5 Kunstwerke, die sich mit queeren Themen und Identität befassen
Am häufigsten wird LGBTQ+-Stolz mit dem Regenbogensymbol geteilt. Während der Regenbogen gemeinsame Identität, Gemeinschaft und Verbundenheit signalisiert, transzendieren gelebte Erfahrungen Symbole und Slogans. In diesem stolzen Monat hebt P55.ART Künstler hervor, deren Arbeiten den Regenbogen überqueren, in Anerkennung dessen, dass trotz zunehmender Repräsentation viele Aspekte der queeren Erfahrung immer noch unsichtbar oder eindimensional sind.
1. Selbstporträt mit kurz geschnittenem Haar Frida Kahlo, 1940
Dieses Selbstporträt aus den 1940er Jahren ist eines der ersten echten Beispiele für LGBT-Kunst. Unterhalb einiger Text- und Musikzeilen sitzt die Künstlerin auf einem Stuhl, umgeben von ihrem frisch geschnittenen Haar. Die Schere in der Hand, aber mit einem Ausdruck ruhiger Zuversicht statt völliger Verzweiflung angesichts ihrer verlorenen Weiblichkeit. Dieses Symbol der Weiblichkeit, an dem sich viele festhalten, um ihr Geschlecht zu signalisieren und zu bekräftigen, wird von den Selbstbewussten beiseite gelassen Frida Kahlo. Der Künstler verteidigte, dass jeder von uns männliche und weibliche Qualitäten in sich trage, und ermutigte uns, uns dieser Vielfalt zu stellen, anstatt sie zu leugnen.
2.Two Men Dancing von Robert Mapplethorpe, 1984
Robert Mapplethorpe ist bekannt für seine großartigen Schwarz-Weiß-Porträts, die sein Publikum herausfordern. Robert Mapplethorpes Karriere blühte in den 1980er Jahren mit kommerziellen Projekten auf, er schuf Albumcover für Patti Smith und die Band Television sowie eine Reihe von Porträts und Partyfotos für das Interview Magazine. Nachdem 1986 AIDS (AIDS) diagnostiziert wurde, beschleunigte er seine kreativen Bemühungen und führte immer ehrgeizigere Projekte durch. 1988, ein Jahr vor seinem Tod, hatte er seine erste große Ausstellung im Whitney Museum of American Art in New York. Mit Two Men Dancing wird die Dichotomie zwischen männlich und weiblich bestätigt, indem das Harte und das Sanfte gegenübergestellt werden. Als Teil der New Yorker S&M-Szene in den späten 1970er Jahren gingen Mapplethorpes Bilder oft einen Schritt weiter und untersuchten unter anderem die Beziehung zwischen Dominanz und Unterwürfigkeit, Reinheit und „Unmoral“, Zensur und Freiheit, etwas, das in dieser Arbeit präsent ist.
3.Bill T. Jones Körperbemalung von Keith Haring (mit Tseng Kwong Chi), 1983
Die Körperbemalungen von Keith Haring folgte der langen Tradition des Künstlers, Leinwände zu meiden und ständig unbekannte künstlerische Territorien zu suchen. Von der U-Bahn bis zu den Straßen von New York, Keith Haring nie davor zurückgeschreckt, Kunst aus ihrem formalen Kontext zu reißen! Die Fotografie von Bill T. Jones aus dem Jahr 1983, in Zusammenarbeit mit dem Fotografen Tseng Kwong Chi, verewigt einen ziemlich spektakulären Moment: das Treffen dreier Künstler, die Fotografie, Choreografie und Straßenkunst verbinden. In diesem Fall steht die Ausdruckskraft von Bill T. Jones' Tanz in Verbindung mit einer anderen Art von Ausdruck, nämlich Harings einzigartigen und rätselhaften Hieroglyphen. Es waren diese Künstler, die der queeren Kunst, wie wir sie heute kennen, den Weg geebnet haben.
4. Ihre weichen Lippen berührten meine und alles wurde hart Tracey Emin, 2008
Die Arbeiten der britischen Künstlerin Tracey Emin gelten weithin als autobiografisch, da sie ihre persönlichen Erfahrungen als Kontroversen und Traumata zum Ausdruck bringen. Dies ist eine Konstante in seiner Karriere, ob in der umstrittenen Installation „Everyone I Ever Slept With“ oder in den von ihm veröffentlichten Liebesbriefen, selbst die Neontranskriptionen von machen da keine Ausnahme, da sie seine eigene Handschrift imitieren. Sie bleiben intim und zutiefst persönlich und fangen flüchtige Gedanken oder unausgesprochene Wünsche ein. Die Botschaft in diesem Stück mit dem Titel „Her Soft Lips Touched Mine and Every Thing Became Hard“ ist eine von vielen. Ein weiteres rätselhaftes Beispiel für LGBT-Kunst ist der Neonsatz: „I Loved You Like a Distant Star“. Obwohl diese Kunstwerke nicht so visuell sind, wie Sie es gefordert haben, setzen sie diese Tradition der unverfrorenen Darstellung moderner, offenherziger Liebe fort.Ihre konfessionellen Arbeiten hatten einen wichtigen Einfluss auf die Kunstwelt, indem sie feministische Erzählungen normalisierten. Dies öffnete den Weg für unkonventionelle und traumainduzierte Erfahrungen. Tracey Emins Ansatz führt weiterhin viele in die Irre, da sie ständig die Institutionen und Konventionen in Frage stellt, die den Status quo aufrechterhalten.
5. George the Cunt und Gilbert the Shit von Gilbert und George, 1969
Das berühmte Künstlerduo Gilbert & George lernte sich während seines Studiums an der Saint Martin's School of Art in London kennen. Seitdem arbeitet das Duo kollaborativ mit einem selbstreflexiven „lebenden Skulptur“-Ansatz zur Performance-Kunst. Eine ihrer ersten gemeinsamen Arbeiten, „George the Cunt and Gilbert the Shit“, verkörpert den Humor und die anti-elitäre Herangehensweise des Paares an die Kunst. Später sahen sich Gilbert & George wegen der gewählten Themen viel Kritik ausgesetzt. Mit Nacktheit und expliziten sexuellen Handlungen im Mittelpunkt ihrer Arbeit haben Gilbert & George das Ausmaß der Sexualität in formalen Kunstumgebungen sicherlich neu definiert.
