proyecto en un momento muy complicado. Este proyecto fue una posibilidad para algunos de los artistas que participaron de reforzar su inspiración y buscar fuerza. Lograron pasar ese momento tan difícil y tuvieron la posibilidad de estar en un proyecto donde se demostró su trabajo. ¡Fue realmente asombroso!

¿Qué es el Colectivo 284?
Logramos explicar muy bien el colectivo con los tres números: 284.
DOS son dos países: Portugal y Brasil, OCHO son ocho viajes creativos que pasan por Arte, Eventos, Activación de Marca, Diseño, Arquitectura, Comunicación, Interiorismo y Marketing.
CUATRO son los cuatro pilares de apoyo que son el Planeta, la Humanidad, las Conexiones y el Futuro. Nuestra comunicación tiene el compromiso de transmitir nuestra identidad, el porqué de nuestro nombre y nuestro propósito que es “284”. Hoy el mundo acepta a los que son multipotenciales. Antes ser multipotencial era un defecto, porque todos y el mercado entendían que quien hace una cosa no puede hacer otra bien. ¡Y hoy es todo lo contrario! El que hace una cosa puede y debe hacer bien todo lo que quiera.

¿Cuál ha sido el proyecto más extraordinario de laColectivo 284? 
De hecho, ¡todas las experiencias son extraordinarias! ¡No hay uno que pueda destacar! Destacaré algunos para hacerlo más fácil. Cada año creamos un evento para apoyar a una asociación que trabaja dentro de uno de nuestros pilares. El año pasado hicimos un trabajo con la asociación Entremundos que atiende a refugiados de guerra. Todavía no hubo guerra de Ucrania, se centraron en los refugiados de Afganistán y todavía se centran en los refugiados de varios países. La asociación propuso la cesión del espacio para la presentación de un libro por parte del presidente de la Asociación. Recibimos la propuesta y aceptamos. En medio de esto sucedió algo interesante, la presidenta de la asociación tenía en su celular unos dibujos de niños y adolescentes que estaban al cuidado de la asociación. Me enviaron dos o tres dibujos, hechos a lápiz, que retrataban la vida de esos jóvenes, muy dura, triste y pesada. Así que dije: “Quiero sesenta y tres dibujos para mañana”. Me enviaron los dibujos de tres jóvenes, la gran mayoría, y me uní a mi grupo de WhatsApp, donde hay alrededor de trescientos artistas, y pregunté: “¿A quién le interesa trabajar en este proyecto a favor de una asociación que cuida de refugiados? En diez minutos tenía una veintena de artistas interesados. Hicimos un hermoso libro llamado “Dale color al sueño”, los artistas colorearon las obras de los niños. ¡Fue una conexión muy hermosa! En poco tiempo, pude activar mis conexiones y crear un proyecto.
Por ejemplo, tenemos otras situaciones en elColectivo 284, como nuestra propuesta siempre permea la mezcla del arte y la activación de marcas con el marketing, también hemos tenido, por ejemplo, un evento para una marca de autos. Este coche eléctrico tiene una huella de conciencia, incluso debido a la composición del coche. Con esta propuesta, creamos todo un proyecto artístico para el lanzamiento, trayendo artistas a participar en este proyecto también. También tenemos un proyecto en curso para crear etiquetas de vino y vamos a crear una exposición con artistas que pintan con vino. Con este alcance del proyecto, no puedo nombrar uno. Todos son increíbles, cada uno a su manera y eso me hace muy feliz, porque todos acaban teniendo un papel muy grande en nuestra historia. Ahora tenemos una exposición en curso, con un artista portugués, muy conocido fuera de Portugal. ¡Mucha gente cree que es estadounidense y no que es portugués! También tenemos una exposición en nuestra galería virtual y próximamente en Metaverse.
Cada proyecto es una nueva pasión. Cada proyecto tiene un estímulo diferente. ¡Todos tienen el mismo encanto!

¿Cómo ha sido la experiencia de trabajar en Portugal?
Al principio tuve, como cualquiera que está en un país que no es su país de origen, aunque sea un país hermano, con una lengua hermana, cierta dificultad para adaptarme. Soy de São Paulo y todo paulista tiene un gran amigo portugués o un hijo de padres portugueses. En Portugal, no todo el mundo tiene un gran amigo brasileño. Entonces, me doy cuenta de que la gente en Portugal, a pesar de que hay muchos brasileños en Portugal, no tienen un contacto tan cercano como el que tenemos aquí en São Paulo con los portugueses. Como resultado, muchas veces tenemos que explicar nuestra forma de ser y nuestro comportamiento. Al principio, como el proyecto era muy diferente, tenía dos preguntas: explicarme como brasileño, para poder usar el idioma portugués, es un idioma diferente, una cultura diferente. En segundo lugar, explique un proyecto que es difícil de entender porque es muy conceptual. Afortunadamente, estas dificultades pasaron en poco tiempo. Hoy puedo expresarme con tranquilidad y creo que el mercado, en su mayor parte, ya se ha percatado del “284 power”.

¿Con qué artistas esperas trabajar?
En la propuesta deColectivo 284 Siempre queremos trabajar con artistas que ya han consolidado su carrera, y mezclarnos con artistas de carrera temprana, en ascenso y artistas que descubrimos. Así pasó en la exposición Imperfeita, había dos obras, una de un artista que ya había estado en veinte bienales y otra con su primera exposición. ¿Con qué sueño trabajar? ¡Sueño con trabajar con todos! Si pudiera resucitar a un artista, me gustaría conocer alFrida Kahlo, pero no lo hace. En prácticamente un año y medio, el Colectivo 284 ya ha producido exposiciones con sesenta artistas. Para fin de año, se deben sumar otros veinticinco artistas. El próximo año la propuesta es aún más grande porque voy a entrar al Metaverso y entonces la escala es mucho más grande.

¿Puedes elegir una exposición que marcó significativa?
Una exposición que me impactó mucho fue en Brasil hace más de veinte años, llamada redescubrimiento. Esto conmemoró el 500 aniversario del descubrimiento de Brasil y me dio una visión general del poder del arte brasileño. Me quedé siete horas para ver todo porque es muy grande. Trajo artistas de todo Brasil que se consideran artesanos, junto a artistas de renombre.
En el Colectivo 284, como curador, la primera exposición Imperfeita, por dar origen al proyecto y otros. Otra exposición que me gusta y que está en exhibición ahora, de la cual soy co-curador, aquí en Brasil, se llama arte de viajar. Es una exposición con treinta y cinco artistas brasileños y un artista portugués, que habla de cualquier tipo de viaje, dentro o fuera, a un lugar o una idea. Así, son treinta y cinco obras las que retratan este arte de viajar. Es una exposición que recorrerá varias ciudades de Brasil. Estos son los tres momentos que me gusta destacar hoy. Mañana tal vez sean otros.

¿Cuáles son los temas que deberían ser más debatidos en el mundo del arte?
No puedo entender una propuesta artística que no sufra evolución de alguna manera. Creo que cualquier propuesta, en cualquier lenguaje artístico, tiene que ser para la evolución, ya sea para el autoconocimiento, para la protección de la vida humana en el planeta o incluso para comprender el consumo de las emociones humanas. Creo que cada artista, con su poética, logra tocar algún tema o reflexión que lleva a la evolución. Puede parecer demasiado vago decir eso, pero allí contempla todos los aspectos artísticos y todas las poéticas artísticas. Otro tema interesante que he visto mucho estos días, por ejemplo en las grandes exposiciones de Brasil y en la Bienal de São Paulo, es el tema del Arte Indígena.
También noto algunas grandes exposiciones y grandes movimientos artísticos, que hablan de la preservación de la vida en el planeta. En algunas situaciones percibo un poco mal a los artistas e incluso a las marcas que patrocinan. En mi opinión, en ese sentido, porque no se trata de salvar el planeta, se trata de salvar la propia vida humana. ¡El planeta no morirá! No vamos a destruir el planeta, nos vamos a destruir a nosotros mismos si seguimos así. El planeta se recupera y vuelve a su plenitud, nosotros no. Esto es muy dramático, me doy cuenta que muchos artistas empiezan a entender el significado, quitando la arrogancia del hombre y mostrando la pequeñez del hombre frente a la naturaleza. Este es un tema con el que los artistas pueden trabajar sin ser algo apocalíptico, sino algo en el sentido de crear conciencia basada en las emociones humanas.
Si tuviera que resaltar temas que me llaman la atención, serían la preservación de la vida en el planeta, con varias poéticas y varios caminos, y emociones humanas. Actualmente, creo que estos son dos temas que necesitan ser debatidos ampliamente.

En tu opinión, ¿quiénes son los artistas que están transformando el panorama artístico actual?
¡Artistas callejeros! Son los artistas que más conocimiento tienen y que están preparados para la adversidad. Como están acostumbrados a pintar en el extranjero, conocen los problemas y todo lo que pasa en la calle, ya que tienen mucho contacto con otras personas. El arte es una búsqueda muy solitaria, porque el artista suele estar solo en el estudio. Los artistas callejeros tienen más contacto con los demás. Por lo tanto, pueden transmitir su mensaje e idea más rápido. Lo que premia a los artistas del arte urbano es que todos, desde el artista más famoso hasta el artista que nadie conoce de una región periférica, desarrolle una labor social. En mi opinión, ¡son los más preparados ahora mismo!

¿Cuál es tu consejo para los jóvenes artistas, curadores, productores, entre otros agentes, que actualmente están dando sus primeros pasos en este mundo?
 ¡Persiste y trabaja! El artista no puede olvidar que es el representante de su propia marca. No se puede delegar en otra persona que sea 100% representativa de su arte. Por supuesto, debe tener un encargado, para que el proceso se haga con más calidad, pero debe conocer todo el proceso en sí. Es un trabajo como cualquier otro. ¡Ser artista es una profesión! No hay don que venga de Dios o de una inspiración divina. ¡No existe! ¡Todo es trabajo! Entonces, el consejo es estudiar mucho, trabajar duro. Cuando encuentres un tema poético que tenga sentido para ti, ¡sumérgete! Tendrás que enfrentarte a todo y a todos para asegurar este tema, porque a veces el tema aún es “demasiado pronto” para el mercado o el artista aún no ha conocido a las personas adecuadas. Hay que invertir en poética, de nada sirve que el artista entre en una línea en la que no cree, pero que coincide con las casas de la gente, sólo para vender la obra. Cuando hace eso y abre las puertas de una prisión, ya no sale de ella.
Es necesario crear sentido para el artista, porque si no lo hace, la obra sola muere en poco tiempo. Entonces es eso; estudia mucho, date cuenta que es una profesión, que hay que trabajar y no todo viene de la inspiración divina. Esto también se aplica a los curadores, ya que también tienen que estudiar mucho para tener un conocimiento mínimo del mercado, la tecnología y la disponibilidad de trabajo de otros curadores. Saber qué hay para promocionar y potenciar tu trabajo, porque sin eso el trabajo muere dentro del estudio, en la pared. Entender cuáles son esas posibilidades para potenciar la difusión y venta de obra, encontrando alianzas con proyectos confiables y bien diseñados.
Hay posibilidades en el mundo físico y en el mundo virtual; entonces es comprender y conocer todas las herramientas disponibles y rodearse de otras personas que sean competentes. En mi opinión, tanto el artista como el curador deben trabajar duro, tener conocimiento, tratar de comprender nuevas herramientas como los activos digitales y conseguir las asociaciones adecuadas.

Si tuvieras la posibilidad de elegir una obra de arte para tu “colección personal”, ¿cuál sería?
Elegiría una obra que me da miedo, pero me parece increíble: The "Scream" (El Grito) de Edvard Munch. Este trabajo fue muy poderoso y fuerte para mí. Creo que a muchas personas, por ser una obra que ya han visto tanto, no les impresiona su potencia. Tuve el privilegio de ver esta obra a cincuenta centímetros de distancia, y me quedé paralizado durante mucho tiempo frente a ella para comprender su poder. Fue el trabajo que más me conmovió. He visto "Guernica" de Pablo Picasso de cerca, la “Mona Lisa” de Da Vinci y otras obras de varios artistas brasileños importantes, pero nada me dejó en ese estado como el Grito. Si fuera posible, me gustaría tenerlo, aunque la emoción que me causa no sea positiva, ¡pero es tan fuerte!

Finalmente, ¿cuáles son los eventos culturales que más esperas visitar en 2022?
Este año, la Bienal de São Paulo fue interesante. Hay muchas exhibiciones inmersivas en São Paulo, cada una con un artista diferente y todas deben ser vistas. De hecho, cada vez que tengo la oportunidad, voy a una exposición, ya sea una mega exposición muy publicitada o incluso una exposición de menor publicidad. Creo que para un curador y artista es importante ver varias propuestas diferentes de curaduría y exhibición, porque puedes tener una colección de información, donde puedes buscar información allí con una referencia para la creación de una obra. Me gustaría mucho verla, pero no creo que vaya a Portugal, una exposición que hay en México, en el museo deFrida Kahlo. En el futuro, me gustaría mucho ver una exposición mía en el metaverso, en un entorno virtual, con mucha gente dentro de la galería. De hecho, he realizado algunas reuniones en el metaverso y es increíble. Estás en el espacio virtual, que es muy similar al espacio físico con otra poética, en el que el avatar puede o no parecerse a ti y puedes hablar con otras personas como si estuvieras en una fiesta. Ya he hecho pruebas en nuestra galería de metaversos con cuatro o cinco personas, pero quiero hacerlo con doscientas, y ver cómo va. La experiencia que quiero tener en el futuro es ver esto en mi galería para probar lo que puedo hacer.