Arte, activismo y ecología: ¿puede el arte cambiar el mundo?

El tiempo de las transformaciones
El siglo XX estuvo marcado por grandes cambios sociales, políticos, económicos y, simultáneamente, en el mundo artístico, la expansión del concepto de arte. Las vanguardias rusas, las prefabricados de Marcel Duchamp, los collages de Pablo Picasso y Georges Braque, entre otras creaciones, han transformado nuestra percepción de una obra de arte.En la década de 1960, las preocupaciones ambientales y ecológicas comenzaron a surgir en el campo de las artes, y los artistas cuestionaron, en sus obras, nuestra propia supervivencia y las consecuencias de la acción humana sobre los recursos naturales. En una época en la que se pensaba que el arte pertenecía a un espacio cerrado, a los museos y galerías, un número creciente de artistas comenzó a producir al aire libre. Al realizar esta acción, renovaron la idea de la noción de exhibición, cuestionaron el encuadre del arte y esta separación y ampliaron el concepto de arte. El arte deja de ser una representación para convertirse en parte integral de la vida. De esta forma, el arte en sí mismo no tiene la función de explicar la vida, sino de cambiarla. Pero, ¿puede el arte realmente cambiar el mundo?

Agnes Denes y Alberto Carneiro:arte ecológico?
En la década de 1960, con el fin de potenciar la armonización y la reparación con la naturaleza, muchos artistas comenzaron a producir obras en las que la naturaleza era el material mismo. Las preocupaciones de los artistas con los actos del ser humano en el medio ambiente se reflejaron en el campo de las artes a través de obras producidas a partir de la propia naturaleza fuera y dentro de galerías o museos.Así, vemos el crecimiento de movimientos como el arte de la tierra que vinculan el arte y la naturaleza, utilizando el medio ambiente, las playas, las montañas, los desiertos y sus recursos naturales como la tierra, la madera, la roca, la sal, las hojas, entre otros materiales, como lugar y material de experimentación.Agnes Denes, actualmente conocida como pionera del arte ecológico, se hizo conocida por la monumental obra de arte público "Wheatfield—A Confrontation" (1982), un campo de trigo en Nueva York, que critica la mala gestión del hambre en el mundo, los alimentos, los desechos, la energía. , el comercio, el comercio, el uso de la tierra y la economía.Debido a la elección del espacio y los materiales, estas obras son efímeras y, a menudo, solo se conservan a partir de fotografías. Los artistas salieron de los museos para ampliar su producción en la naturaleza con el fin de criticar la propia industria cultural, es decir, el mercado del arte, sin embargo, estas obras actualmente son gestionadas y conservadas por los museos, reduciendo la finalidad artística de la naturaleza efímera de la obra. Junto al desarrollo de arte de la tierra, conceptos como ecología y sustentabilidad, comenzaron a cobrar gran importancia en la vida de la población.En Portugal, debido al contexto político, hubo un retraso en relación a las prácticas artísticas de Europa y Estados Unidos de América. Alberto Carneiro fue uno de los artistas que exploró el uso de materiales naturales en el campo de la escultura. Esto no estaba relacionado con arte de la tierra sino a la memoria de un mundo rural que le era cercano. De esta manera, vemos reflejadas en su producción las preocupaciones de los artistas, ya sean preocupaciones ecológicas o la simple intención de experimentación artística en la naturaleza. 

Proyectos de renovación urbana ecológica de Joseph Beuys
En la década de 1970, Beuys comenzó a realizar varios proyectos de protesta ecológica. Por ejemplo, en 1971, realizó la protesta “Superar la dictadura del partido ahora”, en el que la gente tenía que barrer el suelo del bosque y pintar cruces y círculos blancos en todos los árboles que iban a ser talados. En 1972, durante la Documento V estuvo cien días, día y noche, discutiendo y dialogando con los visitantes.En la década de 1980, creó el proyecto “Spüfield Altenwerder”, en el que se plantaron arbustos y árboles en los apartamentos contaminados de Altenwerder. En 1982, por laDocumento VIII, Beuys planeó plantar 7000 robles en toda la ciudad de Kassel. Para animar a la población, amontonó 7000 piedras en el jardín frente al Museo Fridericianum, durante el evento de documentos. Cualquiera podía plantar el árbol junto con una piedra (Cada roble estaba asociado con una piedra de basalto). Además del impacto visual de las piedras en el jardín que terminan obligando a las personas a actuar, Beuys al establecer esta unión también fue sin duda pensado en la ayuda en el crecimiento y estabilidad que la piedra concebiría en el árbol. Este proyecto "7000 robles” tardó cinco años en completarse, siendo simbólicamente el último roble plantado por el hijo del artista. En 1984 instaló la escultura “Olivestones” que promovía la descontaminación del lago en el casco urbano de Hamburgo. Estos proyectos todavía se ven hoy como gestos de renovación ecológica urbana.

¿Es la Escultura Social una forma de activismo?
En esta década dominada por el discurso estético y las prácticas artísticas sociales, se advierte que la teoría de la Escultura Social de Beuys y sus prácticas estaban completamente involucradas en el contexto y en la mentalidad alemana de los años 60. Este concepto surgió como una forma de explicar la extensión de su pensamiento en relación con el art.El artista alemán amplió el concepto de escultura, refiriendo que esta tiene la capacidad de ampliar sus posibilidades, pudiendo constituirse en varios formatos y estar en constante mutación. De esta manera, la escultura puede consistir en formas invisibles al igual que el pensamiento y el diálogo. La idea de Escultura Social es la fusión de este concepto ampliado de escultura para la sociedad.

“Mis objetos deben ser vistos como estimulantes para la transformación de la idea de escultura, o del arte en general. Deben provocar la reflexión sobre lo que puede ser la escultura y cómo el concepto de esculpir puede extenderse a los materiales invisibles utilizados por todos: Formas de pensamiento: cómo moldeamos nuestros pensamientos o Formas habladas: cómo moldeamos nuestros pensamientos en palabras o Escultura social: cómo moldear y dar forma al mundo en el que vivimos: La escultura como proceso evolutivo; todo el mundo un artista.-Joseph Beuys

Al ampliar el concepto de escultura, en consecuencia también se amplía la idea de arte. Para Joseph Beuys todos los actos humanos pensados y estructurados son actos creativos. Así, los pensamientos o diálogos que pretenden provocar un proceso de evolución en la sociedad son considerados una Escultura Social, una integración del arte como parte de la vida. El artista alemán creía que la única fuerza capaz de cambiar la humanidad y el orden social era el arte, basado en la creatividad humana. De esta manera, la creatividad debería ser la moneda de cambio de las relaciones humanas, más que el capital o la ganancia. Basado en el concepto de Escultura Social, Beuys pensó en el arte no como un objeto que guía una acción, sino como una solución a los problemas sociales, a saber, los ecológicos.A partir de esta idea, en la actualidad todavía existen artistas que producen piezas que se enmarcan en el concepto de Escultura Social en la medida en que intentan transmitir o provocar una transformación en la sociedad. ¿Cómo los artistas de hoy siguen dando continuidad al pensamiento de Joseph Beuys?

Proyectos de arte involucrados en el activismo y la ecología.
El artista Rirkrit Tiravanija, al igual que Beuys, también estableció en su práctica una unión entre el arte y la vida. A fines de la década de 1990, el artista creó “La tierra”, un proyecto de restauración ambiental en Sanpatong, Tailandia. En este espacio abierto a la comunidad, las personas pueden cultivar, construir casas sustentables, entre otras actividades que conducen a la experimentación y el debate.
Hay otros proyectos que involucran a la comunidad para establecer un nuevo contacto, una nueva experiencia, como “Brodno 2000”. En febrero de 2000, el artista Pawel Althamer tuvo que contactar a los residentes del bloque de apartamentos en el número 13 de la calle Krasnobrodzka en Varsovia para que lo ayudaran con su pieza. Cerca de 200 familias participaron en este proyecto, encendiendo y apagando las luces en ventanas específicas, para formar el número “2000” en la fachada del edificio durante media hora. En Documento XI en 2002, Thomas Hirschhorn construyó “Monumento a Bataille”, una instalación homenaje al filósofo George Bataille, ubicada en Friedrich-Wöhler Siedlung, en un suburbio socioeconómico de Kassel. Consistía en una biblioteca, una exposición, una cafetería, una escultura y un estudio de televisión donde se realizaban seminarios y conferencias. El artista construyó un nuevo espacio alternativo donde la comunidad residente y los visitantes de la exposición realizaban actividades comunes.

Bordalo II
El artista portugués Artur Bordalo, conocido como Bordalo II, se hizo famoso por utilizar la basura de la calle para crear impresionantes esculturas de animales, con el propósito de alertar a las personas sobre la contaminación y todo tipo de especies que están en peligro de extinción. A partir del street art desarrolló su práctica, evolucionando hacia lo que ahora se considera “trash art”. Desde 2012, Artur Bordalo ha creado alrededor de doscientas esculturas de animales utilizando más de 60 toneladas de materiales reciclados. Los objetos antes abandonados -las placas, los neumáticos, las puertas- en manos de Bordalo II adquieren una función estética y comunicativa, en forma de animales. El artista portugués quiere representar una imagen de la naturaleza en sus obras, a partir de lo que las destruye: basura, desechos y contaminación, expresando claramente una crítica al consumismo y ofreciendo una solución sostenible. Sus instalaciones "Big Trash Animals", repartidas en varios lugares del mundo, públicos o museos, gritan sobre la necesidad de la sostenibilidad socioecológica. En las calles de su ciudad natal, una serie de obras, ”Provocative” y “Train Tracks”, interactúan con el tejido y el mobiliario urbano, presentando una nueva mirada crítica a la sociedad, sus actores y limitaciones. Estas pequeñas intervenciones efímeras buscan ser un vehículo de comunicación y sensibilización a través del arte, abordando así temas tan diversos como la contaminación, la explotación de la mujer, el sensacionalismo mediático, la conectividad y el control, entre otros.

Crédito de la foto Bárbara Picci

pedro reyes
Recientemente, en 2007, en la ciudad de Culiancán en México, el artista Pedro Reyes organizó una campaña en la que los ciudadanos podían donar voluntariamente sus armas a cambio de cupones. Estos podrían usarse en las tiendas locales a cambio de electrodomésticos y otros objetos electrónicos. Esta campaña se ubicó en una ciudad con una alta tasa de mortalidad por armas de fuego. Se recogieron 1527 armas, de las cuales el 40% fueron armas automáticas de alto poder de uso militar. Estos fueron transportados a una zona militar para ser aplastados públicamente por un compresor. Luego de este acto, las piezas fueron transformadas en 1527 palas que fueron distribuidas por diferentes instituciones de arte y escuelas para que estas palas ayudaran en la plantación de 1527 árboles.

¿Cuál es el potencial del Arte?
Todas estas obras son desafiantes y provocan tensiones entre los espectadores, los participantes y los espacios donde se desarrollan. ¡Comprenda, a partir de estos proyectos, el potencial del arte para educar y transformar el mundo! Al establecer una confrontación contemplativa, crean debates sobre los problemas sociales, estructurales y políticos de los espacios involucrados. Estos artistas ignoran la división entre el arte y la vida, haciendo su contribución artística para construir o mejorar el entorno de la comunidad. A través de actividades cotidianas, estos artistas involucran a la comunidad, crean estructuras y realizan colaboraciones para que haya una transformación social.
Sin embargo, ¿cuál es el verdadero potencial del arte en relación a su posible transformación en la sociedad?

¿Puede el arte cambiar el mundo?
Al analizar las obras referidas, se percibió que el arte en sí mismo no puede cambiar directamente el mundo, sino más bien plantear preguntas sobre él. El arte puede modificar nuestra visión, llevando al espectador a cuestionarse sobre diversos temas que pueden ser políticos, económicos o ecológicos. El arte tiene el poder de informar, aclarar o cuestionar y esto puede llevar a la transformación.
¿Los artistas actualmente creen que están cambiando el mundo a través de sus acciones artísticas? Joseph Beuys creía que el arte podía curar el mundo. En contraste con esta idea, los artistas de hoy, en su mayoría, no consideran que sus obras de arte estén cambiando directamente el mundo. Comparten la visión de que el arte puede plantear preguntas y que estas pueden conducir a la transformación social. El concepto de Escultura Social persiste en el contexto de transformación social, basado en la creación de estructuras comunitarias que confrontan y generan debates sobre dificultades y problemas sociales, ecológicos, políticos o económicos.