Porque as imagens de Robert Mapplethorpe estão em toda a parte?

Quando o fotógrafo Robert Mapplethorpe foi diagnosticado com AIDS em 1986, aos 40 anos, a sua reação imediata foi destruir o trabalho que deixaria para trás. Depois de superar o choque inicial, no entanto, decidiu planear o seu espólio, o que levou à criação da Robert Mapplethorpe Foundation em 1988, um ano antes de sua morte. “Robert foi inteligente ao escolher o seu conselho, porque sabia que nomear membros da família ou parceiros de vida que podem tomar decisões emocionais nem sempre é ótimo para gerenciar o legado de um artista”, disse Michael Stout, advogado e presidente da Fundação Mapplethorpe, à ARTnews. Em vez disso, Mapplethorpe montou um conselho com especialidades profissionais tanto em direito (Stout é um especialista em direitos autorais) quanto em fotografia para moldar o futuro e o legado de sua impressionante obra.

Stout estima que Mapplethorpe deixou aproximadamente 14.000 impressões, feitas a partir de cerca de 2.000 negativos, além de um número menor de objetos escultóricos e polaroides. E, nos últimos anos, a gestão do legado do artista se tornou uma façanha intricada: 15 galerias ao redor do mundo gerenciam as vendas do espólio com base em sua respectiva geografia. A Gladstone Gallery, Morán Morán e Olga Korper Gallery estão entre as cinco responsáveis na América do Norte; na Europa, Xavier Hufkins Gallery, Thaddaeus Ropac, Alison Jacques Gallery e Galerie Thomas Schulte são metade das oito galerias que possuem acordos de representação; a demanda sul-americana é gerida pela Galeria Fortes D’Aloia & Gabriel, do Brasil; e o mercado asiático é gerido pela Kukje Gallery, de Seul.

Na próxima semana, na Art Basel, a Gladstone Gallery, Ropac e Alison Jacques terão cada uma uma obra de Mapplethorpe à venda. Além disso, há várias exposições institucionais a cada ano e parcerias de marca, como aquelas com a Uniqlo, Chrome Hearts e Honey Fucking Dijon, que licenciam as imagens de Mapplethorpe. Nos primeiros dias, a fundação licenciava apenas produtos de papel, como cartões postais, calendários e pôsteres. “Não tínhamos como saber se Robert gostaria de uma jaqueta de couro da Chrome Hearts, mas fizemos isso, assim como muitos artistas começaram a fazer acordos de licenciamento”, acrescentou Stout.

“Temos que tomar decisões cuidadosas sobre licenciamento e agir meticulosamente sobre publicações porque os livros sobrevivem”, disse Stout. “Eles não são tão populares em termos de vendas mais com tudo online, mas Robert sabia que era importante tê-los e fez muitos livros com diferentes editoras.” Ele também acrescentou que os curadores da fundação chegaram a um consenso de serem “conservadores sobre licenciamento” e que visam “tomar decisões que achamos que ele teria tomado.”
Além da gestão da arte de Mapplethorpe, a fundação tem uma missão menos conhecida, atuando como uma entidade concedente de subsídios investida em apoiar a pesquisa sobre o HIV. “Dependemos em grande parte das vendas de galerias, e administrar o espólio de um fotógrafo é mais desafiador do que o de um pintor”, disse ele, dada a vasta diferença de preços entre os dois meios.

O intrigante e enigmático léxico visual de Mapplethorpe, no entanto, talvez tenha sido mais popular do que nunca nos últimos anos. O primeiro trimestre de 2024 já viu quatro exposições individuais do fotógrafo: na Alison Jacques em Londres, na Gladstone em Nova York, na Thaddaeus Ropac em Paris e na Morán Morán em Los Angeles, além de uma exposição com três artistas, com Ann Craven e Mohammed Z. Rahman, na Phillida Reid em Londres. As exposições em Paris e LA tiveram curadores de alto perfil: o editor de moda Edward Enninful e o artista Jacolby Satterwhite, respectivamente. No mês passado, o Currier Museum of Art em New Hampshire abriu a exposição Filippo de Pisis e Robert Mapplethorpe, que coloca o trabalho do fotógrafo em diálogo com o do pintor italiano do século XX. A fascinação mútua pelas flores ancora a mostra, que apresenta 38 fotografias, todas emprestadas da fundação.

A exposição da Gladstone, que encerrou em abril na sede da galeria no Upper East Side, buscou lançar luz sobre uma parte menos conhecida da obra de Mapplethorpe, suas assemblages tridimensionais e fotografias em molduras escultóricas. A exposição se beneficiou da antiga vida do espaço da galeria como uma casa, pois a instalação transmitia uma mistura discreta de teatralidade e domesticidade. Seu Untitled (Coat Rack Sculpture), ca. 1972, por exemplo, ocupava um canto com uma lâmpada acesa (em vez de um casaco) adjacente a uma fotografia em preto e branco do artista Jay Johnson, na qual a mesma escultura aparece ao lado do corpo nu de Johnson. Em frente a uma janela voltada para o quintal estava Open Book (1974), uma grande estrutura de alumínio no chão na qual um quarteto de fotografias de pênis fica acima de uma base triangular elegante.

A recente exposição da Gladstone seguiu a exposição de um ano do Museu Guggenheim, “Implicit Tensions” (2019), que apresentou um considerável grupo de construções de mídia mista de Mapplethorpe pela primeira vez. A ambiciosa empreitada foi uma extensão da doação da fundação de 194 obras para o Guggenheim em 1993, que também estabeleceu um departamento de fotografia no museu e uma galeria nomeada em homenagem ao falecido fotógrafo.

“Antes de Mapplethorpe, as molduras das fotografias eram mais incidentais, refletindo a transição desconfortável do meio do papel para a parede”, disse recentemente à ARTnews Lauren Hinkson, curadora associada do Guggenheim, sobre a exposição em duas partes. A segunda parte de seu projeto convidou artistas vivos como Lyle Ashton Harris, Glenn Ligon, Zanele Muholi e Catherine Opie a expor suas próprias imagens sobre resiliência queer como uma resposta à primeira parte da exposição. “Como o trabalho de qualquer figura canônica, a obra de Mapplethorpe e seus significados não são estáveis nem estáticos, mas estão continuamente abertos a reinterpretações à medida que outros artistas oferecem abordagens alternativas à criação de imagens”, disse Hinkson.

Criativos queer de nova geração, por outro lado, ainda encontram inspiração no tratamento desinibido da carnalidade por Mapplethorpe, seja em suas flores alusivas ou na iluminação dramática de rears com duplo punho. Ludovic de Saint Sernin, um designer francês em ascensão com um culto de seguidores, revelou sua coleção masculina inspirada em Mapplethorpe, em colaboração com a fundação, durante a New York Fashion Week em fevereiro. A estrela pop Troye Sivan atualmente usa algumas das peças da coleção inspirada em bondage em sua turnê mundial em andamento, Sweat. As roupas pesadas de couro se afastam da linha de camisetas da Uniqlo de 2015, que foram impressas com as fotografias mais acessíveis do artista.

Convidar novas perspectivas tem sido uma forma lucrativa para a Fundação Mapplethorpe manter seu legado vivo. Uma série de exposições em galerias curadas por luminares culturais, de Isabelle Huppert a Elton John ou os recentes Enninful e Satterwhite, ativam sua grande obra através de diferentes lentes pessoais. (A exposição organizada por Enninful na Ropac atraiu cerca de 2.000 visitantes em seu dia de abertura em março.)

Para Satterwhite, a oportunidade de curar uma exposição de Mapplethorpe encontra ressonância em sua própria prática, que também atravessa temas de poder, autonomia e euforia. A fundação deu ao artista baseado no Brooklyn acesso a toda a obra do fotógrafo, e a exposição resultante, intitulada “Animismo, Fé, Violência e Conquista”, incluiu uma mistura de imagens menos exploradas de Mapplethorpe sobre utopia, resistência e devoção. Os temas titulares da exposição são assuntos que Satterwhite explorou sobre sistemas de crença e sobrevivência enquanto trabalhava em sua recente encomenda do Metropolitan Museum of Art, A Metta Prayer (2023).

Uma fotografia datada de 1982, por exemplo, mostra uma televisão com uma corrente pendurada em sua parte inferior; uma imagem de 1985 inclui um menino vestido de pirata olhando através de uma luneta. “Eu estava pensando em como subverter videogames e ideias de violência, vigilância e conquista em meu projeto”, disse Satterwhite à ARTnews. Ele observou que há muito tempo sonha em fazer um projeto em torno de Mapplethorpe, “mas se eu tivesse a chance há 10 anos, o resultado teria sido totalmente diferente”, disse. Organizando a exposição logo após sua encomenda do Met, na qual marinaram ideias semelhantes de devoção, poder e toxicidade na beleza, o artista disse que se sentia mais próximo das preocupações semelhantes de Mapplethorpe neste ponto de sua prática.

A própria representação de galeria de Mapplethorpe tem sido importante nas perspectivas cambiantes da obra do artista. “A estética dominante do espólio de Robert, com lírios e nus, foi estabelecida pela fundação e pela Robert Miller Gallery, que inicialmente tinha uma representação exclusiva”, disse Stout, presidente da fundação. A mudança de representação da fundação para a galeria Sean Kelly, de Nova York, no início dos anos 2000, ajudou a trazer uma abordagem mais multivalente para Mapplethorpe. Em 2003, com a ajuda de Sean Kelly, Cindy Sherman organizou o primeiro desses projetos curatoriais dirigidos por artistas que agora são feitos várias vezes ao ano. “A reação do público e uma crítica de Roberta Smith no New York Times nos convenceram de que deveríamos deixar outras pessoas tomar decisões para exposições”, disse Stout. “Até mesmo nós ainda vemos obras dessa forma que nunca vimos ou esquecemos.”

O desafio para a Fundação Mapplethorpe atualmente é administrar uma empreitada com financiamento a partir de um repertório finito. Num esforço para monitorar as vendas em vários pontos de preço e evitar exibir a mesma obra simultaneamente em exposições separadas, a fundação estabeleceu o que chamam internamente de “um sistema central.” O layout ajuda o conselho e a equipe a dividir e controlar os tipos de imagens vendidas ao redor do globo e manter um inventário equilibrado em termos de valor e demanda futura. As obras com temas excepcionalmente icônicos, como Patti Smith, o próprio Mapplethorpe ou Andy Warhol, bem como lírios, são “para momentos mais especiais”, disse Stout. Este sistema também ajuda a fundação a embaralhar obras entre diferentes inventários de galerias para uma distribuição uniforme.

“Quando começamos a fundação com Robert, não tínhamos certeza se continuaríamos por mais de 20 anos”, lembrou Stout. “Não temos curadores tomando decisões emocionais e segurando peças sentimentais em nosso conselho - apenas queremos colocar tudo bem.”

Fonte: Artnews