Basquiat und das Sammeln von Geschichte

WARUM IST EINER DER FEIERLICHSTEN KÜNSTLER DES 20. JAHRHUNDERTS, DIE IN MUSEUMSAMMLUNGEN NICHT VERTRETEN SIND? 

ich1959 Frank Stellas Die Verbindung von Vernunft und Elend II, heute weithin als eines der wichtigsten seiner „schwarzen Gemälde“ angesehen, wurde für die ständige Sammlung des Museum of Modern Art erworben. Der Künstler war erst 23 Jahre alt. Im selben Jahr war das Gemälde in die Ausstellung „Sixteen Americans“ des MoMA aufgenommen worden, die von organisiert wurde Dorothy Miller, Alfred Barrs stellvertretender Kurator und einer der zukunftsorientiertesten Köpfe des Museums. (Aufgrund von Barrs eigener Voraussicht, Pablo Picassos Les Demoiselles d'Avignon, 1907, war Ende der 1930er Jahre für das Museum gekauft worden.) Stellas berühmte Aussage „Was Sie sehen, ist was Sie sehen“ lässt sich wahrscheinlich auf dieses große Debüt zurückführen, da das, was die meisten Kritiker zu dieser Zeit sahen, nicht viel war alle. Stellas Gemälde wurden als "unbeschreiblich langweilig" bezeichnet New York Times Der Kritiker John Canaday erklärte die Teilnehmer der Show - darunter Jay DeFeo, Jasper Johns, Ellsworth Kelly und Robert Rauschenberg - zu "den sechzehn Künstlern, die am meisten in Vergessenheit geraten". Stella erinnerte sich in einem Interview mit Claudia Bodin an seinen augenblicklichen Ruhm und seine Bekanntheit, dass die Leiterin der Öffentlichkeitsarbeit im MoMA der internationalen Presse "keine Fotos meiner" schwarzen Gemälde "geben würde, weil sie das Museum nicht in Verlegenheit bringen wollte. Es blieben also lokale Nachrichten. “ Obwohl versehentlich, identifiziert Stella eine merkwürdige Wendung im international renommierten Museum, die möglicherweise mehr als ein halbes Jahrhundert später wahr bleibt. Ein New Yorker Maler zu sein bedeutet, das Risiko einzugehen, kritisch und institutionell als lokaler Künstler angesehen zu werden, als jemand, der auf der Bowery stapft oder in ein Studio gebracht wird, das nur eine Taxifahrt entfernt ist. Einige werden unweigerlich als lokaler angesehen als andere. Im selben Interview bemerkte Stella den Kauf des MoMA:

Es sollte zwölfhundert Dollar kosten. Leo [Castelli] rief mich an und sagte mir, dass sie nur neunhundert Dollar dafür bezahlen wollten. Ich wollte das Werk nicht so billig verkaufen, aber ich stimmte am Ende zu. Alfred Barr, der damalige Direktor des MoMA, konnte Werke kaufen, die weniger als tausend Dollar für die Sammlung kosteten, ohne die Treuhänder um Genehmigung zu bitten.

Man kann sich nur fragen, wie viele andere 900-Dollar-Werke durch die Seitentür der Museumssammlung geschlüpft sind, als Barr an der Spitze stand, und inwieweit das Erwerbsprivileg heute erweitert und ausgeübt wird.

Um Stellas oft wiederholte Zeile als Kommentar zu paraphrasieren, was jetzt in Museen sein sollte: Was Sie nicht sehen, ist nicht da. Ein bedeutendes Gemälde von Jean-Michel Basquiat konzentriert sich insbesondere auf die Zeit, die jetzt in die Geschichte der 1980er Jahre eingeht, unter vielen zeitgenössischen Kunstwerken, die weder im MoMA noch in den meisten anderen Museen dieses Landes zu sehen sind. (Eine Ausnahme bildet die Eröffnungsausstellung des neuen Whitney Museums mit Werken aus seiner Sammlung.) Mehr als 25 Jahre nach seinem Tod bleibt Basquiat die zentrale, berühmteste und tragischste Figur dieser Zeit. Er verkörperte das Versprechen, die Energie und den Überschuss seiner Zeit und war entscheidend für die Öffnung der Museumstüren und die Inklusivität, die in den 90er Jahren folgte. Und doch fehlt ein Basquiat-Gemälde in der Sammlung des MoMA. Dies war bis vor wenigen Monaten auch bei einem anderen 80er-Jahre-Star, Julian Schnabel, der Fall. (Zuvor war der Künstler mit vier Arbeiten auf Papier und einer Kopie seines Films vertreten Die Taucherglocke und der Schmetterling, begabt von Miramax, obwohl im Druck seines Regiedebüts, Basquiatist ebenfalls erhalten.) Schnabels GemäldeSt. Sebastian (1979), der aus der eigenen Sammlung des Künstlers stammt, trat im vergangenen März mit Beiträgen einer Reihe von Spendern für 3 Millionen US-Dollar in das MoMA ein. Schreiben über den Kauf in aNew York Times Artikel über die Übernahme von Jasper Johns durch das MoMA Bronze gemalt (1960), Randy Kennedy bemerkte Wie lange hatte das Museum gebraucht, um Schnabel offiziell zu unterstützen, trotz seiner Bedeutung in den 80er Jahren und seines einflussreichen Wiederauflebens:

William Rubin, der viele Jahre lang der mächtige Kurator für Malerei und Skulptur der Moderne war, hatte eine Position gegen das Gemälde von Herrn Schnabel, die so festgelegt war, dass er 1984 einen Brief an die New York Times schrieb, in dem er eine Korrektur eines Satzes in einem Artikel vorschlug, in dem es heißt: „ Die Moderne hat Schnabel noch nicht erworben. Er sagte, der Satz hätte das Wort "noch" nicht enthalten sollen.

Trotz der Tatsache, dass Basquiat ausgezeichnet ist Glenn (1985) ist jetzt im MoMA zu sehen, es stimmt immer noch, dass das Museum noch kein Gemälde des Künstlers erworben hat. Glenn wird von einem Wandetikett begleitet, das es als Leihgabe aus einer Privatsammlung kennzeichnet, weder als eigene Arbeit des Museums noch als versprochenes Geschenk. Dies ist ein außergewöhnlicher Fall. Das Museum hat nicht die Gewohnheit, außerhalb von Sonderausstellungen Werke aus Privatsammlungen zu präsentieren, da dies den Status von Kunst in privater Hand erhöhen würde, damit sie dann mit wertschöpfender Herkunft verkauft werden können. In diesem Moment ist die Aufnahme des Wortes „noch“ völlig angemessen. Das Vorhandensein dieses Gemäldes als langfristige Leihgabe kann als eine sehr öffentliche Ankündigung angesehen werden, dass ein Basquiat nicht in den Beständen des Museums vorhanden ist, eine Verlockung für Eigentümer und Spender, die möglicherweise hervorkommen - oder sozusagen zur Rettung kommen.

Auf der jüngsten Ausstellung der Art Dealers Association of America in New York stellte der Händler Christophe van de Weghe eines der gemeinsamen Gemälde von Basquiat und Andy Warhol aus der Mitte der 80er Jahre aus, das zu dieser Zeit ein kritischer und kommerzieller Misserfolg gewesen war. Auf die Frage, warum es in Basquiat im MoMA gab, sagte van de Weghe sachlich: "Sie haben es verpasst." Obwohl dies in jeder Hinsicht zutrifft, gibt es keine zufriedenstellende Erklärung für die Antwort. Etwas zu verpassen schlägt eine Instanz vor. Wie haben das Museum und andere im ganzen Land Basquiat so lange vermisst? In den 80ern, 90ern, durch und nach den 2000ern? Hatten Sammler und Vorstandsmitglieder in diesen vielen Jahren nicht Werke angeboten? Darüber hinaus bedeutet das Fehlen von etwas auch, dass das, was übersehen wurde, später gefunden werden kann, dh wenn das Bedürfnis und der Wunsch bestehen.

Wenn man die Scorecard für Museen und die Darstellung von Künstlern der 80er Jahre zusammenzählt, entfaltet sich eine bestimmte Geschichte. Wenn man bedenkt, dass Figuren der 60er und 70er Jahre wie Sigmar Polke und Gerhard Richter aufgrund ihrer späteren Rezeption und Übernahme als Künstler der 80er Jahre in Amerika gelten, deutet eine Tendenz zu Europa in dieser Zeit zumindest kulturell darauf hin, dass Deutschland den Krieg gewonnen hat . Im MoMA, einschließlich aller großen und kleinen Medien, gibt es 17 Werke von Anselm Kiefer, 41 von Rosemarie Trockel, 93 von Martin Kippenberger, 106 von Richter und 137 von Polke.

Die einzige in New York lebende amerikanische Künstlerin, die es fast mit ihnen aufnehmen kann, ist Cindy Sherman, da das Museum einen vollständigen Satz ihrer „Untitled Film Stills“ (bestehend aus 69 Bildern) sowie 24 separate Fotos und sechs frühe Filme besitzt. Das MoMA verfügt über vier Zeichnungen von Basquiat, ein Portfolio mit fünf Drucken, eine Testpressung einer Schallplatte und einen großen Siebdruck (nicht einzigartig, aber aus einer Auflage von zehn Exemplaren). Das Metropolitan Museum of Art besitzt nur zwei Arbeiten von Basquiat auf Papier, die vom Nachlass des Künstlers stammen. Das Brooklyn Museum besitzt trotz einer Retrospektive von 2005 und der aktuellen Präsentation von „Basquiat: The Unknown Notebooks“ nur eine Zeichnung und einen Druck, beides Spenden. Im San Francisco Museum of Modern Art gibt es ein Gemälde und eine Zeichnung.

Nur das Whitney Museum und das Museum für zeitgenössische Kunst in LA können eine vollständig geformte Ansicht dieses Künstlers präsentieren, mit bedeutenden Gemälden unter einem halben Dutzend seiner Werke in jeder Sammlung. Es gibt keine im Guggenheim, im Los Angeles County Kunstmuseum, im Art Institute of Chicago, im Museum für zeitgenössische Kunst Chicago, im Walker Art Center, im Philadelphia Museum of Art oder im Seattle Art Museum. Das MoMA, das sich der Erzählung der Geschichte der modernen Kunst widmet, könnte in den 80er Jahren von der Postmoderne bedroht gewesen sein. Trotz der intensiven Aktivitäten der Künstler in New York zu dieser Zeit scheint das Museum das Jahrzehnt übersehen zu haben. Obwohl sie keineswegs der zeitgenössischen Kunst gewidmet waren, waren sie bereit, nur als Bewahrer der Vergangenheit angesehen zu werden? Die wirkliche Bedrohung der Postmoderne für das Museum bestand darin, die Erzählung der Kunst als Post-MoMA voranzutreiben.

Auf die Frage, was das MoMA möglicherweise daran gehindert hat, ein Basquiat-Gemälde zu erwerben, antwortete Mary Boone, die den Künstler Mitte der 80er Jahre in New York vertrat: "Es war kein Geld, es waren Zinsen." Sie fügte hinzu: "Zu seinen Lebzeiten war das teuerste Gemälde 80.000 Dollar." Das Basquiat-Gemälde, das jetzt im Museum zu sehen ist, hat einen markanten und ikonischen zentralen Kopf auf einem Boden, der aus ungefähr 70 collagierten Zeichnungen besteht, die alle für sich genommen fantastisch spannende Werke sind. Früher in der Sammlung von Larry Warsh, wurde es im November 2004 bei Christie für 1,4 Millionen US-Dollar versteigert, was unter der Vorverkaufsschätzung von 1,5 bis 2 Millionen US-Dollar liegt. Die aktuelle Bewertung würde eher im Bereich von 12 bis 15 Millionen US-Dollar liegen. Museen müssen natürlich eine feine Linie gehen, wenn sie mit unbequemen Lücken in den vorangegangenen Erzählungen konfrontiert werden, Auslassungen, die sie erben und die sie möglicherweise verfolgen und die angegangen werden müssen. In Tamra Davis 'Basquiat-Dokumentarfilm Das strahlende Kind (2010), MoMAs Chefkuratorin für Malerei und Skulptur Ann Temkin, die neben William Rubin gearbeitet hatte, wird nach der Abwesenheit des Künstlers aus seiner Sammlung gefragt. Ihre Reaktion wird gemessen; Sie wählt ihre Worte so, als würde sie einen Fuß vor den anderen auf rutschige Steine stellen, während sie einen Bach überquert:

Wenn Sie zum ersten Mal brandneue Arbeiten sehen, ist es wahrscheinlich für jemanden wie mich unangenehm, wenn sie wirklich bedeutungsvoll sind, weil ich so tief in das vertieft bin, wie das Malen bisher aussah. Und mit Basquiat hatten viele Kunstprofis Skepsis gegenüber dem, was er tat, weil die Bilder nicht unbedingt zu ihrer Vorstellung von Museumsmalerei passten, und doch ist dies natürlich genau das, was notwendig ist, um die Kunst der Zukunft zu schaffen.

Diese Kommentare wurden vor mehr als vier Jahren abgegeben. Seitdem gab es im MoMA Änderungen, die sich in Werken afroamerikanischer Künstler aus der ausgestellten Sammlung zeigen, in der aktiven Akquisition von Kunstwerken durch Farbkünstler (ein Gemälde von Kerry James Marshall wurde im vergangenen März in die Sammlung aufgenommen) und in Temkins jüngste Einstellung des afroamerikanischen Kunsthistorikers Darby English. All diese Aktivitäten stehen vor dem Hintergrund einer Zeit, in der, wie Temkin sagte, Basquiats Arbeit bei den Kuratoren Unbehagen hervorrief und nicht „zu ihrer Vorstellung von Museumsmalerei passte“. Wäre diese Skepsis 1959 aufgetaucht, insbesondere angesichts abweisender kritischer Meinungen, wo würde Stella sein? Die Verbindung von Vernunft und Elend II heute sein? Es gibt keine Möglichkeit zu wissen.

Was Basquiats „Black Paintings“ betrifft, so entzieht sich die Verteidigung, dass sie nicht in die Geschichte der Museumskunst passten, der Tatsache, dass es sich um einen Künstler handelte, der vor allem die Geschichte in seinen Schriften und Bildern festhielt. Making - Aktivitäten, die er mit den Ideen des Zitierens und Sammelns verflochten hat. Nicht allzu unterschiedlich, außer in Bezug auf visuelle Artikulation und Inhalt, ist das Werk einer Künstlerin wie Sherrie Levine, die zu dieser Zeit vom MoMA und anderen Museen angenommen wurde. 1993 organisierte Temkin eine Ausstellung im Philadelphia Museum of Art of Levine Neugeborenes (1993), eine Arbeit, die direkt aus Brancusi zitiert.

Museen sind natürlich Sammler von Geschichte, und viele Kuratoren fühlen sich zu jenen Künstlern hingezogen, für die diese Aktivität von zentraler Bedeutung ist, insbesondere durch Absorptions- und Übersetzungsakte. Basquiats Kunst, wie sie in einem historischen Kontext vergleichsweise eingeschrieben wurde, bezieht sich auf Picasso, Jackson Pollock, Rauschenberg, Cy Twombly, Jean Dubuffet und Warhol - alle Künstler in der ständigen Sammlung des MoMA - sowie auf Leonardo da Vinci und auf afrikanische und Ägyptische Kunst, wie Richard Marshall im Aufsatz „Repelling Ghosts“ im Katalog für die Basquiat-Retrospektive von 1992 im Whitney, vier Jahre nach dem Tod des Künstlers, untersucht. In derselben Veröffentlichung legt der Titel von Dick Hebdiges Aufsatz „Willkommen im Terrordom“ mehrere Einstiegspunkte für den sogenannten „Angstfaktor“ fest, der sowohl im Selbstbild dieses Künstlers als auch in der Stimme, mit der er sich befindet, impliziert ist ursprünglich kündigte er sich in der New Yorker Kunstwelt an - SAMO ©, was für "dieselbe alte Scheiße" stand. Im Fall von Basquiat war die Schrift an der Wand buchstäblich und von Anfang an klar zu erkennen. Unter vielen denkwürdigen Botschaften schrieben er und sein Mitarbeiter Al Diaz zwischen Ende der 70er und Anfang der 80er Jahre, oft in den Straßen rund um SoHo-Galerien:

SAMO © ALS ENDE FÜR BOOSH-WAH-ZEE-FANTASIEN

SAMO © FÜR DEN SO GENANNTEN AVANT GARDE

SAMO © ALS ALTERNATIVE 2 SPIELKUNST MIT DEM ABSCHNITT „RADICAL CHIC“ AUF DADDY $ FUNDS

SAMO © ALS ENDE DER MINDWASH-RELIGION, NIRGENDWO POLITIK UND BOGUS-PHILOSOPHIE

Temkins Bemerkung schließt mit dem, was wir als "Notwendigkeit von Unbehagen" bezeichnen könnten, dem Gefühl, dass Unbehagen es uns ermöglicht, nach vorne zu sehen. Aber nach vorne zu schauen ist nicht der Standpunkt des Kunsthistorikers. Zeitgenössische Kunst kann als prähistorische Kunst betrachtet werden, die nicht nur zu neu ist, sondern auch in den Markt eintaucht, von den fadenscheinigen Wänden der Kunstmessen bis zum Auktionshaus, anstatt für die heiligen Hallen des Museums bereit zu sein. Zwischen 1983 und 1987, als Mary Boone bemerkt, ausdrücklich zu Protokoll gehen wollen „, wandte sich MoMA zwei Basquiats nach unten, ein Schnabel Platte von seiner ersten Ausstellung Malerei, ein Polke und einem [Brice] Marden, sowie [Francis] Picabia Geschenk. " Museen sind sich immer der unvermeidlichen Hebung bewusst, die institutionelle Ausstellungen und Akquisitionen bieten, und sind niemals zu bemüht, Galerien dabei zu helfen, Künstler zu fördern und ihre Preise zu erhöhen. In Bezug auf die jüngste Vergangenheit war dies nie wahrer als in den hochfliegenden 80er Jahren, als der Ruf und das Vermögen bestimmter Künstler und Händler spürbar zunahmen, als Sammler erneut an Bedeutung gewannen und zu Museumstafeln aufstiegen. Museen mussten vorsichtig sein. In den 80er Jahren gab es auch das Potenzial für Sammler, die nach der Zusammenstellung vieler Werke eines Künstlers anfangen könnten, sich zu verkaufen, praktisch zu privaten Händlern zu werden und von der Imprimatur des Museums zu profitieren. (Obwohl die „großen schlechten 80er Jahre“ nicht einmal mit dem Insiderhandel von Käufern und Sammlern heute zu vergleichen beginnen.) Zu dieser Zeit, als der Markt und seine Spieler den üblichen Weg eines Künstlers und seines kurzgeschlossen zu haben schienen oder ihre Arbeit würde es erfordern, ein höheres Maß an Anerkennung zu erreichen. Kritiker und Kuratoren haben sich möglicherweise irrelevant gefühlt, weil sie nicht gewillt waren, ihre einst geschätzte Zustimmung zu vermitteln, und das Risiko, das Karussell der Kunst immer schneller zu drehen Beobachten Sie, wie das ganze Geld davonfliegt.

Diese Situation allein erklärt nicht die Zurückhaltung der Museen, sich im Moment voll und ganz mit Kunst zu beschäftigen. Was die 80er Jahre von dem unterscheidet, was unmittelbar zuvor kam, insbesondere den Konzeptualismus und Minimalismus der 60er und 70er Jahre, ist der Inhalt, der in vielerlei Hinsicht auf der Unzufriedenheit seiner Schöpfer beruhte - Kunst, die dazu gedacht war, auf schelmische Weise Knöpfe zu drücken und Entleere „Boosh-Wah-Zee-Fantasien“ und necke das Ende der Avantgarde. Das Unbehagen und sogar die Empörung, mit denen bestimmte Kunstwerke konfrontiert werden, können starke Parallelen zu dem Gefühl der Wut aufweisen, das sie antreibt oder als Sog für ihre Schaffung dient. "Die Notwendigkeit des Unbehagens" hat in den 80er Jahren möglicherweise nicht ausgereicht, um Museen davon zu überzeugen, Werke eines jungen Farbkünstlers zu erwerben, der meteorisch von der Straße gestiegen ist - oder so schien es -, dessen Wert sowohl monetär als auch ästhetisch war Vielleicht wurde sie von einer beliebigen Anzahl von Promotoren und Händlern mit ihren eigenen Investitionen und Interessen aufgeblasen. Darüber hinaus reichte es in Bezug auf den Inhalt von Basquiats Werken nicht aus, sie davon zu überzeugen, an ihren Wänden zu hängen, was die unangenehmen Gespenster von „Jim Crow“, „Al Jolson“, „Gangsterismus“ und „The Deep South“ hervorrief , "Berühmte Negersportler", "Hollywood-Afrikaner", "Abscheuliche Liberale", "Mr. Gierig ", Kolonialisierung, Rassismus, Sklaverei und" The Men’s Shelter on Third Street ". Hollywood-Afrikaner (1983), jetzt im Whitney zu sehen, war 1984 ein Geschenk an den Whitney von Douglas S. Cramer, der zu dieser Zeit viel enger mit dem MoMA verbunden war, wo er als Treuhänder und Vorsitzender des Komitees für Malerei und Skulptur fungierte und an die er mehr als hundert Kunstwerke gespendet hat. Und doch Hollywood-Afrikaner landete nicht in der 53. Straße.

Herbert und Lenore Schorr, Basquiats früheste und engagierteste Privatsammler (sie haben ungefähr 20 Gemälde und 20 Zeichnungen erworben und nie verkauft und standen dem Künstler persönlich nahe), berichten von einer Reihe von Fällen, in denen New Yorker Museen seine Arbeit ablehnten. Die Schorrs versuchten zu Lebzeiten des Künstlers zu spenden Ohne Titel (1986), eine Hauptzeichnung, fast 8 mal 10 Fuß, zum MoMA. In ihrem Bericht übermittelte eine Kuratorin der Abteilung für Drucke und Zeichnungen, Magdalena Dabrowski, die Botschaft, dass das Museum nicht interessiert sei, und sagte, dass die Arbeit „den Stauraum nicht wert“ sei. Die Zeichnung wurde dann an Whitney geschickt, wo es Richard Marshall nicht gelang, ein Akquisitionskomitee zu überzeugen, dem er laut Schorrs sagte: "Es wird Ihnen leid tun." Drei Jahre nach Basquiats Tod, als Bernice Rose im MoMA die Ausstellung „Allegorien der Moderne: Zeitgenössisches Zeichnen“ vorbereitete, besuchte sie die Schorrs in der Hoffnung, die 1987 angebotene Zeichnung auszuleihen. ohne ihr Wissen hatten sie es nicht gekauft. Sie gab gegenüber den Schorrs zu: "Wir haben ihn nicht geschätzt, als er noch lebte." Die Schorrs erinnerten sich an die verschiedenen Frustrationen und Beleidigungen rund um Basquiat und die New Yorker Museumswelt und schlossen mit ihrer jüngsten Interaktion aus den frühen 2000er Jahren, als sie dem MoMA ein Gemälde anboten, aber das Museum „konnte das Geld nicht von der Tafel sammeln. ""

Im Das strahlende KindHilton Kramer, der umstrittenste Kritiker der 1980er Jahre, verleumdet Basquiat und eine Zeit, in der Künstler von Farben und Frauen in Galerien und Museen nach größerer Sichtbarkeit suchten und diese erreichten. Kramer war stets bereit zu provozieren, stählern und hatte in keiner Weise Angst, als der Neo-Betrüger angesehen zu werden, den er so gründlich verkörperte: „Die Kunstwelt, die voller linker Typen ist, hatte das Gefühl, dass sie, wissen Sie Sie mussten sich in diese Richtung verbeugen - die Benachteiligten, Minderheiten und so weiter. “ Von Basquiat besteht er darauf: "Sein Beitrag zur Kunst ist so winzig, dass er praktisch gleich Null ist." Inwieweit diese Art von Haltung, auch wenn sie gedämpft ist, zu dieser Zeit im Rest der Kunstwelt existiert haben mag, ist nicht leicht einzuschätzen. Mit Ausnahme von Kramer, der sich als neuer Zenturio ausgibt und auf seiner Bullykanzel enthüllt, halten die meisten in der höflichen Galerie- und Museumswelt ungeschminkte Meinungen in der Nähe der Weste. Nach Kramers Äußerungen bietet der Dokumentarfilm Aufnahmen eines Basquiat-Interviews, in dem er gefragt wird: "Sie möchten gerne der schwarze Picasso genannt werden?" Worauf er antwortet: „Nicht so sehr. Es ist schmeichelhaft, aber auch erniedrigend "und fügt hinzu:" Die meisten meiner Bewertungen waren mehr Bewertungen meiner Persönlichkeit als meiner Arbeit. " Als er auf seine Reaktion auf diese Behandlung gedrängt wird, sagt er: "Sie sind nur Rassisten, die meisten dieser Leute. Sie haben dieses Bild von mir - wilder Mann, wilder Lauf, Affenmann, was auch immer sie denken. “

Eines der bekannteren Bilder von Basquiat ist das Foto von Lizzie Himmel, das auf dem Cover des New York Times Magazine im Jahr 1985, begleitet den Artikel "Neue Kunst, neues Geld: Die Vermarktung eines amerikanischen Künstlers." Er sitzt vor einem Gemälde in seinem Atelier in einem Vintage-Art-Deco-Stuhl und trägt einen makellosen dunklen Anzug, aber barfuß sind seine Dreads eng geschnitten. Sein Gesichtsausdruck zeigt einen vorsichtigen, leicht müden Trotz, als ob er all diejenigen sehen könnte, die ihn im gedruckten Bild ansehen und beurteilen werden. Und doch ist ein Foto, selbst ein großartiges „psychologisch aufschlussreiches“ Bild, nicht die Person. Die besten Künstler - und dazu gehören auch die offensten und geselligsten -, ob zerebral oder expressionistisch in ihrer Arbeit, sind immer größtenteils im Inneren, so wie sie ihre Arbeit irgendwo innerhalb ihrer Konturen und ihrer Physiologie bewohnen. Die meisten Menschen, die Museen besuchen, haben noch nie die Menschen getroffen, die die Kunst in die Welt gebracht haben. Aber es gibt Kritiker, Kuratoren, Sammler, Händler und Künstlerkollegen, die die ausgestellte Kunst für sie haben, um den Künstler im Raum zu sehen. Es ist das Nachbild, das bestehen bleibt. Für die Öffentlichkeit kann der Ruf oder die Bekanntheit eines Künstlers das Werk selbst entweder beleben oder verhindern. (Wie viele denken über ein großes, spätes de Kooning nach und wundern sich: Alkohol, Demenz?) Für diejenigen, auf die sich Basquiat als fixiert auf ein stereotypes Bild von ihm und auf seine Persönlichkeit bezog, ist es möglich, dass in den Jahren nach seinem Tod, wenn sie konfrontiert werden Mit seiner Arbeit sehen sie ihn, 27 Jahre alt, der sein Talent so vorzeitig ausgelöscht hat und an einer Überdosis Drogen gestorben ist. Dies kann nur einen früheren falschen Eindruck und eine frühere Befürchtung verstärken - ein Bild von Basquiat als schwarzem Graffiti-Schriftsteller, der von der Straße kam und nicht zum Museum gehörte und die Wände von SoHo mit seiner aphoristischen Gesellschaftskritik fast unkenntlich machte sich selbst erfüllende Prophezeiung:

SAMO © EIN ANDERER TAG EIN ANDERER DIME HYPER COOL EIN ANDERER WEG 2 TÖTEN SIE EINIGE MAL

Annina Nosei, Basquiats erste Händlerin, kontert dieses Bild und erinnert sich, wie er ihr im Alter von 19 Jahren als Geburtstagsgeschenk ein Buch über Marcel Duchamp schenkte. "Welche Graffiti-Künstlerin", fordert sie heraus, "wusste von Duchamp?" Unter 14 Werken von David Hammons in der MoMA-Sammlung, die größtenteils in den letzten zehn Jahren erworben wurden, befindet sich ein Buchwerk, Die Heilige Bibel: Altes Testament (2002). Wenn Sie das Cover öffnen, stellen Sie fest, dass es tatsächlich eine Rebound-Kopie von enthält Das Gesamtwerk von Marcel Duchampvon seinem führenden Gelehrten Arturo Schwarz. Wenn es hier eine zufällige Zirkularität gibt, kann dies daran liegen, dass ein wesentlicher Teil von Basquiats Erbe darin besteht, in den Jahren nach seinem Tod Galerien und Museen für Künstler zu öffnen, für viele, die zuvor nicht anwesend waren. Er erlebte die 90er Jahre nicht, eine Zeit, in der es zu einer größeren Inklusivität kam, und stand nicht neben einem seiner Gemälde, die im MoMA zu sehen waren. Aber dann leben wir in einer Zeit, in der die Anerkennung von Künstlern zwischen posthum und verfrüht schwankt - wer kann sagen, wann es zu früh ist? Würde ein amerikanisches Museum, das sich in einem Moment spekulativer Fiktion verwöhnt, mutig genug sein, Picasso Ende der 30er Jahre zu erwerben, oder Stella Ende der 50er Jahre, ein Basquiat-Gemälde in den 80er Jahren gekauft zu haben? Kunst bewegt sich gleichzeitig in mehrere Richtungen, ebenso wie ihre Geschichte.

von Bob Nicklas in artnews


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