Os sete artistas espanhóis mais famosos

Alguns pintores espanhóis cruzaram todas as fronteiras ao criar algumas das correntes artísticas mais famosas atualmente. Exemplo disso, é o caso de Pablo Picasso (1881-1973), que foi o criador, junto com George Braque, do movimento cubista. Todos estes artistas contaram de alguma forma a história de Espanha, captando nas suas melhores obras a cultura, as tradições e as suas vivências na terra onde nasceram. Conheça nesta lista alguns dos mais famosos pintores espanhóis.

Pablo Picasso
O inovador e impactante artista espanhol Pablo Picasso (1881–1973) contribui para o desenvolvimento do mundo da arte ao desafiar as suas formas convencionais. A obra considerável de Pablo Picasso inclui mais de 20.000 pinturas, gravuras, desenhos, esculturas, cerâmicas, cenários de teatro e figurinos, de diversos movimentos artísticos, como o cubismo, o surrealismo, o neoclassicismo e o expressionismo. Juntamente com George Braque, criou o cubismo, uma forma de representar o espaço tridimensional num plano bidimensional. Nas suas obras "Guernica", "Les Demoiselles d'Avignon", "The Weeping Woman", denota-se a busca de inspiração à arte africana e aos acontecimentos à sua volta. Com uma linguagem facilmente identificável, o artista espanhol marcou o campo artístico, influenciando artistas até à atualidade. Talvez o artista mais influente do século XX, Pablo Picasso pintou a sua obra mais famosa, Guernica (1937), em resposta à Guerra Civil Espanhola. Em leilão, várias pinturas de Pablo Picasso foram vendidas por mais de US $100 milhões, mas as serigrafias e litografias do artista espanhol são mais acessíveis monetariamente no mercado secundário. O artista incansável tem sido objeto de exposições nas instituições mais prestigiadas do mundo, desde o Museu de Arte Moderna e Centro Pompidou até o Museu Stedelijk e Tate Modern.

Salvador Dalí
Ao criar uma linguagem plástica com composições fascinantes, o artista espanhol Salvador Dalí (1904–1989) tornou-se numa das principais figuras do surrealismo. Este movimento que se enquadra nas vanguardas da década de 1920, propunha a transposição e libertação do inconsciente nas experiências plásticas. As suas obras «The Temptation of St. Anthony» (1946) e «The Persistence of Memory» (1931) apresentaram na altura uma forma completamente inovadora de compreender o irracional, através de objetos como relógios derretidos e animais extraordinários. As gravuras, pinturas, esculturas, filmes e escritos fantásticos de Salvador Dalí ajudaram a consolidar a identidade do movimento. Ao trabalhar com ideias psicanalíticas, Salvador Dalí criou criaturas e paisagens fantásticas que podiam inquietar e impressionar. Além de artista plástico, Salvador Dalí foi escritor, cineasta e cultivou durante a sua carreira a sua personalidade excêntrica, a partir das suas características comportamentais e físicas, tal como o seu famoso bigode e o seu animal de estimação um tamanduá (papa-formigas). Salvador Dalí expôs amplamente em sua vida, e as suas obras pertencem às coleções de instituições como a Tate, o Museu de Arte Moderna e o Instituto de Arte de Chicago, entre outros. O seu trabalho alcançou milhões de euros no mercado secundário, desde pintura, escultura, serigrafias, litografia, entre outras técnicas. 

Antoni Gaudi 
As contribuições arquitectónicas de Antoni Gaudí para Barcelona no final do século XIX e início do século XX persistem como alguns dos edifícios mais inovadores e imaginativos do mundo. Com suas encomendas cívicas e residenciais, além de trabalhos de design, Gaudí criou um trabalho que tipifica a síntese da Art Nouveau e do movimento Arts & Craft predominante no modernismo catalão. Entre os seus projetos mais famosos estão a Casa Milá e a ainda incompleta Sagrada Família, que reinterpreta a arquitetura gótica da catedral através do naturalismo curvilíneo da Art Nouveau. Embora devendo a linhagens estéticas anteriores, Gaudí derrubou totalmente a convenção arquitectónica, alcançando um legado singular e duradouro.

Francisco Goya
As pinturas expressivas e tempestuosas de Francisco de Goya são obras icónicas da arte do final do século XVIII e início do século XIX. Com suas pinceladas grossas, paletas de cores de alto contraste e temas psicológicos sombrios, Goya criou uma ponte crucial entre o estilo e o assunto dos Velhos Mestres e os interesses dos modernistas na política e no surreal; Pablo Picasso e Salvador Dalí, nomearam Goya um importante antepassado das suas próprias práticas. Goya foi igualmente famoso pela suas gravuras e desenhos, que apresentam tanto temas monstruosos quanto mais alegres e satíricos. As suas obras mais famosas incluem “The Third of May 1808” (1814) e “Saturn Devouring One of His Sons” (1820–23) – a violência, seja autoritária ou mitológica, é predominante em toda a sua obra. As pinturas de Goya foram vendidas por milhões no mercado secundário e pertencem às coleções de inúmeras instituições, incluindo o Metropolitan Museum of Art, o British Museum, o Museo del Prado, a Frick Collection e a National Gallery of Art em Washington, D.C.

Joan Miró
Valorizando a liberdade artística, Joan Miró (1893-1983) foi pioneiro no método de desenhar de forma a expressar o funcionamento interno da mente humana. As suas composições intrincadas combinavam elementos abstratos com figuras recorrentes, como olhos, jardim, lua e pássaros. As primeiras obras do artista espanhol foram litografias, tendo criado na sua extensa produção artística mais de mil litografias. É um dos artistas mais destacados do surrealismo pela criação da sua linguagem artística própria, em diversos suportes: desenho, escultura, pintura e gravura. Amplamente considerado um dos principais surrealistas (embora nunca tenha feito parte oficialmente do grupo), Joan Miró também foi um pioneiro do automatismo: um método de desenho espontâneo que tentava expressar o funcionamento interno da psique humana. Joan Miró usou a cor e a forma de forma simbólica, desenvolvendo composições intrincadas e um estilo linear que combinava elementos abstratos com motivos recorrentes como pássaros, olhos e a lua. Durante sua vida, Miró recebeu o Grande Prémio de Trabalho Gráfico na Bienal de Veneza de 1954, exibido na primeira exposição Documenta em 1955, e teve várias retrospectivas de alto nível. Hoje, a obra de Miró – que foi vendida por oito figuras em leilão – pode ser encontrada nas coleções permanentes do Art Institute of Chicago e do Museum of Modern Art, entre outras instituições. As suas esculturas e murais públicos estão instalados em cidades ao redor do mundo, incluindo Milão, Paris e Barcelona.

Antoni Tàpies
Antoni Tàpies (1923-2012) foi um artista espanhol, conhecido pelas pinturas de técnica mista, que incorporaram pó de mármore, objetos encontrados e resina (Gray and Green Painting, 1957). Devido à sua experiência pessoal com a guerra e o estado pós-guerra do governo espanhol, as suas pinturas repletas de camadas de meios, transmitem também os seus pensamentos em relação aos temas sociais da altura. Influenciado por Joan Miró entrou no mundo da arte com trabalhos surrealistas, e posteriormente, incorporou as ideias de Paul Klee, acabando-se por se juntar ao movimento Informalismo. Atualmente, as suas obras de arte são exibidas no Museu Fundació Antoni Tàpies em Barcelona, ​​no Museu de Arte Moderna de Nova York, na Tate Gallery em Londres e no Museu Nacional Reina Sofia em Madrid, entre outros. Antoni Tàpies refinou uma linguagem visual inspirada numa ampla gama de fontes que se fundem numa complexa fusão de materiais, gestos e símbolos.A sua exploração de imagens surrealistas no início de sua carreira serviu de base para uma investigação contínua sobre a natureza dos objetos físicos e sua materialidade. O trabalho de Antoni Tàpies incorporou a sua extensa experiência pessoal e história, e de sua Espanha natal e especificamente da Catalunha. Como o uso de materiais tangíveis por Tàpies para fazer arte enfatiza a transformação física, a transformação espiritual é evocada por meio de sinais e símbolos extraídos das culturas orientais e ocidentais. Tàpies participou de três exposições na Bienal de Veneza (1952, 1954, 1958) antes de ser selecionado para representar a Espanha na 45ª Bienal de Veneza em 1993, durante a qual recebeu o Prémio da Bienal de Pintura. Em 1984, o artista estabeleceu a Fundació Antoni Tàpies em Barcelona para promover a educação e a exposição de arte moderna e contemporânea. A fundação remonta uma das primeiras exposições no seu museu, de 1992, intitulada Certeza Profunda, em exibição até 2019.

Diego Velázquez
Pintor oficial da corte do rei Filipe IV, Diego Velázquez é considerado um dos maiores artistas espanhóis. Transformou os seus agudos poderes de observação em retratos fiéis da realeza espanhola e, no auge de sua carreira, do Papa Inocêncio X. Famoso pela semelhança vital de seus súditos, Velázquez usou pinceladas livres e eficientes para evocar cenas fortemente atmosféricas perfuradas por cores deslumbrantes e ornamentação. A sua obra-prima é Las Meninas, um exemplo clássico do barroco, que captura uma jovem princesa e com os seus pais, o rei e a rainha, a posarem para o artista. Velázquez morreu quatro anos após sua conclusão, mas sua influência repercutiu nos séculos XIX e XX: teve um efeito particularmente formativo em Edouard Manet e atraiu o fascínio recorrente de Pablo Picasso.