Quem é o artista visual italiano Nicola Samorì?

Quem é Nicola Samori?

Nicola Samori é um artista visual italiano conhecido pelas suas pinturas e desenhos. Tem vindo a trabalhar com uma ampla variedade de técnicas e temáticas, mas é especialmente conhecido pelas suas representações de retratos e figuras humanas. Samori é conhecido pela sua habilidade de criar imagens intensas e emotivas, que exploram questões de identidade, individualidade e pertencimento. O seu trabalho tem vindo a ser amplamente elogiado pela sua habilidade de equilibrar a técnica tradicional da pintura com uma abordagem contemporânea e subjetiva. As pinturas a óleo escuras e de inspiração barroca de Nicola Samori são reproduções habilidosas de retratos clássicos e naturezas-mortas em tela, madeira ou cobre, propositalmente destruídas para negar a representação clássica e questionar a própria pintura. O seu processo envolve “esfolar” as suas figuras pintadas com uma espátula ou diluente, colocando outra imagem em cima e repetindo o processo até que as imagens se fundam e os sinais de apagamento e arranhões dominem a superfície retrabalhada. Samori explica que expor o interior da tinta removendo camadas de “pele” com um bisturi revela “um frescor e uma intensidade desconhecida nos tons externos”.

Carreira Artística de Nicole Samorì

Nicola Samorì nasceu em 1977 em Forlì e formou-se em 2004 na Academia de Belas Artes de Bolonha. Pintor e escultor, destaca-se na sua trajetória a tentativa de pôr em perigo as formas derivadas da história da cultura ocidental: nelas se mostra a abertura do corpo representado e da superfície pictórica sem solução de continuidade e tem-se a impressão de que o nascimento de uma nova obra sempre envolve o sacrifício de uma antiga.
A partir de 2010, os primeiros esfolamentos do pigmento aparecem nas suas obras, processo evidenciado em três exposições em 2011: Baroque, LARMgalleri, Copenhague; Scoriada, Studio Raffaelli, Trento; Imaginifragus, Galeria Christian Ehrentraut, Berlim. No ano seguinte, sua primeira exposição individual foi realizada em um museu: Fegefeuer, Kunsthalle, Tübingen. Com a exposição Die Verwindung, montada na Galeria Emilio Mazzoli em Modena em janeiro de 2013, “o artista acabou castigando o que havia composto, levando assim ao inevitável e indispensável assassinato da pintura” (Alberto Zanchetta). Em 2014, exposições individuais e coletivas aconteceram no Schauwerk em Sindelfingen, no MAC em Lissone, no Kunsthalle em Kiel e nos porões palladianos do Palazzo Chiericati em Vicenza. No ano seguinte, foi selecionado para participar da 56ª Bienal de Veneza, e incluído no projeto expositivo Codice Italia, com curadoria de Vincenzo Trione.
Ainda em 2015, o Centro TRAFO de Arte Contemporânea de Stettin dedicou-lhe uma vasta monografia intitulada Religo. Os projetos pessoais na Monitor Gallery em Roma e a primeira exposição individual na sede de Leipzig da EIGEN + ART Gallery são de 2016, seguidos pela participação na 16ª Quadrienal Nacional de Arte em Roma e na Gare de l'Est, Teatro Anatomical de Pádua. Em 2017 participou do coletivo Art in Art no MOCAK em Cracóvia e duas monografias aconteceram no Centro Arti Visive Pescheria em Pesaro e na Neue Galerie em Gladbeck. Entre 2017 e 2018 participou na exposição As Novas Fronteiras da Pintura na Fondazione Stelline de Milão, onde regressou na primavera de 2019 por ocasião da exposição A Última Ceia depois de Leonardo. Em 2018, as experiências com a técnica do afresco realizadas nos dois anos anteriores convergem na exposição Malafonte na Galerie EIGEN + ART em Berlim.
No final de 2019 realizou a individual Cannibal Trail, no Yu-Hsiu Museum of Art, Caotun (Nantou, Taiwan), a primeira na Ásia; no início de 2020 montou o projeto Black Square em Nápoles, na Fundação Made in Claustro e no Museu Arqueológico e em setembro com a exposição individual In abisso voltou à sede da Galerie EIGEN + ART em Berlim. Em novembro inaugura uma individual no Mart Museum de Rovereto dedicada à figura de Santa Lúcia, uma das imagens orientadoras dos últimos anos da sua obra.

Caracteristicas das obras de Nicola Samori

Nicola Samori é conhecido pelas várias abordagens para criar as suas imagens teatrais e perturbadoras bidimensionais ou tridimensionais, como se pode ver nas obras Kazimir (2010) e Destino dell' Occhio (2011). Especializou-se numa forma de arte barroca agressiva, exemplificada pelos antigos mestres do século XVII na Holanda e em Bolonha. Samori ridiculariza essas imagens civilizadas pintadas, transformando-as em objetos de pena ou repulsa, como evidenciam Seer (2011), Agnese (2009), June 27 (coroado) (2014) e Ciclope (2020). É um ataque emocional e físico ao peso cumulativo da história da arte pressionando os artistas europeus contemporâneos, acreditando no poder da 'irresponsabilidade' e 'ferindo' para revidar - uma retaliação em busca de liberdade.
A ferida nas suas pinturas é auxiliada pela sua admiração por artistas modernistas como Lucio Fontana e Alberto Burri, conhecidos por eliminar os materiais básicos de suporte da pintura, e também pelo interesse pela “moulage”. Essas obras podem ser vistas como um ataque a um período específico da arte, ou podem ser interpretadas de forma mais ampla como uma rejeição feroz de todos os tipos de arte, varrendo todo o conceito de prática artística para o lado.

Sfregi no Palazzo Fava em Bolonha

Sfregi é a primeira exposição antológica italiana de Samorì, apresentada nos salões do Palazzo Fava em Bolonha e com curadoria de Alberto Zanchetta e Chiara Stefani. A exposição narra os vinte anos de carreira por meio de 80 obras num roteiro expositivo concebido e criado pelo próprio artista exclusivamente para as salas do Palazzo delle Esposizioni di Genus Bononiae. Museus da cidade de Bolonha.
A exposição é uma oportunidade para Samorì ficar face a face com toda a história da arte, e em particular com a época barroca, articulando um percurso de sugestões e analogias e desencadeando uma relação próxima e intensa com as preciosas pinturas de frisos que decoram as paredes do Piano Nobile e com algumas obras identificadas nas colecções de Arte e História da Fundação Carisbo, como os evocativos retratos de cegas de Annibale Carracci, estabelecendo uma "afinidade electiva", bem como com os espaços, com o mesmo património como o Museu. Assim, o Salone Nobile com O mito de Jasão e Medeia acolhe uma série de obras que remontam à última década de atividades que parecem reagir ao friso dos três Carracci; a sala com afrescos de Ludovico reúne obras focadas na queima do cobre e no corpo sem carne, enquanto a de Albani se torna o wunderkammer de Samorì, no qual as naturezas-mortas criadas na pedra encontram espaço. A Sala delle Grottesche recebe Malafonte, um afresco monumental destacado que se encaixa perfeitamente no espaço, com exatos 380 centímetros de largura, como a obra, uma coincidência que o artista quis interpretar como uma "boa vinda" do Palazzo Fava.
Nas salas do segundo piso estão expostas obras mais intimistas, em pequenos e médios formatos que investigam temas singulares ou apostam nas diferentes técnicas utilizadas - desde a utilização do ónix e da pedra ao ofuscamento da imagem - que permitem ao visitante abraçar a vastidão da produção de Samorì e testar sua obsessiva e obsessiva pesquisa que o qualifica como um dos mais interessantes artistas da cena contemporânea internacional.