5 exposiciones de arte para visitar en junio de 2022

¿Qué visitar en junio?
¿Qué hay de nuevo en el mundo de la fiesta en junio? ¿Quieres saber cuáles son las exposiciones durante este mes? Las novedades en el mundo artístico se multiplican de tal manera que, según nos damos cuenta, los hechos ya han sucedido. Descubrir un nuevo espacio para visitar parece sencillo, pero puede convertirse en una tarea complicada. Para que puedas disfrutar la primavera de la mejor manera, P55 armó una lista de cinco exposiciones de arte que se llevaron a cabo durante el mes de junio. ¿Ya tienes planes para el próximo mes? Echa un vistazo a esta guía y descubre la propuesta perfecta para ti.
(Los textos curatoriales presentes se publican en las galerías/museos)

Lehmann + Silva
DANIEL LERGÓN
28.05.2022 - 16.07.2022
CLARO
Estimulado por su curiosidad por los acertijos científicos, Daniel Lergon experimenta con efectos de luz y reacciones químicas. Aunque se llama a sí mismo pintor, rara vez usa pintura. En obras tempranas, como Cold Fire (2008), aplicó barniz transparente a tejidos de alta tecnología, explorando la óptica y la percepción, mientras que en Lapetus (2010), utilizó materiales retrorreflectantes para resaltar el contraste entre la luz y la oscuridad. En trabajos recientes, combinó metales elementales como cobre en polvo, zinc y hierro oxidado con agua para formar patrones efímeros. Lergon cree en un enfoque fenomenológico de la experiencia de una obra de arte, sosteniendo que el espacio de una pintura funciona como un “espacio propio”, en el que uno tiene una reacción personal a la materia física.

Museo Berardo
Julião Sarmento. Abstracto, Blanco, Tóxico y Volátil
Exposición temporal 12/05/2022 - 01/01/2023
La exposición Abstract, White, Toxic and Volatile, título de una pieza de 1997, es la primera gran exposición que se realiza tras la muerte de Julião Sarmento, reuniendo un conjunto muy significativo de obras que marcaron su carrera y cuya selección fue el resultado de una estrecha colaboración entre el artista y la comisaria de la exposición, Catherine David.
Fue un proyecto por el que el artista luchó y en el que se comprometió de manera extraordinaria. El diseño de esta exposición y la disposición de las obras en las salas se finalizaron dos meses antes de su muerte. Para Julião, la instalación de sus obras en el espacio era parte integral de las obras que exhibía, ya que consideraba de capital importancia la relación que se establecía entre la obra, el espacio que la rodea y el espectador. Abstract, White, Toxic and Volatile es una exposición en la que Julião está muy presente y en la que no sólo podemos sentir la sensualidad de sus texturas y la complejidad de sus composiciones, sino también descubrir sus imágenes enigmáticas, delicadas y perversas, en un enorme sofisticación plástica y teórica, sus obras no presentan conclusiones, tesis o hipótesis. No hacen preguntas ni dan respuestas; más bien, proponen que juguemos su juego entre el disimulo y la revelación, y que construyamos nuestras historias.
 Julião Sarmento nació en Lisboa el 4 de mayo de 1948. Asistió a los cursos de Arquitectura y Pintura de la ESBAL entre 1967 y 1974. Fue uno de los artistas portugueses con una trayectoria internacional más sólidamente asentada, habiendo construido una trayectoria artística de enorme coherencia, riqueza y intensidad
En constante renovación y en estrecha conexión con las prácticas artísticas de su época, que van desde el post-pop hasta la actualidad, utilizó una gran variedad de medios y técnicas, como la fotografía, la pintura, el collage, el dibujo, la escultura, la performance y el cine. , para desplegar un vocabulario conciso de imágenes ambiguas. El artista estuvo muy influenciado por la cultura anglosajona y por los temas e imágenes de la literatura y el cine, muy presentes en sus obras a través de citas y montajes. Su obra tiene una dimensión performativa y teatral, acumulativa por la constante convocatoria de temas y representaciones atemporales —como la mujer, la sexualidad, la transgresión, la memoria, la dualidad, la casa, la palabra— que funcionan como ejes estructurantes de sus construcciones. Su carrera comienza en los años setenta, más precisamente en 1974, cuando comienza a utilizar la fotografía no como medio de representación sino para captar, enumerar y escenificar situaciones, centrándose en los detalles.
Sus pinturas confrontan fragmentos, imágenes de glamour y violencia, con la palabra, que aparece como una forma de investigar la ambivalencia de las cosas, como un juego de significados entre lo que se manifiesta y lo que se oculta. Esta dimensión fragmentaria que Julião Sarmento explorada en sus obras a lo largo de su carrera, progresivamente simplificada y refinada en los años ochenta y noventa, cuando su pintura se vuelve más sobria, más mínima.
Fue en los años ochenta que Julião Sarmento se da a conocer como pintor, asociado al llamado «retorno a la pintura», y que inicia su andadura internacional, participando en la documenta de Kassel en 1982 y 1987. La época de sus White Paintings, en la que predomina el dibujo a grafito sobre fondo blanco y en el que la figura femenina es representada con enorme sobriedad y sutileza, coincide con el pleno reconocimiento nacional cuando representó a Portugal en la 46 Bienal de Venecia, en 1997. Igualmente importantes fueron sus colaboraciones con Atom Egoyan, en la 48 Bienal de Venecia, en 2001 , y con John Baldessari y Lawrence Weiner, en una película realizada en 2004. alexander Melo, Nancy Spector, Delfim Sardo, Hubertus Gabner, James Lingwood, Adrian Searle, Louise Neri, entre otros, quienes se interesaron y escribieron sobre sus obras. — Rita Lougares, directora artística

São Mamede
14 de mayo – 30 de junio de 2022
OTRO LUGAR II de Fernando Gaspar
la pintura de Fernando Gaspar se vincula a una abstracción gestual con un Retenue que significa una aproximación entre Pierre Soulages y los negros profundos de Hans Hartung, procesos de trabajo donde la experiencia del pintor se aproxima al pintor de caballete, École de Paris y posteriormente al movimiento Rapard - Surface. Fernando Gaspar En su línea de trabajo no se preocupa por establecer paralelismos con la realidad visual, ve a través de su síntesis, su línea se sitúa en una abstracción, donde el papel de la imagen se refiere a su propia profundidad visual. Donde esos fondos parecen nubes de un mundo donde la pintura misma reside en vacíos, ¡ese es el secreto! Con un colorido proyectado sobre una línea que nos lleva a un compás de espera entre la composición y la profundidad de la imagen reflejada en la imagen del propio cuadro, todo ello aclara que la abstracción se proyecta sobre el lienzo, pero es él quien observa. y define lo que es indefinible. Si tenemos en cuenta que siempre es difícil definir la pintura con palabras, entendemos que la pintura de Fernando Gaspar elige un camino solitario, silencioso, proyectado en una aventura, relacionándose entre la pintura y el diálogo, que la propia pintura interioriza. El color aparece no como una nota decorativa sino en el recorrido donde se proyecta casi monocromático dentro de una experiencia del color monocromático mismo, el tono, los tonos que utiliza en cada cuadro hacen que la composición creada refleje una obra de dualidad donde la fuerza reina en una gestualidad dual entre la línea y el lienzo. Es interesante notar que la intención de este artista siempre parece ser la misma, marcando una posición distinta, en un minimalismo variando en series donde se proyecta lo idéntico, siendo siempre diferente, la solitaria persistencia de este pintor se concentra en una profunda atención a entender dónde está la sutileza, la diferencia de lo mismo siendo diferente. No quiero dejar de mencionar que su pintura es algo que deja en su profundidad un sinfín de huellas. Fernando Gaspar se sitúa entre los gestos abstractos y contemplativos de la nube que aparece en la textura del lienzo y la distancia en su recorrido. Esta coherencia entre la profundidad del diálogo que establece entre el oficio que toma la forma de pintura. Doy alcance absoluto a este misterio de lo concreto de lo visual, donde domina la técnica de las cenizas de carbón, yendo actualmente a la escultura que termina y permanece en la pintura de los paneles, pintura que nos conmueve en la fundación de la cultura y en la diferencia de lo que genera. Representar la memoria, los recuerdos en el tiempo, el tiempo dedicado a la pintura por parte del artista que transmite su visión plástica interior. — João Moniz, curador

centro de arte del olivo
Entre Palabras y Silencios – Obras de la Colección Norlinda y José Lima
18 de marzo — 30 de diciembre de 2022
Curaduría: Luisa Soares de Oliveira
Entre pinturas, dibujos, fotografías, esculturas e instalaciones, creadas por algunos de los artistas contemporáneos más reconocidos, tanto portugueses como extranjeros, esta exposición destaca la diversidad de la Colección Norlinda y José Lima en términos estilísticos, temporales y geográficos. Las obras seleccionadas contextualizan el dualismo entre discurso y silencio en el arte contemporáneo. Según la curadora Luísa Soares Oliveira, “entre las obras que apelan a la narrativa y las que parecen exigir el silencio, cada uno de nosotros construirá un camino personal, sabiendo de antemano que también incluye los recuerdos y experiencias que traemos con nosotros. La exposición invita al público a establecer por sí mismo los discursos, los silencios y las conexiones que emergen frente a las obras, brindándoles sus instrumentos para comprender la expresión artística, y es al ejercicio de esta libertad a lo que pretende responder esta exposición”.
La Colección Norlinda y José Lima es una de las colecciones de arte privadas más grandes del país: comprende aproximadamente 1.200 obras de arte, que representan alrededor de 250 artistas portugueses y 230 artistas internacionales. Se inició en 1980 y abarca un período de casi cien años, entre 1926 y 2020, con una mayor concentración en la producción artística de los últimos cuarenta años. La colección, almacenada en el Municipio de S. João da Madeira desde 2008, es accesible al público a través de un programa regular de exposiciones en el Centro de Arte Oliva.
Artistas: Adriana Varejao, Álvaro Lapa, Ana Hatherly, Ana Jotta, Ana Luísa Ribeiro, Ana Vieira, André Cepeda, Andrés Serrano, Andy Warhol, Ângela Ferreira, Ângelo de Sousa, Anish Kapoor, António Dacosta, António Olaio, António Palolo, Arlindo Silva, Árpád Szenes, Bernard Rancillac, Carlos Correia, Cindy Sherman, Cristina Iglesias, Damien Hirst, Daniel Melim, Diogo Pimentão, Domingos Pinho, Eduardo Arroyo, Eduardo Batarda, Eduardo Chillida, Erró (Guðmundur Guðmundsson), Fátima Mendonça, Fernando Calhau, Fernando Lanhas, Francisco Tropa, Franz West, Gaëtan, Gonçalo Pena, Graça Morais, Helena Almeida, Henri Michaux, Jacques Monory, João Galrão, João Hogan, Juan Jacinto, João Louro, João Maria Gusmão + Pedro Paiva, João Onofre, João Pedro Vale + Nuno Alexandre Ferreira, João Vieira, Joaquim Bravo, Joaquim Rodrigo, Jorge Queiroz, José de Guimarães, José Loureiro, José Pedro Croft, Julia Ventura, Julião Sarmento, Júlio Pomar, Leda Catunda, Lourdes Castro, Luisa Correia Pereira, María Capelo, María Condado, María Helena Vieira da Silva, Mariana Gómez Mário Cesariny, Mauro Cerqueira, Michael Biberstein, Michelangelo Pistoletto, Musa Paradisíaca, Nan Goldin, Nikias Skapinakis, Noronha da Costa, Nuño Siqueira, Paula Rego, Pedro Cabrita Reis, Pedro Calapez, Pires Vieira, Robert Combas, Robert Rauschenberg, Rui Chafes, Sandra Baía, Sara Bichão, Sérgio Fernandes, Sol Lewitt, Susanne SD Themlitz, Tiago Baptista, Valerio Adami, Victor Vasarely.

Centro Internacional de las Artes José de Guimarães
7 DE MAYO - 18 DE SEPTIEMBRE 2022
“Voz Multiplicada” reúne a un grupo de artistas que exploran la sustancia narrativa de la voz o que entienden el museo como un espacio de resonancias, singularidades y distorsiones. “Voz Multiplicada” también evoca el tiempo de escuchar y hablar en el museo.
En los últimos diez años, el CIAJG ha consolidado un proyecto que aúna experimentalidad, libertad y rigor, basado en la obra de José de Guimarães y sus colecciones. El ciclo artístico “Más allá de la historia”, imaginado por Nuno Faria, lanzó la idea de un “museo-laberinto” que pretendía “reencantar” nuestra percepción, a partir de las cosas visibles e invisibles. Más que un programa expositivo, el CIAJG afirmó, en esos años, la idea del encuentro como un ritual. Recientemente, bajo el signo incierto de la pandemia, inauguramos un nuevo momento para el CIAJG que es la suma de lo que viene de atrás, y que suma otros rumbos y otras visiones. “Al margen de la ficción”, título del actual ciclo artístico, sitúa la ficción en el centro de nuestras reflexiones. Ficción que tiene su propia realidad, y nos hace experimentar nuevas formas de relacionarnos. Imaginar el futuro del CIAJG es querer construir nuevos sentidos con la léxico que se sembró: encanto, historia, ficción... Y afirmar el ritual del encuentro como posibilidad de activación del museo.