Wer ist Nicolas Samori?
Nicola Samori ist ein italienischer bildender Künstler, der für seine Gemälde und Zeichnungen bekannt ist. Er arbeitet mit einer Vielzahl von Techniken und Themen, ist aber besonders bekannt für seine Darstellungen von Porträts und menschlichen Figuren. Samori ist bekannt für seine Fähigkeit, intensive und emotionale Bilder zu schaffen, die sich mit Fragen der Identität, Individualität und Zugehörigkeit befassen. Seine Arbeit wurde weithin für ihre Fähigkeit gelobt, traditionelle Maltechniken mit einem zeitgenössischen und subjektiven Ansatz in Einklang zu bringen. Nicola Samoris dunkle, vom Barock inspirierte Ölgemälde sind gekonnte Reproduktionen klassischer Porträts und Stillleben auf Leinwand, Holz oder Kupfer, die absichtlich zerstört wurden, um die klassische Darstellung zu leugnen und das Gemälde selbst in Frage zu stellen. Sein Verfahren besteht darin, seine gemalten Figuren mit einem Spachtel oder Farbverdünner zu „enthäuten“, ein weiteres Bild darauf zu platzieren und den Vorgang zu wiederholen, bis die Bilder verschmelzen und Spuren von Ausradierungen und Kratzern die überarbeitete Oberfläche dominieren. Samori erklärt, dass das Freilegen des Inneren der Farbe durch Entfernen von „Hautschichten“ mit einem Skalpell „eine Frische und Intensität offenbart, die in den äußeren Tönen unbekannt ist“.
Die künstlerische Laufbahn von Nicole Samori
Nicola Samorì wurde 1977 in Forlì geboren und schloss 2004 sein Studium an der Akademie der Schönen Künste in Bologna ab. Als Maler und Bildhauer zeichnet sich seine Karriere durch den Versuch aus, Formen aus der Geschichte der westlichen Kultur zu gefährden: In ihnen werden der dargestellte Körper und die Bildfläche ohne Bruch in der Kontinuität offenbart, und man hat den Eindruck, dass die Geburt von ein neues Werk beinhaltet immer das Opfer eines alten.
Ab 2010 taucht in seinen Werken die erste Enthäutung des Pigments auf, ein Prozess, der 2011 in drei Ausstellungen belegt wurde: Baroque, LARMgalleri, Kopenhagen; Scoriada, Studio Raffaelli, Trient; Imaginifragus, Galerie Christian Ehrentraut, Berlin. Im folgenden Jahr fand seine erste Einzelausstellung in einem Museum statt: Fegefeuer, Kunsthalle, Tübingen. Mit der Ausstellung Die Verwindung, die im Januar 2013 in der Galerie Emilio Mazzoli in Modena stattfand, „bestrafte der Künstler schließlich das, was er komponiert hatte, und führte so zum unvermeidlichen und unverzichtbaren Mord an der Malerei“ (Alberto Zanchetta). 2014 fanden Einzel- und Gruppenausstellungen im Schauwerk in Sindelfingen, im MAC in Lissone, in der Kunsthalle in Kiel und in den Palladio-Kellern des Palazzo Chiericati in Vicenza statt. Im folgenden Jahr wurde er für die Teilnahme an der 56. Biennale von Venedig ausgewählt und in das von Vincenzo Trione kuratierte Ausstellungsprojekt Codice Italia aufgenommen.
Ebenfalls 2015 widmete ihm das TRAFO Zentrum für zeitgenössische Kunst in Stettin eine umfangreiche Monographie mit dem Titel Religo. Persönliche Projekte in der Monitor Gallery in Rom und die erste Einzelausstellung in der Leipziger Zentrale der Galerie EIGEN + ART sind von 2016, gefolgt von der Teilnahme an der 16. Nationalen Quadriennale der Kunst in Rom und am Gare de l'Est, Teatro Anatomical in Padua. 2017 nahm er am Kollektiv Art in Art im MOCAK in Krakau teil und zwei Monografien fanden im Centro Arti Visive Pescheria in Pesaro und in der Neuen Galerie in Gladbeck statt. Zwischen 2017 und 2018 nahm er an der Ausstellung The New Frontiers of Painting in der Fondazione Stelline in Mailand teil, wohin er im Frühjahr 2019 anlässlich der Ausstellung The Last Supper after Leonardo zurückkehrte. 2018 laufen die Experimente mit der Freskotechnik der vorangegangenen zwei Jahre in der Ausstellung Malafonte in der Galerie EIGEN + ART in Berlin zusammen.
Ende 2019 veranstaltete er den individuellen Cannibal Trail im Yu-Hsiu Museum of Art, Caotun (Nantou, Taiwan), seinen ersten in Asien; Anfang 2020 baute er das Projekt Black Square in Neapel, bei der Made in Claustro Foundation und im Archäologischen Museum auf und kehrte im September mit der Einzelausstellung In abysso in den Hauptsitz der Galerie EIGEN + ART nach Berlin zurück. Im November eröffnet er im Mart Museum in Rovereto eine Einzelausstellung, die der Figur der heiligen Lucia gewidmet ist, einem der Leitbilder der letzten Jahre seines Schaffens.
Merkmale der Werke von Nicola Samori
Nicola Samori ist bekannt für seine unterschiedlichen Herangehensweisen an seine theatralischen und verstörenden zwei- oder dreidimensionalen Bilder, wie sie in den Arbeiten Kazimir (2010) und Destino dell' Occhio (2011) zu sehen sind. Er spezialisierte sich auf eine aggressive barocke Kunstform, beispielhaft dargestellt durch die alten Meister des 17. Jahrhunderts in Holland und Bologna. Samori macht sich über diese gemalten zivilisierten Bilder lustig und verwandelt sie in Objekte des Mitleids oder des Ekels, wie Seer (2011), Agnese (2009), June 27 (crowned) (2014) und Ciclope (2020) belegen. Es ist ein emotionaler und physischer Angriff auf das kumulative Gewicht der Kunstgeschichte, das auf zeitgenössische europäische Künstler niederdrückt und an die Macht der „Verantwortungslosigkeit“ und „Verwundung“ glaubt, um sich zu wehren – eine Vergeltung auf der Suche nach Freiheit.
Die Wunde in seinen Gemälden wird durch seine Bewunderung für modernistische Künstler wie Lucio Fontana und Alberto Burri unterstützt, die dafür bekannt sind, die grundlegenden Trägermaterialien der Malerei zu beseitigen, und auch durch sein Interesse an „Moulage“.
Diese Arbeiten können als Angriff auf eine bestimmte Kunstepoche verstanden werden, oder sie können weiter gefasst als heftige Ablehnung aller Kunstgattungen interpretiert werden, die den gesamten Begriff der künstlerischen Praxis beiseite fegt.
Sfregi im Palazzo Fava in Bologna
Sfregi ist die erste italienische anthologische Ausstellung von Samorì, die in den Sälen des Palazzo Fava in Bologna präsentiert und von Alberto Zanchetta und Chiara Stefani kuratiert wird. Die Ausstellung erzählt die zwanzig Jahre seiner Karriere anhand von 80 Werken in einem Ausstellungsskript, das der Künstler selbst exklusiv für die Räume des Palazzo delle Esposizioni di Genus Bononiae konzipiert und geschaffen hat. Museen der Stadt Bologna.
Die Ausstellung ist eine Gelegenheit für Samorì, sich mit der gesamten Kunstgeschichte und insbesondere mit dem Barock auseinanderzusetzen, eine Reihe von Vorschlägen und Analogien zu artikulieren und eine enge und intensive Beziehung zu den kostbaren Friesen auszulösen, die die Wände schmücken des Piano Nobile und mit einigen Werken, die in den Kunst- und Geschichtssammlungen der Carisbo Foundation identifiziert wurden, wie die eindrucksvollen Porträts blinder Frauen von Annibale Carracci, die eine "Wahlverwandtschaft" herstellen, sowie mit den Räumen, mit denselben Erbe wie das Museum. So beherbergt der Salone Nobile mit The Myth of Jason and Medea eine Reihe von Werken, die auf das letzte Jahrzehnt der Aktivitäten zurückgehen und auf den Fries der drei Carracci zu reagieren scheinen; Ludovicos mit Fresken geschmückter Raum vereint Arbeiten, die sich auf das Verbrennen von Kupfer und den Körper ohne Fleisch konzentrieren, während Albanis Raum zu Samorìs Wunderkammer wird, in der Stillleben aus Stein Platz finden. Die Sala delle Grottesche erhält Malafonte, ein herausragendes monumentales Fresko, das sich perfekt in den Raum einfügt, genau 380 Zentimeter breit, wie das Werk, ein Zufall, den der Künstler als „Willkommen“ vom Palazzo Fava interpretieren wollte.
In den Räumen im zweiten Stock werden intimere Arbeiten in kleinen und mittleren Formaten gezeigt, die einzigartige Themen untersuchen oder auf die verschiedenen verwendeten Techniken setzen - von der Verwendung von Onyx und Stein bis zum Verwischen des Bildes -, die es dem Besucher ermöglichen die Weite der Produktion von Samorì zu umarmen und seine obsessive und obsessive Forschung zu testen, die ihn als einen der interessantesten Künstler der internationalen zeitgenössischen Szene qualifiziert.
