5 Artistas: Celebrar o Dia da Europa
Celebrar o Dia da Europa
O Dia da Europa comemora a assinatura da 'Declaração Schuman' em 9 de maio de 1950. Um plano ambicioso para garantir a paz de longo prazo na Europa do pós-guerra que é considerada o início do que é hoje a União Europeia. A importância de trabalhar pela paz na Europa é ainda mais evidente quando destacamos nossa unidade e solidariedade com a Ucrânia. Em maio, as instituições da UE convidam as pessoas para uma ampla gama de atividades on-line e presenciais em todos os Estados-Membros da UE, bem como na sede das instituições da UE em Bruxelas, Luxemburgo e Estrasburgo. Como o Ano Europeu da Juventude de 2022 destaca os jovens da Europa e com as vozes dos cidadãos amplificadas pela Conferência sobre o Futuro da Europa, nunca houve um momento melhor para nos reunirmos, discutirmos os desafios que todos enfrentamos e criar um futuro melhor para Europa que funciona para todos. Explore artistas que tem vindo a transformar o paradigma artístico europeu recentemente.
Ana Aragão
Ana Aragão uniu-se a P55.ART em projeto solidário para com o povo Ucraniano. A artista Ana Aragão criou uma série limitada de prints, tendo por base a obra “A dream we dream together”, com intuito de apoiar o povo ucraniano. Esta série é constituída por 150 exemplares, assinados e numerados, todos acabados à mão pela autora (lápis de cor). “A dream we dream together” de Ana Aragão esteve à venda na P55.ART pelo valor de €250,00 e as receitas reverteram na totalidade para três instituições que ajudam famílias afetadas pelos conflitos. Sobre este projeto a artista afirma: «Parte do meu trabalho é imaginar aquilo que não conheço, a outra parte, construir utopias/distopias. Este é o momento de construir Utopias. A utopia de um território livre de ameaças, onde o colorido bairro “Comfort Town” se transforma na base da luminosa Catedral de Santa Sofia, o primeiro monumento ucraniano a entrar na lista do Património Mundial da UNESCO. Esta é uma imagem de luz e de paz, um manifesto pela resistência brava de todos aqueles que não se conseguem conformar perante tragédias humanas. Que todos os que fogem possam encontrar uma nova "comfort town.» As associações pedem apoio para conseguirem ajudar diretamente as crianças abandonadas e famílias adotivas na Ucrânia, afirmando que «nenhuma criança deve adormecer e acordar com medo da sua própria vida!» A artista portuguesa Ana Aragão dedica-se exclusivamente ao desenho, explorando a temática dos imaginários urbanos e da arquitetura de papel. Alguns dos seus projetos recentes incluem a participação na Representação Portuguesa na edição de 2014 da Bienal de Veneza, participação no Pavilhão Italiano da Bienal de Veneza 2021 e a exposição “No plan for Japan" no Museu do Oriente, Lisboa. O projecto conta com o apoio da Lumen Studio and Design, Porto, e da Spiralpack.
Bordalo II
“Lighted Jelly Fish” de Bordalo II esteve em exposição no edifício Europa, em Bruxelas A obra “pretende reflectir as preocupações do artista com a poluição dos oceanos”, segundo um comunicado da Presidência Portuguesa. “Aborda o tema da produção de lixo, do desperdício, da poluição e dos seus efeitos nefastos no planeta. A natureza é representada com recurso ao que a destrói: materiais em fim de vida, encontrados em terrenos baldios, em fábricas abandonadas ou obtidos directamente de empresas que precisam de se desfazer deles. Os animais escultóricos gigantes de Bordalo II obrigam-nos a encarar os nossos hábitos de consumo sob um olhar inteiramente novo. E é precisamente esse olhar que nos deve guiar rumo a uma das prioridades da Presidência do Conselho UE: uma Europa verde, verdadeiramente ecológica” O artista português Artur Bordalo (1987), conhecido como Bordalo II, ficou famoso por usar o lixo das ruas para criar esculturas de animais deslumbrantes, com o propósito de alertar as pessoas sobre a poluição e todos os tipos de espécies que se encontram ameaçadas de extinção. A partir da street art desenvolveu a sua prática, evoluindo para o que hoje é considerado de «trash art». A paixão pela pintura remonta à infância, quando passava horas a fio a observar o avô a pintar no seu atelier e também devido ao submundo da cidade de Lisboa - fortemente influenciado na altura pelas práticas do graffiti. Começou a pintar paredes com spray nas ruas aos 11 anos de idade, com o nome artístico Bordalo II, em homenagem e destaque ao legado artístico do seu avô Artur Real Bordalo (1925-2017). No curso de pintura na Academia de Belas Artes de Lisboa, descobriu a escultura, a cerâmica e começou a experimentar os mais diversos materiais. Desde 2012, Artur Bordalo criou cerca de duzentas esculturas de animais utilizando mais de 60 toneladas de materiais reaproveitados. Os objetos outrora abandonados - as chapas, os pneus, as portas - nas mãos de Bordalo II adquirem uma função de ordem estética e comunicativa, em formato de animais. O artista português quer representar nos seus trabalhos uma imagem da natureza, a partir daquilo que os destrói - o lixo, o desperdício e a poluição, expressando claramente uma crítica ao consumismo e oferecendo uma solução de sustentabilidade. As suas instalações “Big Trash Animals”, dispersas por vários locais do mundo - públicos ou museológicos - gritam sobre a necessidade de sustentabilidade sócio-ecológica. Nas ruas da sua cidade natal, uma série de trabalhos, ”Provocative” e “Train Tracks”, interagem com o tecido e o mobiliário urbano, apresentando um novo olhar crítico sobre a sociedade, os seus stakeholders e condicionantes. Estas pequenas intervenções efémeras buscam ser um veículo de comunicação e conscientização por meio da arte, abordando assim temas diversos, como poluição, exploração da mulher, sensacionalismo mediático, conectividade e controle, entre outros.
Marina Abramović
Marina Abramović foi pioneira na arte performance, tendo continuamente influenciando artistas, especialmente sobre trabalhos que desafiam os limites do corpo. Em 1975, Abramović conheceu o artista alemão Frank Uwe Laysiepen - conhecido como Ulay, e começar colaborador artisticamente durante doze anos. Viajaram pela Europa numa van, viveram com aborígenes australianos, passaram algum tempo nos mosteiros budistas tibetanos da Índia e viajaram pelos desertos do Saara, Thar e Gobi. Quando Abramović e Ulay decidiram encerrar sua colaboração artística e relacionamento pessoal em 1988, embarcaram numa peça chamada The Lovers; cada um começou numa extremidade diferente da Grande Muralha da China e andaram por três meses até se encontrar no meio e se despedirem. Em 2012, Marina Abramović criou a Institute for Preservation of Performance Art, em Hudson, Nova York. Esta organização sem fins lucrativos apoia o ensino, a preservação e o financiamento da arte performance, garantindo um legado duradouro para as suas performances e, mais amplamente, para a própria forma de arte efémera. Sobre este Instituto, Abramović disse: "O desempenho é passageiro. Mas este, este lugar, isto é para o tempo. Isto é o que vou deixar para trás."
Christo e Jeanne-Claude
A educação inicial de Christo no realismo socialista soviético, e sua experiência como refugiado da revolução política foram as suas fontes de inspiração. Na sua colaboração de 35 anos com sua esposa e colega artista, Jeanne-Claude, destacam-se as instalações em grande escala, uma das maiores conquistas da arte site-specific inicial. Os trabalhos ao ar livre de Christo e Jeanne-Claude são considerados alguns dos mais ambiciosos e inovadores do mundo, embora muitas vezes sejam controversos devido ao seu tamanho e impacto no meio ambiente. Para lidar com essas controvérsias, os artistas realizaram estudos completos de impacto ambiental e reciclaram todos os materiais que fabricaram expressamente. O impacto estético é o valor que Christo e Jeanne-Claude enfatizaram como o aspecto mais importante sendo que as suas obras ultrapassam os limites da convenção e categorizarão da arte, em particular a noção de escultura como um objeto fixo e permanente. Os esforços do casal foram reconhecidos por cineastas e fotógrafos, e um documentário de 1973 sobre esta dupla foi indicado a um Oscar. Em 2004, eles ganharam o Prémio Realização em Escultura Contemporânea e, em 2006, receberam o prémio de Melhor Projeto em Espaço Público por The Gates, bem como o Prémio Vilcek de Belas Artes para estrangeiros que trabalham no exterior.
Pussy Riot
Ainda mais do que os artistas individuais que podem ter sido influenciados pelas suas intenções estéticas ou políticas, o legado mais duradouro do Pussy Riot tem sido o novo interesse global pela arte ativista russa, bem como pela situação política dentro do condado. Nesse sentido, as Pussy Riot foram incrivelmente bem-sucedidas, mobilizando um vasto exército de apoiadores sobre as injustiças que acontecem na Rússia. Muitos outros artistas, mesmo onde alguns seriam descritos com mais precisão como contemporâneos do que influenciados pelo grupo, se beneficiaram dessa nova consciência e interesse. Em 2017, realizaram uma exposição Art Riot: Post-Soviet Actionism, onde se comemorou o aniversário de 100 anos da Revolução de Outubro da Rússia, com exibição de arte de protesto russa e ucraniana, produzida nos últimos 25 anos. Sob o regime estrito do atual governo russo, qualquer forma de arte de oposição pode ser quase impossível de criar! As obras de Pussy Riot, assume a forma de fotografias, vídeos e performances, parodia os poderes políticos russos através do humor e do grotesco - uma de suas iterações mais recentes mostra Trump e Putin de pé sobre Kim Jong-un, que se ajoelha de quatro. A vertente cultural mais difundida influenciada pelo Pussy Riot é o ressurgimento da música punk feminista feita por mulheres jovens num contexto global.
