Na exposição "the apparent length of a floor area" de Leonor Antunes, os visitantes são convidados a explorar uma rica variedade de texturas e técnicas que homenageiam mulheres designers frequentemente negligenciadas pelo cânone modernista. Leonor Antunes adota uma abordagem cativante ao nomear cada obra, atribuindo créditos às suas dedicatórias, muitas vezes usando os seus primeiros nomes. Isso é um lembrete lúdico e provocador da histórica marginalização das artistas femininas.
A mostra apresenta uma série notável de mesas baixas em cerâmica esmaltada e madeira lacada, intitulada "Charlottes," 2021, inspirada num projeto não realizado de Charlotte Perriand. Em "Sadie & Sophie # 2," 2023, Leonor Antunes prestou homenagem à arquiteta britânica Sadie Speight e à artista-designer suíça Sophie Taeuber-Arp, criando talismãs de madeira e fios de contas que encapsulam as suas contribuições significativas.
Os pisos de cortiça com incrustações de linóleo colorido evocam os desenhos de tapetes da década de 1930 da arquiteta e designer britânica Marian Pepler, enquanto "Lena #9," 2023, reflete os motivos distintivos da designer da Bauhaus, Lena Bergner, por meio de delicados fios de latão que se derramam sobre uma viga de metal. Essas criações, além da sua elegância abstrata, também representam actos de tradução, transformando materiais como a lã de tufting em cortiça e linóleo, e até mesmo reinterpretando corrimãos como esculturas suspensas.
Por mais sofisticados que sejam esses objetos associativos, também provocam associações menos convencionais. Cordas e correntes poderiam ser interpretadas como adereços de proporções exageradas num contexto fetichista, enquanto estruturas de bambu e redes lembram aventuras personalizadas em copas de árvores ou parques de diversões modernistas.
A exposição também faz um tributo às artistas femininas que transcendem o modernismo, como podemos ver em "Franca (#5)," 2018, onde rattan e corda de cânhamo trazem à mente as "coisas de fio" de Sheila Hicks e as "formas tecidas" esculturais de Lenore Tawney. É uma manifestação mais tensa e compacta do que Glenn Adamson descreveu como a estética "hippie e peluda" e a "flacidez excêntrica" da Arte em Fibra dos anos 1960.
No entanto, o destaque da instalação é, sem dúvida, o piso de cortiça. Além de fazer referência aos materiais tradicionais de Portugal, terra natal de Leonor Antunes, e aos interiores modernistas do meio do século, oferece uma experiência tátil e acolhedora sob os pés dos visitantes. Essa escolha transforma o espaço da exposição, criando uma unidade visual com as obras esculturais suspensas que se estendem em direção ao chão, reforçando a conexão entre o passado e o presente e celebrando o trabalho muitas vezes subestimado de mulheres designers.
Leonor Antunes nasceu em 1972 em Lisboa e, atualmente, reside e trabalha em Berlim. A sua prática artística proporciona uma abordagem única à arte moderna, arquitetura e design, através da reinterpretação da escultura em espaços específicos. Inspirada por figuras importantes do século XX, muitas vezes focando em mulheres notáveis, Leonor Antunes começa por medir elementos de arquitetura e design que a intrigam. Estas medidas são então utilizadas como unidades que podem ser traduzidas em esculturas.
A artista abraça técnicas tradicionais de artesanato de várias partes do mundo, utilizando materiais como corda, couro, cortiça, madeira, latão e borracha para criar formas e estruturas singulares. Leonor Antunes tem apresentado exposições individuais em diversas instituições de renome, incluindo a Fundação Serralves em Portugal (2022); o MUDAM no Luxemburgo (2020); o MASP, Museu de Arte de São Paulo, Brasil (2019); o Museo Tamayo na Cidade do México, México (2018); a Hangar Bicocca em Milão, Itália (2018); a Whitechapel Gallery em Londres (2017); o Museu de Arte Moderna de São Francisco, Califórnia (2016); o CAPC em Bordeaux, França (2015); o New Museum em Nova Iorque (2015); a Kunsthalle Basel, Suíça (2013); e o Museo Reina Sofia em Madrid, Espanha (2011).
Leonor Antunes teve a honra de representar o Pavilhão Português na Bienal de Veneza, Itália, em 2019, e também participou das 58ª e 57ª Bienais de Veneza (2019 e 2017); da 12ª Bienal de Sharjah nos Emirados Árabes Unidos (2015); e da 8ª Bienal de Berlim (2014). A sua obra é uma celebração da interseção entre arte, arquitetura e design, proporcionando uma perspetiva única e instigante sobre o mundo da criação contemporânea.