5 artistas: celebra el Día de Europa
Celebra el día de Europa
El Día de Europa conmemora la firma de la 'Declaración de Schuman' el 9 de mayo de 1950. Un ambicioso plan para asegurar la paz a largo plazo en la Europa de la posguerra que se considera el comienzo de lo que ahora es la Unión Europea. La importancia de trabajar por la paz en Europa es aún más evidente cuando destacamos nuestra unidad y solidaridad con Ucrania. En mayo, las instituciones de la UE invitan a las personas a una amplia gama de actividades en línea y presenciales en todos los Estados miembros de la UE, así como en las sedes de las instituciones de la UE en Bruselas, Luxemburgo y Estrasburgo. Como el Año Europeo de la Juventud 2022 destaca a los jóvenes de Europa y con las voces de los ciudadanos amplificadas por la Conferencia sobre el Futuro de Europa, nunca ha habido un mejor momento para reunirnos, discutir los desafíos que todos enfrentamos y crear un futuro mejor para Europa. que funciona para todos. Explore artistas que han estado transformando el paradigma del arte europeo recientemente.
Ana Aragão
Ana Aragão se unió a P55.ART en un proyecto solidario con el pueblo ucraniano. el artista Ana Aragão creó una serie limitada de grabados, basada en la obra “A dream we dream together”, con el fin de apoyar al pueblo ucraniano. Esta serie está compuesta por 150 ejemplares, firmados y numerados, todos acabados a mano por el autor (lápiz color). “Un sueño que soñamos juntos” por Ana Aragão estuvo a la venta en P55.ART por valor de 250,00 € y lo recaudado revirtió íntegramente a tres instituciones que ayudan a las familias afectadas por el conflictos Sobre este proyecto, el artista afirma: «Parte de mi trabajo es imaginar lo que No sé, la otra parte, construir utopías/distopías. Este es el momento de construir utopías. La utopía de un territorio libre de amenazas, donde el colorido barrio “Comfort Town” se convierte en la base de la luminosa Catedral de Santa Sofía, el primer monumento El ucraniano se agregará a la Lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO. Esta es una imagen de luz y de la paz, un manifiesto para la valiente resistencia de todos aquellos que no pueden conforme a las tragedias humanas. Que todos los que huyan encuentren uno nueva "ciudad de la comodidad.» Asociaciones piden apoyo para poder ayudar directamente a los niños familias abandonadas y familias de acogida en Ucrania, afirmando que "ningún niño debe ¡duérmete y despierta con miedo por tu propia vida!” el artista portugués Ana Aragão se dedica exclusivamente al dibujo, explorando el tema de los imaginarios urbanos y la arquitectura de papel. Algunos de tus proyectos Los eventos recientes incluyen la participación de la Representación portuguesa en la edición 2014 de la Bienal de Venecia, participación en el Pabellón Italiano de la Bienal de Venecia 2021 y la exposición “No plan para Japón" en el Museu do Oriente, Lisboa. El proyecto cuenta con el apoyo de Lumen Studio and Design, Porto y Spiralpack.
Bordalo II
“medusas iluminadas” por Bordalo II estuvo expuesta en el edificio Europa, en Bruselas. La obra “pretende reflejar la preocupación del artista por la contaminación de los océanos”, según un comunicado de la Presidencia portuguesa. “Aborda el tema de la producción de basura, los desechos, la contaminación y sus efectos nocivos en el planeta. La naturaleza se representa a partir de lo que la destruye: materiales al final de su vida útil, encontrados en solares baldíos, en fábricas abandonadas u obtenidos directamente de empresas que necesitan disponer de ellos. Los gigantescos animales escultóricos de Bordalo II nos obligan a mirar nuestros hábitos de consumo bajo una luz completamente nueva. Y es precisamente esta mirada la que debe guiarnos hacia una de las prioridades de la Presidencia del Consejo de la UE: una Europa verde, verdaderamente ecológica” El artista portugués Artur Bordalo (1987), conocido como Bordalo II, se hizo famoso por utilizar la basura de la calle para crear impresionantes esculturas de animales, con el propósito de alertar a las personas sobre la contaminación y todo tipo de especies que están en peligro de extinción. A partir del street art desarrolló su práctica, evolucionando hacia lo que ahora se considera “trash art”. Su pasión por la pintura se remonta a su infancia, cuando pasaba horas y horas viendo pintar a su abuelo en su estudio y también por los bajos fondos de la ciudad de Lisboa, fuertemente influenciados en ese momento por las prácticas de graffiti. Comenzó a pintar con aerosol paredes en las calles a la edad de 11 años, con el nombre artístico Bordalo II, en honor y resaltar el legado artístico de su abuelo Artur Real Bordalo (1925-2017). En el curso de pintura de la Academia de Bellas Artes de Lisboa, descubrió la escultura, la cerámica y comenzó a experimentar con los más diversos materiales. Desde 2012, Artur Bordalo ha creado alrededor de doscientas esculturas de animales utilizando más de 60 toneladas de materiales reciclados. Los objetos antes abandonados -las placas, los neumáticos, las puertas- en manos de Bordalo II adquieren una función estética y comunicativa, en forma de animales. El artista portugués quiere representar una imagen de la naturaleza en sus obras, a partir de lo que las destruye: basura, desechos y contaminación, expresando claramente una crítica al consumismo y ofreciendo una solución sostenible. Sus instalaciones "Big Trash Animals", repartidas en varios lugares del mundo, públicos o museos, gritan sobre la necesidad de la sostenibilidad socioecológica. En las calles de su ciudad natal, una serie de obras, ”Provocative” y “Train Tracks”, interactúan con el tejido y el mobiliario urbano, presentando una nueva mirada crítica a la sociedad, sus actores y limitaciones. Estas pequeñas intervenciones efímeras buscan ser un vehículo de comunicación y sensibilización a través del arte, abordando así temas tan diversos como la contaminación, la explotación de la mujer, el sensacionalismo mediático, la conectividad y el control, entre otros.
Marina Abramović
Marina Abramović fue un pionero en el arte de la actuación y ha influido continuamente en los artistas, especialmente en obras que desafían los límites del cuerpo. En 1975, Abramović conoció al artista alemán Frank Uwe Laysiepen, conocido como Ulay, y comenzaron a colaborar artísticamente durante doce años. Viajaron por Europa en una camioneta, vivieron con aborígenes australianos, pasaron un tiempo en monasterios budistas tibetanos en la India y viajaron por los desiertos del Sahara, Thar y Gobi. Cuando Abramović y Ulay decidieron poner fin a su colaboración artística y relación personal en 1988, se embarcaron en una obra de teatro llamada The Lovers; cada uno comenzó en un extremo diferente de la Gran Muralla China y caminaron durante tres meses hasta que se encontraron en el medio y se despidieron. En 2012, Marina Abramović creó el Instituto para la Preservación de las Artes Escénicas en Hudson, Nueva York. Esta organización sin fines de lucro apoya la enseñanza, la preservación y la financiación de las artes escénicas, asegurando un legado duradero para sus representaciones y, más ampliamente, para la forma de arte efímero en sí. De este Instituto, Abramović dijo: "El rendimiento es fugaz. Pero este, este lugar, esto es para el tiempo. Esto es lo que voy a dejar atrás".
Christo y Jeanne-Claude
La educación temprana de Christo en el realismo socialista soviético y su experiencia como refugiado de la revolución política fueron sus fuentes de inspiración. En su colaboración de 35 años con su esposa y compañera artista, Jeanne-Claude, cabe destacar las instalaciones a gran escala, uno de los mayores logros del arte temprano de sitio específico. Las obras al aire libre de Christo y Jeanne-Claude se consideran algunas de las más ambiciosas e innovadoras del mundo, aunque a menudo son controvertidas debido a su tamaño e impacto en el medio ambiente. Para hacer frente a estas controversias, los artistas realizaron completos estudios de impacto ambiental y reciclaron todos los materiales que fabricaron expresamente. El impacto estético es un valor que Christo y Jeanne-Claude enfatizaron como el aspecto más importante, ya que sus obras van más allá de los límites de lo convencional y categorizarán el arte, en particular la noción de escultura como un objeto fijo y permanente. Los esfuerzos de la pareja fueron reconocidos tanto por cineastas como por fotógrafos, y un documental de 1973 sobre la pareja fue nominado a un premio de la Academia. En 2004, ganaron el Premio al Logro en Escultura Contemporánea, y en 2006 recibieron el premio al Mejor Proyecto en Espacio Público por The Gates, así como el Premio de Bellas Artes Vilcek para extranjeros que trabajan en el extranjero.
motín de coño
Incluso más que los artistas individuales que pueden haber sido influenciados por sus intenciones estéticas o políticas, el legado más perdurable de Pussy Riot ha sido el nuevo interés mundial en el arte activista ruso, así como la situación política dentro del país. En ese sentido, las Pussy Riot han tenido un éxito increíble, movilizando un gran ejército de simpatizantes en torno a las injusticias que ocurren en Rusia. Muchos otros artistas, incluso cuando algunos serían descritos con mayor precisión como contemporáneos en lugar de influenciados por el grupo, se beneficiaron de esta nueva conciencia e interés.En 2017, realizaron una exposición Art Riot: Post-Soviet Actionism, que conmemoró el centenario de la Revolución de Octubre de Rusia, con una exposición de arte de protesta ruso y ucraniano producido durante los últimos 25 años. ¡Bajo el estricto régimen del actual gobierno ruso, cualquier forma de arte de oposición puede ser casi imposible de crear! Las obras de Pussy Riot, que toman la forma de fotografías, videos y actuaciones, parodian los poderes políticos rusos a través del humor y lo grotesco: una de sus iteraciones más recientes muestra a Trump y Putin de pie junto a Kim Jong-un, quien se arrodilla cuatro. El hilo cultural más generalizado influenciado por las Pussy Riot es el resurgimiento de la música punk feminista hecha por mujeres jóvenes en un contexto global.
