Como Matisse foi influenciado pelas xilogravuras japonesas?

O pintor francês Henri Matisse teve contacto pela primeira vez com a xilogravura ukiyo-e no início do século XX, quando várias feiras mundiais levaram a arte japonesa para a Europa. Lutando para lançar a sua carreira (a sua primeira exposição individual na galeria de Ambroise Vollard em 1904 estava longe de ser um sucesso), Matisse gostou das gravuras, que ofereciam uma forma totalmente nova de olhar para o mundo.

Acontece que o fascínio e a dívida de toda a vida de Matisse pela gravura tradicional japonesa é o foco de uma exposição no Museu de Arte de Baltimore, em Maryland. Intitulado “A arte do padrão: Henri Matisse e os artistas xilográficos japoneses”, compara o uso da cor, da composição e do padrão pelo fauvista francês a três gravadores japoneses: Kikugawa Eizan, Keisai Eisen e Utagawa Kunisada.

“Existe uma clara ligação visual entre a padronização de Matisse e os artistas japoneses de xilogravura do século anterior”, afirmam os curadores da exposição, Katy Rothkopf, diretora do Centro Ruth R. Marder para os Estudos de Matisse, e Frances Klapthor, curadora associada de Arte Asiática.

“Enquanto Matisse colocava os seus modelos em cenários teatrais no seu estúdio, os artistas japoneses também se envolviam com o artifício e a ilusão, mas com propósitos diferentes. As suas representações de mulheres transmitiam ideais de beleza feminina, exclusividade e fascínio sexual, enquanto as referências abertas a bordéis, casas de chá e restaurantes conhecidos eram anúncios deliberados”.

A exposição destaca ainda diferenças estilísticas relacionadas com o gosto, a cultura e a história. Enquanto Matisse normalmente colocava os seus modelos num ambiente interior, nus ou com roupas sensuais e reveladoras, os artistas japoneses geralmente retratavam figuras femininas em locais públicos, vestindo quimonos com padrões elaborados que chamavam tanta atenção do espectador como dos indivíduos que os usavam.

Por outro lado, Matisse guardava muitas vezes os seus padrões para os interiores coloridos e oníricos que os seus modelos habitavam, como na sua pintura a óleo “Pink Nude”, de 1953. Se os artistas japoneses, cujo trabalho tinha um propósito comercial e também artístico, estavam interessados ??em representar a realidade material da sua sociedade, Matisse seguiu o caminho oposto, tratando o seu ambiente quotidiano como abstrato e transcendido. Sensibilidades visuais semelhantes; resultados diferentes. “Matisse, que colecionou tecidos e artigos decorativos com padrões ao longo da sua carreira, descobriu que a padronização acrescentava profundidade e interesse às suas composições”, explicaram Rothkopf e Klapthor. “A inclusão da decoração permitiu-lhe deslumbrar o olhar do observador e incentivou o foco em toda a composição, e não apenas no tema principal.”

“Os artistas japoneses incluídos em ‘The Art of Pattern’ usaram ornamentos e decoração para atrair o olhar do espectador para os seus temas de uma forma atraente e sedutora”, acrescentaram. “Ao contrário dos têxteis representados nas obras de Matisse, os padrões representados nas estampas japonesas tinham significados simbólicos adicionais, que teriam sido facilmente discernidos por um público japonês contemporâneo.”.

“The Art of Pattern: Henri Matisse and Japanese Woodcut Artists” está patente até 5 de janeiro de 2025 no Baltimore Museum of Art, 10 Art Museum Dr, Baltimore, MD 21218.

Fonte: Artnet News