O artista Frank Stella, que redirecionou o curso da arte de vanguarda nas décadas de 1950 e 1960 com pinturas abstratas escassas, inexpressivas, mas indeléveis, ajudando a inaugurar o estilo que veio a ser conhecido como Minimalismo, morreu no sábado aos 87 anos.
No final de 1958, aos 22 anos, Stella começou a usar um pincel de pintor de paredes para aplicar tinta preta fosca em telas em configurações simples, uma linha reta e paralela após a outra, deixando apenas um ténue espaço branco entre elas. Tal como as pinturas de bandeiras americanas de Jasper Johns, que Stella tinha visto, as suas “Pinturas Negras” pareciam excluir os grandes gestos dos expressionistas abstractos reinantes. “O que você vê é o que você vê”, disse ele sobre o seu trabalho numa entrevista em 1964 ao lado dos seus colegas artistas Donald Judd e Dan Flavin. As “Pinturas Negras” contêm contradições complicadas. A sua construção é de fato e claramente evidente, mas elas também têm um efeito esfumaçado e agourento, até mesmo mortal. Stella deu-lhes títulos como “Die Fahne hoch!” (“Raise the flag”, o hino do Partido Nazista) e “Arundel Castle, o marco inglês do século XI. Foram exibidas numa lendária exposição coletiva no Museu de Arte Moderna de Nova York no final de 1959, “16 Americans”, que também incluiu Johns, Louise Nevelson, Ellsworth Kelly e outros artistas importantes.
Stella logo se tornaria uma das figuras mais célebres da sua época. O Museu de Arte Moderna realizou uma retrospectiva da sua obra em 1970 e outra em 1987. O Whitney Museum fez o mesmo em 2015. Em 1964, ainda com 30 anos, estava entre os artistas que representaram os Estados Unidos na Bienal de Veneza. A lista das suas exposições individuais no seu currículo oficial tem mais de sete páginas. Em 2009, o presidente Barack Obama concedeu-lhe a Medalha Nacional de Artes, elogiando “as suas sofisticadas experiências visuais – muitas vezes transcendendo as fronteiras entre pintura, gravura e escultura”.
Ao longo de uma carreira que durou mais de 65 anos, Stella foi aparentemente infatigável, sempre em busca de um novo esplendor visual, e enfureceu algumas partes do mundo da arte com os seus esforços multiformes, ao deixar para trás a sua restrição anterior. Palestrando no Pratt Institute, no Brooklyn, em 1960, aos 24 anos, ele expôs o que se tornaria a missão da sua vida. “Existem dois problemas na pintura”, disse ele. “Uma é descobrir o que é pintura e a outra é descobrir como fazer uma pintura.”
Frank Philip Stella nasceu em Malden, Massachusetts, em 12 de maio de 1936. Começou a fazer suas próprias pinturas aos 14 anos. Após o ensino médio na prestigiosa Phillips Academy, em Andover, Massachusetts, onde o escultor minimalista Carl Andre foi colega de classe, Stella matriculou-se na Universidade de Princeton, estudando história enquanto pintava. Os seus professores incluíram o historiador de arte William Seitz e o pintor Stephen Greene. Após a formatura em 1958, ele mudou-se para Nova York, estabelecendo-se no Lower East Side.
As primeiras séries de Stella parecem desenrolar-se de forma constante, uma após a outra, com uma lógica pré-ordenada, regras tácitas produzindo pinturas planas, simétricas e repetitivas. As “Pinturas Negras” deram origem a pinturas de “Cobre” e “Alumínio”, algumas realizadas sobre telas de formatos inusitados. Em seguida vieram os quadrados concêntricos numa panóplia de cores e grandes obras de “Transferidor” (1967–71) com bordas curvas, linhas entrelaçadas e tons neon.
Essas obras são totalmente extrovertidas e confiantes, mas ainda assim controladas – todas com linhas limpas e arestas nítidas.
No início da década de 1970, Stella adoptou formas e paletas de cores cada vez mais incomuns, como a série “Polish Village”, que tem elementos de relevo que projetam-se para o espaço. Eles foram inspirados em fotografias que viu de sinagogas de madeira que foram destruídas pelos nazis. “A carpintaria das sinagogas é incrivelmente sofisticada a nível formal”, disse ele à Artforum em 2016. “A interligação – a complexa ligação geométrica de cada parte do edifício, que é visível nas fotografias – realmente atraiu-me.”
E então, em meados da década de 1970, Stella disse adeus às suas estruturas racionais, mergulhando decisivamente em abordagens novas e idiossincráticas. Redemoinhos, redes e rabiscos coloridos substituem planos sólidos; os elementos começam a sobressair das telas em todas as direções. Obras penduradas na parede evoluíram para esculturas fantásticas.
Os modos conceptuais estavam em voga na época e académicos influentes declaravam o fim da pintura. A heterodoxia de Stella exasperou-os. Escrevendo em 1981 na revista “October”, Douglas Crimp declarou que as “pinturas do artista do final dos anos 1970 são verdadeiramente histéricas no seu desafio às pinturas negras; cada uma parece ter um acesso de raiva, gritando e cuspindo que o fim da pintura ainda não chegou.”
Stellas gloriosamente excêntricas agora preenchem os saguões de edifícios de escritórios corporativos (alguns dos únicos lugares que podem acomodar as suas maiores obras), como o 599 Lexington Avenue e o recentemente inaugurado 50 Hudson Yards em Manhattan. Esculturas independentes, algumas produzidas com o auxílio de tecnologia computacional, pontilham jardins de esculturas e praças públicas, incluindo aquela em frente ao 7 World Trade Center.
Stella era frequentemente questionado por entrevistadores sobre opiniões negativas sobre o seu trabalho posterior, mas ele geralmente tinha a mesma resposta geral. Quando o visitei no seu estúdio de escultura no norte do estado de Nova York, em 2015, ele ignorou essas críticas e ficou indiferente até mesmo em relação à sua próxima pesquisa sobre Whitney. “Estou a trabalhar e a expor o tempo todo – assim como a maioria dos artistas”, disse ele, fumando um charuto cubano (uma paixão que aprendeu com o crítico Clement Greenberg).
Uma exposição de enormes novos trabalhos de Stella – formas selvagens e livres de fibra de vidro numa variedade explosiva de cores, cuidadosamente empoleiradas em suportes com rodas – estará em exibição na Jeffrey Deitch, em Nova York, até 14 de maio.
Numa entrevista em 2000 para a “Bomb”, Saul Ostrow perguntou a Stella sobre o desejo que tantas pessoas expressaram ao longo dos anos de que ele retornasse à sua linguagem mínima e previsível. “Toda a ideia da arte é ser aberta”, respondeu o artista, “ser generoso, absorver o espectador e absorver-se, deixá-los entrar nisso”.
Fonte: Artnet News